"Dionisio en el 69" es la primera obra de The Performance Group, un colectivo de teatro que surgió de un taller que lideró Richard Schechner en noviembre de 1967, poco después de que llegase de la Universidad de Tulane a enseñar en NYU. "D69" fue la primera pieza de "Teatro Ambiental" (Enviromental Theatre), mostrada en el Performing Garage, hogar durante muchos años del Performance Group, y actual cede del Wooster Group, que surgió en el 1980 del TPG. Esta pieza es una libre adaptación y distorsión de "Las bacantes" de Eurípides, y fue notable por introducir varios eventos pioneros en la escena de teatro de Nueva York, incluyendo la participación del público, un beso entre dos hombres, y la desnudez frontal femenina y masculina. El Performing Garage se llenó de plataformas y torres, el piso cubierto de alfombras. No habían asientos, lo que quería decir que los actores y los espectadores compartían un mismo espacio, en el suelo y en los andamios. "D69" se creó durante un largo tiempo de talleres y ensayos. La producción -- como todo el trabajo de Schechner que le siguió -- nunca se terminó. Antes de cada función, Schechner leía extensas notas y hacía varias revisiones. A lo largo de esta corrida de 14 meses, los roles eran rotados entre el elenco, y en ocasiones mujeres hicieron el papel del dios Dionisio (por ejemplo, Joan Macintosh). El TPG utilizaba cada función como un medio para confrontar el trabajo psíquico, físico, social y político del actor y del espectador. Este filme fue hecho por De Palma y sus colegas y fue sacado del pietaje que se tomó durante dos funciones en junio y julio de 1968. El filme utiliza dos imágenes yuxtapuestas en la pantalla simultáneamente para darle un sentido a la audiencia sobre la naturaleza inclusiva de la técnica del "teatro ambiental", creada por Schechner.

Documentación en video de la pieza "YokastaS" de East Coast Artists, presentada como parte del 4to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en julio del 2003 en la Ciudad de Nueva York, Estados Unidos, bajo el título "Espectáculos de la Religiosidad". "Yokastas", una obra escrita por Richard Schechner y Saviana Stanescu y dirigida por Schechner, explora la figura central de Yokasta -- la Reina/Madre/Esposa de Edipo -- presentando al público cuatro representaciones del personaje, cada una símbolo de sus diferentes facetas de vida y los diferentes acercamientos a sus experiencias de vida. El público ve a Yokasta como una pre-adolescente, como una mujer joven, como una mujer felizmente casada, y como una mujer vieja que resume inteligentemente todos los aspectos de su vida. Este video incluye una discusión post-performance dirigida por Luis Peirano. East Coast Artists es un compañía profesional de teatro que trabaja obras noveles y re-interpretaciones de los clásicos. ECA también conduce talleres de entrenamiento. Fundada en 1991 por Richard Schechner, ECA ha producido "Faust/gastronome", "Amerika" (inspirada en el trabajo de Kafka), "Tres Hermanas" de Chekhov, y "YokastaS". ECA enfoca su trabajo en largos procesos de taller y ensayo, en ensayos abiertos, y en revisiones continuas de sus producciones.

Este taller de entrenamiento y performance se enfoca en el uso de la técnica de las cajas de rasa, divisada por Richard Schechner. Michelle Minnick y Paula Murray Cole lideran al taller con un calentamiento de yoga, y luego pasan a dirigir ejercicios de respiración profunda, ejercicios de vocalización, ejercicios de movimiento en cámara lenta y otros ejercicios inventados o adaptados por Schechner; y finalmente las cajas de rasa. El taller, tomado como un todo, es una exploración de las expresiones psico-físicas que conectan lo personal a lo social. Este entrenamiento ofrece un acercamiento único a la representación de las ocho emociones básicas según especificadas por el manual de teatro escrito en sánscrito, el "Natyasastra" de Bharata. En el taller aquí documentado, cuatro estudiantes comienzan su calentamiento junto a sus instructoras y luego dibujan palabras e imágenes en ocho de las nueve "cajas" delineadas en el suelo con cinta adhesiva. La novena, y caja central, se deja en blanco porque representa el "shanta", un estado de éxtasis que no contiene emoción. Esta técnica combina los conceptos indios mencionados con el llamado que hace Antoin Artaud a que los actores sean "atletas de las emociones". Las nueve rasas de la teoría del teatro indio son: adbhuta (sorpresa, asombro), sringara (amor, eros), bhayanaka (temor, horror), bibhatsa (repugnancia, asco), vira (valor, lo heróico), hasya (risa, lo cómico), karuna (tristeza, compasión), raudra (rabia, destrucción) y shanta (paz, éxtais). Los participantes del taller se mueven entre las cajas, brincando de un estado emocional al otro y en momentos, interactuando los unos con los otros.

El colectivo East Coast Artists, liderado por Richard Schechner, trae a colación este mito fundacional del Occidente al siglo XX. Esta vez Fausto es un cocinero-alquimista. La preparación y el consumo de la comida sirven cómo metáfora de los destructivos apetititos de la expansión del Occidente, que culmina en el crimen de genocidio Nazi y en el exceso post-industrial de la globalización y la manipulación genética. Schechner y sus colegas re-estructuran la historia. Mefistófeles es interpretado por una mujer vestida de hombre, pero que no oculta su verdadero género, y tiene como asistente a Hitler, quien también es interpretado por una mujer. La primera parte de la obra tiene bastante de la obra de Goethe, y narra el trayecto de la seducción de Gretchen ejercida por Fausto (con la ayuda de Mefistófeles), la cual culmina en el abandono y la muerte de la joven. Gran parte del diálogo, perteneciente a la obra de Goethe, es hablado en alemán. La segunda parte es descrita por Schechner como "la tragedia del desarrollo". En esta escena, Fausto lidera el "Primer Grupo" de corporaciones envueltas en la manipulación genética y la explotación global. Justo antes de su muerte y su condena, Fausto se encuentra con Gretchen, quien ha venido a buscarlo para llevarlo al infierno. En un punto de la obra, el arquitecto de Hitler, Albert Speer, aparece en un "talk show" justificando la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Más tarde, Fausto y un adolescente neo-nazi aparecen en el mismo programa. La escenografía está compuesta de tres mesas de madera utilizadas de diferentes maneras para contener la acción. En una plataforma ubicada en la parte posterior del escenario, el compositor Ralph Denzer lidera un pequeño conjunto de jazz.

Para esta producción de East Coast Artists, Schechner utilizó el texto del Primer Quarto (1603) y otros textos anteriores a este. Shechner propone una colisión entre la cultura pop estadounidense del siglo XXI, la poesía isabelina, y los cuentos medievales daneses. Utilizando expresiones idiomáticas estadounidenses contemporáneas, el baile de salón, e íconos de la cultura pop como Marilyn Monroe (Gertred) y Shirley Temple (Ofelia), "Hamlet" representa el ciclón de tragedias que trae consigo la postmodernidad del siglo XXI. Schechner escribe la obra desde el futuro -- así como Gertrude, una mujer antigua, le embruja desde el pasado. Claudio es un pirata Vikingo y un intruso del mundo contemporáneo globalizado, jactancioso y guapo. Polonio es una cabeza que habla, un experto de la televisión lleno de sagacidad trillada. Rosencrantz and Guildenstern son literalmente ratas, que dejan el trazo de sus colas mientras bailan el tap. Claudio tatarea canciones de musicales de Broadway. La escena de "Get thee to a nunnery" se transforma de un baile de salón a un encuentro violento. Polonio está en una relación incestuosa con Ofelia quien es muy vieja para ponerse la ropa que lleva. Cuando su padre es asesinado, Ofelia pierde la cabeza. Hamlet está molesto, perdido, irónico, loco; un forastero en su propia casa, determinado en su indeterminación.

Las tres obras de la "Oresteia", montadas como una sola pieza de tres horas de duración, se presentaron en una concha acústica del Bosque Da'An en el centro de Tapei. La concha acústica se convirtió por completo en una orquestra y una scena. Más de 2,500 espectadores presenciaron la obra desde una pendiente cercana a la concha. Partes de la acción suceden entre el público. Por ejemplo, Agamenón hace su triunfal entrada después de la victoria de Troya en una carroza que atraviesa la pendiente y los espectadores. Este condenado rey es recibido por su esposa Climenestra, en un largo pedazo de 75" de tela púrpura. Mientras Agamenon desaparece de la escena al palacio, Casandra grita desde la parte de atrás del carruaje, la profecía de su desaparición. En el segundo acto, "La libación de los portadores" (The Libation of the Bearers), Orestes llega a la tumba de su padre, localizada en la punta de la pendiente donde se encuentran los espectadores. Durante el tercer acto, "Las Euménides", las Furias persiguen a Orestes por entre el público. La producción es en jingju (el estilo utilizado en la clásica ópera de Beijing), con sus estilos de canto distintivos (acompañados por una orquesta completa), acompañados de disfraces y montajes de escenas típicas de este estilo. Pero hay también sorprendentes interrupciones de postmodernidad. Los protagonistas Wu Hsing-kuo y Wei Hai-min son los más importantes actores del teatro clásico de Taiwán. La obra es presentada en mandarín con algunos fragmentos hablados en otros dialectos antiguos pertenecientes al estilo del jingju. Hay algunas líneas habladas en taiwanés, en el momento en que un personaje, vestido en traje moderno, le explica la historia al público taiwanés.

Este video comienza mostrando a las personas que llegan y conversan durante la recepción que se llevó a cabo en la Oficina del Decano en la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York. Treinta a cincuenta personas llegan a la actividad y se juntan y conversan en grupos pequeños, mientras la cámara se mueve alrededor de ellos, grabando fragmentos de sus conversaciones. Michelle Minnick, uno de los miembros de ECA, es la anfitriona del evento. Prontamente, las personas encuentran una silla entre las que están arregladas alrededor de una rejilla rectangular compuesta de nueve cuadros o cajas: las cajas de Rasa. Richard Schechner anuncia el comienzo del evento y le sugiere al público que considere el trabajo de ECA como "un repensar de las artes". Discute el trabajo de las cajas de rasa como una manera en la que los actores/performeros pueden expresar sus emociones de inmediato, sin pensamiento previo o reconocimiento de una emoción pasada -- un ejercicio distinto a los ejercicios tradicionales de actuación. Paula Murray Cole explica la rejilla que se encuentra delineada en el suelo -- las cajas albergan cada una de las nueve rasas. Este entrenamiento ofrece un acercamiento único a la representación de las ocho emociones básicas según especificadas por el manual de teatro escrito en Sánscrito, el "Natyasastra" de Bharata. La novena, y caja central, se deja en blanco porque representa el "shanta", un estado de éxtasis que no contiene emoción. Esta técnica combina los conceptos indios mencionados con el llamado que hace Antoin Artaud a que los actores sean "atletas de las emociones". Las nueve rasas de la teoría del teatro indio son: adbhuta (sorpresa, asombro), sringara (amor, eros), bhayanaka (temor, horror), bibhatsa (repugnancia, asco), vira (valor, lo heróico), hasya (risa, lo cómico), karuna (tristeza, compasión), raudra (rabia, destrucción) y shanta (paz, éxtais). Los participantes del taller se mueven entre las cajas, brincando de un estado emocional al otro y en momentos, interactuando los unos con los otros. Los miembro de ECA demuestran la técnica de las cajas de rasa. Varios conferenciantes, incluyendo Richard Schechner, describen la técnica y su utilidad en varios contextos.

Este filme (1974) documenta y de alguna manera reorganiza las escenas de esta producción (1973) del Performance Group. En "The Tooth of Crime", Shepard (el escritor) alimenta el texto con algunas figuras míticas/populares y con motivos del imaginario estadounidense como el vaquero, la estrella de rock, la novia, el disc-jockey, y el rechazado. El lenguaje de la obra es rítmico, con una riqueza particular de aliteración y sincopados que los actores del Performance Group fueron hilvanando a la obra a través de técnicas verbo-físicas para producir armonías, tensiones, y estados emocionales y físicos. El drama corporiza las contradicciones inherentes de un sistema de "estrellas" que crea "personalidades" sólo para descartarlas en un futuro cercano cuando no son comercialmente productivas. Utilizando su propia versión del rock, el TPG explora, en un ambiente físicamente complejo, un mundo de gángsteres y vaqueros urbanos. La pieza presenta una miríada de personajes sacados de tirillas cómicas, que subrayan el fracaso y la decepción del "Sueño Americano". Las sutilizas de caracterización, la puesta en escena al estilo del "teatro ambiental", la música y el movimiento hacen de esta producción única. Ya que el ambiente no permite que la acción se vea desde una sola perspectiva, el público fluye con la acción a través del teatro. La actuación de Spalding Gray como Hoss, es tal vez su mejor trabajo en el teatro "regular".

En vez de atar las "Tres Hermanas" de Chekhov a su propio o a cualquier periodo de tiempo, esta producción se mueve a través del tiempo. El primer acto, montado en un estilo realista, toma lugar en el 1901 en un pueblo provinciano de Rusia. La acción se centra alrededor del cumpleaños número veintidós de Irina, la hermana menor, y en la llegada de un apuesto oficial, el Coronel Vershinin. El segundo acto es montado en el estilo de la biomecánica; estilo que se le adjudica al director ruso Vsevolod Meyerhold y que desarrolló en los años 20, periodo de altas aspiraciones revolucionarias Soviéticas. El escenario se encuentra vacío, con la excepción de dos bancos, un sofá y un piano. Los actores cantan canciones del Ejército Rojo. El tercer acto toma lugar en los años 50 en un campo de labor Siberiano. Los prisioneros representan la obra de Chekhov a la misma vez que construyen paredes de ladrillos de ceniza. El último acto toma lugar en el aquí y ahora del teatro. Los actores, hablan a través de micrófonos y se dirigen directamente al público. En el fondo, se escuchan fragmentos de diálogos recitados en los actos previos. El sueño de las hermanas de regresar a Moscú se ha viso tronchado; los amoríos se han terminado. Mientras las hermanas se preguntan qué significa su sufrimiento, el viejo doctor Chebutykin murmura: "No importa, no importa". La mayoría de la obra es presentada en Inglés, aunque el papel de Anfisa, protagonizado por Michelle Minnick, proclama en Ruso el texto original de Chekhov. Minnick tradujo la obra del Ruso al Inglés. El elenco también interpreta varias canciones de la Europa del Este de los siglos XIX y XX. En esta producción, ECA prueba y explora la relevancia de "Las tres hermanas" como un drama, una pieza de teatro físico, una pieza de temor y esperanza, una farsa y una telenovela.

"YokastaS Redux" presenta a la madre de Edipo en cuatro diferentes fases de su vida, representadas por cuatro diferentes actrices. Al segmentar el personaje de Yokasta en varios personaje, Schechner y Stanescu (los escritores de esta adaptación de Edipo Rey) reconfiguraron la historia y la convirtieron en una narrativa plural de deseos conflictivos y experiencias de vida. Este multifacético trabajo combina la ironía, la tragedia, el humor, la sexualidad, el asesinato y la cultura pop. Yoyo, una niña pre-adolescente, se encuentra determinada e insiste en que no vivirá la vida que el destino le ha impuesto. Yoko aparece primero en la noche en la que abandona a Edipo y se ve por última vez en la noche antes que Laius parte para su último viaje a Delphi. Agriada y molesta, Yoko busca obtener venganza por su arruinada vida. Yono le da la bienvenida a Tebas a un Edipo joven y lujurioso, se casa con él, le provee cuatro hijos, y lo entrena para ser un rey. En una escena, Yoko describe cómo, antes de que Edipo entrase a su vida, ella ahogó a sus niños recién nacidos. Finalmente, Yokasta, alrededor de los 55 años, y convertida en una sabia e ingeniosa cínica, se presenta en "talk shows" para denunciar las "mentiras" que Sófocles y Freud han escrito sobre ella. En uno de estos "talk shows" las cuatros Yokastas, en este caso representando a Yokasta, Medea y Fedra, arguyen sobre quién es la "mamá más mala" de las tragedias. Las múltiples Yokastas terminan la obra compartiendo el escenario, interactuando y discutiendo entre ellas mismas, y finalmente, con el público.