Performances

enc05_coatlicue_jp_LgPhoto/ Foto: Julio Pantoja

 

Caracol Corazón de la Tierra - Flor de la Esperanza

Biografía

Elvira y Hortencia Colorado (Chichimec Otomi) narradoras, dramaturgas, actrices y activistas comunitarias, son miembros fundadores de Coatlicue Theatre Company. También son miembros de Danza Mexica Cetiliztli, New York Zapatistas y de la American Indian Community House. Las obras de la compañía tratan de cuestiones sociales, políticas, culturales y de identidad, que tienen impacto sobre sus vidas y sobre su comunidad. El trabajo se basa en historias que se entrelazan y que educan además de divertir. Estas historias también reafirman su supervivencia como indígenas urbanas norteamericanas. Condujeron talleres de teatro y de narración oral. Recibieron el premio Ingrid Washinawatok de Activismo Comunitario.

Coatlicue Theatre

enc05_danca_palacios_LgPhoto/ Foto: Julio Pantoja

 

Coreografía 'Cordel'

Biografía

Al final de la década de los 90 el proceso de creación del bailarín en el producto artístico adquirió mayor importancia para la Companhia de Dança Palácio das Artes. Como resultado de este proceso se crearon nuevas coreografías, ya sea por renombrados coreógrafos invitados o por bailarines del propio grupo, como Imago, de Rodrigo Gièse (1997), lo que culminó en los montajes de: Entre o Céu e as Serras, Sonho de una Noite de Verão y Poderia Ser Rosa. El foco de gestión de la Cia., bajo la responsabilidad de Cristina Machado, utiliza el potencial creador de los bailarines e incentiva y promueve la investigación en danza. Coreografia de Cordel, de 2004, supera un pasado de identificación estricta con el ballet clásico. Mantiene, sin embargo, el profesionalismo de los primeros años, característica significativa del antiguo Corpo de Baile, fundado en 1971 por el ex-bailarín del Teatro Municipal de Rio de Janeiro, Carlos Leite (1914-95). Con la enseñanza de la técnica clásica, el maestro de ballet y coreógrafo profesionalizó bailarines y construyó la excelente reputación nacional de la compañía. Por más de 20 años el grupo dedicó especial atención a montajes de grandes piezas del repertorio erudito y óperas producidas por el Palácio de las Artes.

Companhia de Dança Palácio das Artes

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Photo/ Foto: Julio Pantoja

Dancing Earth

Biografía

Dancing Earth es un grupo de bailarines indígenas que trabaja como colectivo bajo el liderazgo de Rulan Tangen, buscando expresar la singularidad de la identidad y la perspectiva indígena a través de la creación y la renovación de los rituales culturales y artísticos basados en el movimiento. "Nuestras danzas, antiguas y futuristas, son un lenguaje elemental del cuerpo y la mente en movimiento. Cultivamos nuestra individualidad artística para el fortalecimiento de todas las personas y creamos puentes entre el arte y la humanidad, entre la tradición y la experimentación. A través del movimiento, nos agrupamos con respeto, inspiración e innovación. Creamos nuestros trabajos con colaboradores indígenas en los campos de la música, confección de máscaras, fotografía, vestuario, diseño de iluminación, arquitectura, poesía y narración de historias". Junto a la coreógrafa Rulan Tangen se encuentran artistas que han trabajado internacionalmente en teatro de sala, teatro de calle y cine: el músico, bailarín y pintor Quetzal Guerrero (Cambiva, Yacqui, Ahumeche), el bailarín/fotógrafo Antony Ch-Wl-Tas Collins (Salt River Pima, Sneca, Osage), el bailarín/actor/pintor Alejandro Meraz (Tarasco), y el pintor/videógrafo Joaquín Newman.

Dancing Earth

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Photo/ Foto: Julio Pantoja

The Language of the Soul

Biografía

Presidente y Fundador del RiddimAthon!, David Pleasant es un estilista musical criado en la cultura Gullah/Geechee de Georgia, concretamente Sapelo Island, el condado Darien/McIntosh y Savannah. Su trabajo se inspira en la riqueza cultural africana que conservó esa región de Georgia. Como especialista Fulbright, presenta programas internacionales sobre este tema. Ha presentado su trabajo en el contexto del teatro, la danza y la televisión. Recientemente, apareció en el galardonado musical Crowns de Regina Taylor. Pleasant está particularmente interesado en el 5° Encuentro Internacional de Performance, Performances y ‘Raíces’: Prácticas Indígenas Contemporáneas y Movilizaciones Comunitarias, como espacio para demostrar las singulares expresiones de la cultura de Georgia y de las islas de Carolina del Sur. Estas expresiones incluyen polirritmos, llamada y respuesta, palmadas tonales, síncopa, improvisación, percusiones simultáneas, gritos y otros tantos ritmos variados y peculiares que han marcado a la música popular estadounidense.

David Pleasant

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Como Habitar Uma Paisagem Sonora – Projeto para uma Performance

Biografía

Dudude Herrmann es una de las precursoras de la danza contemporánea de Belo Horizonte, Brasil. Es bailarina, coreógrafa, directora de espectáculos y profesora de danza. Firmó, en la década del 70, la dirección de muchos espectáculos del Grupo 1º Ato. En 1994 creó la compañía de danza Benvinda con la propuesta de investigar la danza dentro de un lenguaje contemporáneo que no niega los orígenes brasileros. Fue becada por el Centro Coreográfico Nacional de Orléans (Francia) por invitación de Josef Nadj concedida por el Ministerio de la Cultura de Brasil – Proyecto Bolsa Virtuose 2000. En 2002-2003 realizó la investigación "Poética de um andarilho: A Escrita do Movimento no espaço de fora" como becaria del Programa Vitae de Artes.


Marcelo Kraiser nació en Belo Horizonte en 1952. Artist plástico, trabaja con fotografía, diseño, vídeo, bandas sonoras, ilustración y poesía. Es profesor de la graduación y post-graduación en Artes Visuales de la Escola de Belas Artes de UFMG. Realizó 9 exposiciones individuales y participó en más de 30 exposiciones colectivas en Belo Horizonte, Rio de Janeiro y São Paulo. Doctor en Letras—Literatura Comparada por la FALE/ UFMG. Publicó los libros de poesía visual: Lúcia Rosas/ textos impuros, Corpos Seriais, Luna Nula y Paixão.

Dudude Herrmann & Marcelo Kraiser: How to Inhabit a Sonic Landscape

enc05_FOMMA_jp_LgPhoto/ Foto: Julio Pantoja

Soledad y Esperanza

Biografía

Fortaleza de la Mujer Maya provee servicios y apoyo a mujeres y niños indígenas en el estado de Chiapas, México. Estas mujeres y niños indígenas han emigrado a la ciudad a causa de los acontecimientos militares de 1994 o por causas de religión. La mayoría no conocen el estilo de vida de la ciudad y muchas veces no hablan ni escriben el español. Por estas razones Fortaleza de la Mujer Maya provee programas que enseñan a mujeres y niños Tzeltal, Tzotzil, y español y también un número de oficios vocacionales como sastrería, panadería, artes manuales, y programas culturales y computación. También, Fortaleza de la Mujer Maya provee servicios de guardería, educación de los derechos de la mujer y salud.

FOMMA

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Cobra Norato

Biografía

Grupo de Teatro de Bonecos Giramundo: Los artistas del grupo - que cargan en la maleta espectáculos premiados, como Cobra Norato - son capaces de dar a los muñecos habilidad para interpretar textos complejos. "Cada muñeco tiene un tipo de información diferente. Los montajes exigen mucha investigación. Las técnicas de manipulación y el material que utilizamos en la confección de los muñecos dependen de cómo será el texto, la banda sonora y el escenario", explica Beatriz Apocalypse. Después de la muerte de sus padres el año pasado, Beatriz heredó la responsabilidad de mantener el grupo, que tiene 13 espectáculos activos. Cada año, además de montar un nuevo espectáculo, el grupo hace un remontaje. Las 950 marionetas, que escenifican las obras del grupo, componen el acervo del Museo Giramundo, que tiene la mayor colección privada de Brasil. La Coleção de Desenhos e Estudos para Teatro del museo reúne esbozos y croquis para escenografía, así como vestuarios del creador del grupo. "Lo que diferencia a Giramundo es la forma plástica de los muñecos, que varía de acuerdo con la personalidad de cada personaje", cuenta Beatriz. Es para dejar a Gepetto boquiabierto.

Grupo de Teatro de Bonecos Giramundo

enc05_grupo_galpao_jp_Lg_altPhoto/ Foto: Julio Pantoja

An Imaginary Molière

Biografía

El Grupo Galpão, fundado en 1982, es el más importante grupo teatral de Minas Gerais y uno de los más importantes de Brasil y del exterior. Algunos espectáculos de su trayectoria proyectaron al grupo internacionalmente, como Romeu e Julieta, de Shakespeare, puesto en escena en el "The Globe" en Londres y en varios países. A Rua da Amargura, de Eduardo Garrido; Um Molière Imaginário, basado en Molière; Partido, de Ítalo Calvino; y O Inspetor Geral, de Gogol componen el repertorio más reciente del grupo.

Grupo Galpão

enc05_pena_luna_jp_LgPhoto/ Foto: Julio Pantoja

El Shame-man meets el Mexican't y la hija apócrifa de Frida Cola y Freddy Krugger in Brazil

Biografía

Artista de performance y escritor, Guillermo Gómez-Peña reside en San Francisco en donde se desempeña como director artístico de La Pocha Nostra. Nacido en 1955 en la ciudad de México, Gómez-Peña llegó a los Estados Unidos en 1978. Su trabajo pionero en performance, video, radio, instalación, poesía, periodismo, y teoría cultural explora temas relacionados con el cruce de culturas, la inmigración, la política del lenguaje, la "cultura extrema" y las nuevas tecnologías. Merecedor de la beca MacArthur y del premio American Book, Gómez Peña es habitual colaborador en la National Public Radio, y en periódicos y revistas en los Estados Unidos y en México, y editor contribuyente de The Drama Review de la Universidad de Nueva York. En la actualidad Gómez Peña está preparando un DVD de artista en el que presentará performances y video art propios y de una treintena de sus colaboradores internacionales. Éste estará diseñado para proyecciones, instalaciones de video, TV inteligente, y como herramienta pedagógica.

James Luna es un indígena Luiseño y vive en la reservación de La Jolla. Además de su trabajo como artista, Luna se desempeña como consultor académico de tiempo completo en el Palomar College cerca de su morada en North County San Diego, California. Luna considera que el arte de instalación y performance, que emplea una variedad de medios tales como objetos, video, y diapositivas, ofrece “una oportunidad única para los aborígenes para expresarse sin concesiones en las formas artísticas tradicionales de la ceremonia, la danza, las tradiciones orales, y el pensamiento contemporáneo.” Sus instalaciones han sido descriptas como la transformación del espacio de la galería en un campo de batalla, en el que el público se confronta con la naturaleza de la identidad cultural, las tensiones generadas por el aislamiento cultural, y los peligros de la tergiversación desde la perspectiva indígena. Recurriendo a objetos creados y encontrados, Luna crea entornos que funcionan como proclamas tanto estéticas como políticas. Como residente de una "Rez" (reservación indígena en EEUU), Luna recurre a su experiencia personal y explora las emociones que circundan la manera en que las personas son percibidas dentro de sus culturas.

En sus performances/instalaciones, Luna trabaja con la mitología del significado del ser "indígena" en la sociedad contemporánea en Estados Unidos y expone la hipocresía de la sociedad dominante que trivializa a los indígenas como estereotipos románticos. El arte de performance/instalación de Luna es provocador, basado generalmente en los asuntos que afectan a las comunidades aborígenes, tales como los problemas socio-económicos, las adicciones, y los conflictos culturales. Luna confronta estos temas de manera directa, recurriendo al humor y a la sátira como contrapeso y como bálsamo, para dar lo que él describe como "el primer paso de la recuperación". Al demandar la participación del público, Luna desafía a los espectadores a que examinen sus propios prejuicios. Tal como lo notó una reseña, "La recompensa de las performances de Luna es el conocer más sobre nuestras propias percepciones culturales, aprendiendo dónde están los bordes, dónde comienza la incomodidad. Su voz y su imaginería conllevan el regalo que todo buen artista puede ofrecer- la ampliación de nuestro conocimiento y la conciencia, así aumentada, de lo que significa ser humano."

Violeta Luna, actriz y artista de performance, ha colaborado con La Pocha Nostra y con Guillermo Gómez-Peña desde 1998. Luna ha trabajado en diferentes eventos con distinguidos directores de teatro en México y Estados Unidos. Su trabajo explora la relación entre teatro y performance. Nacida en la ciudad de México, Luna estudió en el Centro Universitario de Teatro de la UNAM y en la Casa del Teatro.

Guillermo Gómez-Peña, James Luna, and Violeta Luna

enc05_jesusa_jp_LgPhoto/ Foto: Julio Pantoja

Cabaré Pre-hispânico: O Umbigo das Deusas

Biografias

Jesusa Rodríguez--directora mexicana, actriz, dramaturga, artista performática, escenógrafa, empresaria y activista social--ha sido reconocida como la mujer más importante de México. Sus espectáculos desafían la clasificación tradicional, atravesando con facilidad límites genéricos: de la élite a la masa popular; de la tragedia griega al cabaré; de los indios pre-colombinos a la ópera; del revue, esquete y "carpa," a las acciones performáticas dentro de proyectos políticos. Ella y su pareja, la cantora/actriz argentina Liliana Felipe, son propietarias y dirigentes de los espacios alternativos de performances en la ciudad de México, El Hábito y Teatro de la Capilla. Fueron merecedoras de un Obie Award por Mejor actuación en Las Horas de Belén, A book of Hours (1999) junto con Ruth Meleczech y el artista residente en Nueva York Mabou Mines. Rodríguez publica regularmente en el más importante periódico feminista de México, Debate Feminista.


Liliana Felipe es una de las más reconocidas cantoras y compositoras de México. Nació en Argentina en los años 50, se mudó a México poco después del comienzo de la dictatura (1976), pero su hermana y su cuñado desaparecieron – víctimas de los crímenes políticos de la dictadura militar. En México, Liliana asistió a una de las performances de Jesusa Rodríguez. Jesusa, ante la visión de Liliana en la platea, recuerda diciendo para sí misma: “Yo voy a morir con aquella mujer”. Desde entonces, Liliana y Jesusa crearon dos espacios de performances, El Cuervo y más tarde El Habito, que aún existen. En Febrero de 2000 Jesusa y Liliana “se casaron”. La música de Liliana tiene una gran variedad de seguidores en América Latina. Ella continúa siendo una presencia poderosa en Argentina, trabajando con organizaciones de derechos humanos, especialmente H.I.J.O.S. (la organización de derchos humanos que nuclea a los hijos de desaparecidos).

Jesusa Rodríguez & Liliana Felipe

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Photo/ Foto: Julio Pantoja

Fancy Dancing

Biografia

Larry Yazzie (Meskwaki/Dine) es un campeón de Fancy Dance que constantemente recibe los más altos honores en las Conferencias de Indígenas Americanos en los Estados Unidos y en Canadá. En 1995 ganó el Campeonato Mundial del estilo Fancy Dance. Larry fue criado en la Nación Meskwaki, su tierra natal, en Tama, Iowa (EE.UU). A los siete años inició su propio estilo de danza. Ese estilo es conocido por sus colores y extravagancias, así como por los desafios físicos que intensifican sus presentaciones en las competencias de danza. La creatividad y la persistencia se ponen a prueba canción tras canción mientras acelera el ritmo. En su adolescencia, Larry compitió en la categoría powwow. Como performer Larry ha viajado por los Estados Unidos, Canadá y Europa. En 1994, con la Foxwoods Dance Troupe, se presentó en Francia, Polonia, Finlandia y Rusia, en los Goodwill Games en San Petersburgo. Con la Discover Native American Dance Troupe se presentó en los Juegos Olímpicos de Verano en Atlanta, en 1996. En 1998, bailó en la película Grey Owl, la cual protagonizó el actor Pierce Brosnan. En 1999 actuó con la Lakota Dance Troupe en la entrega de premios Native American Film Awards en Los Ángeles. En 2001 co-produjo, en colaboración con Keith Secola y The Wild Band of Indians, una innovadora performance combinando las danzas indígenas americanas con el folclore indígena contemporáneo y el blues. Desde el 2001, Larry es miembro original del Kevin Locke Trio.

Larry Yazzie

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Photo/ Foto: Marlène Ramírez Cancio

Es bueno mirarse en la propia sombra

 

Biografía

Luisa Calcumil trabaja en teatro desde 1975. Estrenó como actriz, presentando performances de teatro del siglo veinte y actuando en cinco películas de importancia internacional y en varios programas de televisión. Luisa dice que Aimé Painé, la primera cantora Mapuche reconocida, tuvo una gran influencia en su vida. Luisa siempre recuerda a Aimé diciendo lo siguiente: "El saber quien es uno es el principio de ser culto". Después de muchos años de actuación sin encontrar obras donde se sintiese realmente representada, Luisa comenzó a escribir sus propias obras o a participar en la creación de performances en las cuales ella era la protagonista. De esta forma, fueron creadas las obras "Es bueno mirarse en la propia sombra" y "Hebras".


Luisa Calcumil

enc05_pamyua_LgPhoto/ Foto: Marlène Ramírez Cancio

Biografía

Originarios del ártico (Alaska y Groenlandia) Pamyua reinterpreta tradiciones modernas de los esquimales Inuit y Yup'ik a través de la narración oral, la música y la danza. Pamya presenta historias Yup'ik danzadas que retratan las tradiciones de la cultura Yup'ik del sudoeste de Alaska. El cuarteto también reúne música antigua y original para redefinir las fronteras de la expresión Inuit. Pamyua combina R&B, jazz, funk, y tendencias de la música del mundo para crear un estilo indígena peculiar y renovador. Sus presentaciones son muy dinámicas, abarcando desde danzas tradicionales a danzas de Tribalfunk– música del mundo.

Pamyua

enc05_participant_performances_jp_Lg Photo/ Foto: Julio Pantoja


Performances de artistas participantes, en la Praça da Estação, Parque Municipal y otros espacios alternativos

 

A lo largo del Encuentro, artistas participantes se juntaron y realizaron performances individuales y de grupo. Éstas incluyeron, entre otras:

  • Amapola Prada, (Perú)
  • Reona Brass, "Dawn" (Canadá) 
  • Anadel Lynton-Snyder, "Ciclos y los Otros" (Mexico)
  • Grupo Corpo de Letra, "Das raízes ao corpo: uma performance poética" (Brasil)
  • Ilona Dougherty and Teoma Naccarato, "Oongit" (Canadá)
  • Colette Jacques (Canadá)
  • Ángela Girón, “Letters from the State of Chihuahua” (USA)
  • Anne Baillargeon, "She just wants to be an Actress" (Canadá)
  • Guy Sioui Durand, "La Cervelle Renversée" (Canadá)
  • Eduardo Flores (México)
  • Capoeira, grupo do Mestre João Angoleiro (Brasil)
  • Paola Rettore (Brasil)
  • "Dança Afro-Brasileira" muestra de taller, dirigido por Marlene Silva

Performances de participantes

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Photo/ Foto: Julio Pantoja

Biografia

Quetzal Guerrero lleva el nombre "pluma preciosa" de la lengua azteca-nahuatl. Como violinista entrenado en el método Suzuki, ha estudiado y tocado internacionalmente desde los cinco años de edad, tocando con artistas legendarios como Tito Puente, Lalo Guerrero y Jorge Santana. Es artista plástico, actor, y entrena con Axé Capoeira. Como campeón de danza de calle con Sourpatch, ha actuado con H.T. Chen y Company de New York y fue invitado para bailar con Mikhail Baryshnikov. Es también bailarín fundador de Earth Dance Theater y premiado en la "Naming Ceremony" en la Conferencia Red Rhythms de la Universidad de California, Riverside. Recientemente viajó por Europa con el mundialmente renombrado Osunlade y en la actualidad trabaja en Puerto Rico como nuevo artista contratado por Yoruba Records.

Quetzal Guerrero

enc05_baca_jp_LgPhoto/ Foto: Julio Pantoja


Biografía

Susana Baca, vocalista peruana que alcanzó fama internacional con el tema "María Landó," que apareció en el disco de 1995 producido por David Byrne, "The Soul of Black Peru". Ha sido comparada con Cesaria Evora de Cabo Verde, lo cual no es sorprendente: ambas se basan en un rico material de tradiciones folclóricas de sus países, y cantan músicas marcadas por el dolor, la nostalgia y la distancia. Susana Baca no es sólo una de las grandes divas de América del Sur, sino también una incansable investigadora, responsable por hacer revivir muchas formas del folclor afro-peruano. Es además la fundadora del Centro Experimental de Música Negrocontinuo, un centro cultural dedicado a los estudios de la música y la danza afro-peruanas. Ganó el premio GRAMMY en 2002.


Susana Baca

enc05_kaiapo_danca_jp_LgPhoto/ Foto: Julio Pantoja

Biografía

Los indios Kaiapó viven en un área que es casi del tamaño de Austria, con villas a lo largo del Río Xingú, en Mato Grosso. Su territorio es formado en su mayoría por selvas tropicales. Ellos se llaman a sí mismos "Mebengokré," pero el nombre Kaiapó fue dado a la tribu por las tribus indígenas vecinas. La palabra "Kaiapó" significa "parecen monos" y probablemente fue dada porque muchas veces los hombres de la tribu bailaban con máscaras de mono. El círculo es uno de los principales símbolos de la tribu probablemente modelado en relación con el curso del sol y de la luna. Algunos aspectos distintivos de la cultura Kaiapó son los bodoques que los hombres solían usar y aún son usados por algunos, aunque la nueva generación no continúe la práctica. Otro aspecto es la pintura corporal, muy simbólica en esta cultura, hecha con líneas geométricas e intrincadas. Significa status y comportamiento social. El rojo y el negro son los principales colores. Las primorosas fiestas constituyen otro aspecto muy interesante. Estas fiestas llegan al clímax, después de un período de meses, durante el cual cada ritual se adhiere minuciosamente al grupo con sus canciones, danzas y ceremonias especiales propias para aquella fiesta. La lengua tiene 17 vocales y 16 consonantes, y una forma distinta de entonación y vocal prolongada para dar énfasis. 

Pueblo Kaiapó (Mebengokré)

enc05_welcome_ritual_mrc_LgPhoto/ Foto: Marlène Ramírez Cancio

En la ceremonia de apertura del Encuentro en Belo Horizonte, iniciada por los Maxacalí (foto, arriba) y los Kaiapó/Mebengokré de Brasil, representantes de pueblos indígenas de todas partes de las Américas intercambiaron danzas, canciones y palabras para darles la bienvenida a todos los participantes al evento de 10 días.

Ritual de Bienvenida

enc05_zeca_ligiero_LgPhoto/Foto: Julio Pantoja

Desamparo

Biografía

Zeca Ligiéro es escritor, director y profesor de teatro, y obtuvo su doctorado en el Departamento de Performance Studies en New York University. En Brasil, es el director del Instituto Hemisférico de Performance y Política, con sede en Nueva York, siendo uno de los fundadores del curso de maestría en Teatro de la UNI/Rio. También coordina el Núcleo de Estudos das Performances Afro–Ameríndias, con el cual organizó el 1º Encuentro de Performance y Política en las Américas (UNI/Rio). En el teatro, dirigió "O Mito de Medéia", "As Loucuras do Doutor Corpo Santo", "As Bacantes", y "Kabaret Futurista". En los Estados Unidos, adaptó y dirigió "The Third Bank of The River", de Guimarães Rosa, y "Elegba Crossing, a Journey", de su autoría. Ha publicado libros en portugués, español e inglés, entre ellos Divine Inspiration From Benin to Bahia, Iniciación Al Candomblé y O Teatro Infantil de Zéca Ligiéro.

Zeca Ligiéro