jp_2boys_phobophilia_enc09_0028

Photo/Foto: Julio Pantoja

Phobophilia, excitación a partir del miedo

Un pequeño número de espectadores (máximo 20), con los ojos vendados, son conducidos a un lugar secreto para presenciar un interrogatorio peculiar. Phobophilia plantea la pregunta: ¿Cuál es el papel del poeta en una época caracterizada por el miedo? El performance es inspirado en la vida y obra de Jean Cocteau.

Biografía

Dúo transdisciplinario de Montreal, compuesto por Stephen Lawson y Aaron Pollard (también conocidos ampliamente en algunos círculos como Gigi L'Amour y Pipi Douleur). Creadores de un amplio repertorio de trabajos épicos de multimedia y cabaret, performances, videos e instalaciones.

2boys.tv

01pk_2boys_trasnocheo_enc09_0001

Photo/Foto: Paula Kupfer

Show Business

Con esta performance de doblaje, 2boys.tv combinan y mezclan elementos de la cultura popular norteamericana con imagenes generadas por la máquina de propoganda más antigua del mundo occidental: El Vaticano.  Show Business “celebra” y “conmemora” el acenso del Cardenal Joseph Alois Ratzinger después del deceso del Papa Juan Pablo II en el 2005. Este choque de Broadway, Hollywood, y el catolicismo revela las relaciones cómicas y espantosa entre la iglesia y el mundo del espectáculo. 

Biografía

2boys.tv es un dúo transdisciplinario de Montreal, compuesto por Stephen Lawson y Aaron Pollard (también conocidos ampliamente en algunos círculos como Gigi L'Amour y Pipi Douleur). Creadores de un amplio repertorio de trabajos épicos de multimedia y cabaret, performances, videos e instalaciones.

 

2boys.tv

enc07_bnr_2boys

www.2boys.tv 

Zona Pellucida

En los pliegues de la zona pellucida, envuelto en un estado de sonambulismo, la “acusada” comienza a creer que es capaz de crímenes de los que se la ha acusado y que tal vez, de alguna manera, en verdad ha realizado las horribles transgresiones ella misma.

Biografía

2Boys.tv (Stephen Lawson y Aaron Pollard) es un dúo con base en Montreal, Canadá. Su piezas de performance y multimedia a menudo incorporan proyecciones de video, paisajes sonoros, registros musicales originales y encontrados, apariciones transgenéricas, vestuarios y elementos espectaculares, trabajos vocales/textuales y el arte del playback.

 

2boys.tv

jp_amurillo_monosabio_enc09_0005

photo/foto: Julio Pantoja

Monosabio

Este projeto de local específico ocorreu no campo de touradas de Santamaría, no centro de Bogotá. Um touro é Este proyecto de sitio fue desarrollado en la plaza de toros de Santamaría en el centro de Bogotá. Un toro fue dibujado en la arena, y luego se puso en llamas al caer la noche; La silueta entonces fue borrada, pero mientras más intentos se hicieron para borrarlo, más visible se hacía. Esta actuación expuso el círculo vicioso del asistente del torero, el "monosabio", que nace y muere en un eterno retorno. Esta performance explora las nociones de la vida y la muerte, a la vez contradictorias y complementarias: el monosabio trata de limpiar el rastro de la muerte, sólo para preparar el escenario para las siguientes muertes. Al realizar esta acción en un espacio situado en el centro de Bogotá, el espectáculo aborda la actual situación política violenta en Colombia y cuestiona el círculo problemático y no natural de la vida y la muerte que implica este contexto. areia e depois incinerado após o cair da noite; tenta-se então apagar a silhueta, mas quanto mais se esforçam em apagá-la, mais visível ela se torna. Esta performance expõe o ciclo vicioso do assistente de toureiro, o ‘monosabio’, que nasce e morre em um eterno retorno. Esta performance explora as noções de vida e morte, tanto contraditórias quanto complementares – o ‘monosabio’ tenta limpar os rastros da morte, apenas para preparar o palco para outras mortes. Ao realizar esta ação em um espaço situado no centro de Bogotá, a performance aborda a atual situação política violenta na Colômbia e questiona o ciclo de vida e morte problemático e não-natural que esse contexto implica.

Biografía

Andrés Sebastían Murillo Espinosa es estudiante de arte de la universidad Jorge Tadeo Lozano. Desde que ingresó a realizar sus estudios en arte ha llevado un proceso riguroso en el cual ha trabajado con diferentes prácticas artísticas.

Andrés Sebastián Murillo

There is no translation available.

A performance about race and identity in the Americas, Anna Deavere Smith experiments with a translated performance, moving between English and Spanish to convey a series of portraits of representing identities in crisis.

Anna Deavere Smith: Crossing the Lines


enc07_bnr_ajacobs

 

La historia de un chico que nació chica

Pieza original de trapecio en la que la artista combina movimiento en el trapecio con la narración de su historia de supervivencia al abuso sexual y el consecuente desarrollo de una identidad trans-genérica.

Biografía

Anna Jacobs es activista, maestra y performera. Actualmente, Anna está estudiando su Maestría en la Gallatin School for Individualized Studies, en la Universidad de Nueva York. Su trabajo en Gallatin se concentra en desarrollar herramientas para integrar el trabajo contra la opresión y las artes creativas en la educación. El trabajo de Anna está influenciado por su compromiso constante con la justicia social, política y económica, así como su su experiencia de haber sido víctima de violencia como niña, y como persona queer y trans-genéro.

 

Anna Jacobs

El “Anti-War, Anti-Empire Cabaret” (Cabaret anti-guerra, anti-imperio), parte del Encuentro 2003, “Espectáculos de religiosidad,” del Instituto Hemisférico, fue previsto como un grito hemisférico unificado, reuniendo activistas, artistas y académicos contra los planes de guerra y la edificación imperialista de la Administración Bush. El resultado fue un evento de casi cuatro horas de duración con la participación de más de veinte artistas.

Anti-War, Anti-Empire Cabaret

fp_trasnocheo_aaviles_570pxPhoto/Foto: Fran PoLLITT

Biografia

Arthur Aviles nació en Queens y creció en Long Island y los Bronx. Aviles recibió un BA en Teatro/ Danza de Bard College. Fue miembro de Bill T. Jones/Arnie Zane Dance Company desde '87 a '95 y recibió un New York Dance and Performance award (Bessie) en 1989. Fundó su compañía Arthur Aviles Typical Theatre en '96. En '98, el inauguró un nuevo espacio de performance en el South Bronx con Charles Rice-Gonzalez—BAAD!—The Bronx Academy of Arts and Dance.

Arthur Aviles

There is no translation available.

The 8th Encuentro of the Hemispheric Institute sought to examine the broad intersections between urban space, performance and political/artistic action in the Americas.

Charles Rice González: Chulito

fp_mungunza_errado_enc13_0012_570pxPhoto/Foto: Fran Pollitt

Luis Antonio - Gabriela

El documental escénico Luis Antonio – Gabriela empieza en el año de 1953, con el nacimiento de Luis Antonio, quien pasó su infancia, adolescencia y parte de su juventud en santos hasta partir hacia españa. El espectáculo fue construido a partir de los testimonios del actor y director nelson baskerville, de su hermana María Cristina, de Doracy, su madrastra, y de serginho, peluquero en santos y amigo de luis antonio, y narra su historia hasta el 2006, año de su muerte en bilbao, donde había vivido hasta entonces como Gabriela.

Biografia

La companhia Mungunzá de Teatro nace en São Paulo en el año 2006 por medio de la unión de actores recientemente formados, motivados a profundizar las técnicas aprendidas en la escuela para desarrollar un estudio detallado delteatro épico de brecht y de los lenguajes establecidos en la contemporaneidad. ha participado en diversos festivales en Brasil, acumulando 36 premios en diversas categorías.

Cia Mungunzá: Luis Antonio - Gabriela

jp_trasnocheo_cirquechetif_enc13_0007_570pxPhoto/Foto: julio Pantoja

Jerusalén en mi corazón

Adorados en la escena de culto del cabaret en Montreal, Canadá, Cirque Chétif aterriza en el Trasnocheo para armar la fiesta con su peculiar manera de traernos alegría mágica, energética e inquietantemente. Jerusalem in My Heart suelta una sobredosis de elementos culturales que ponen a la audiencia en trances, fusionando elementos psicodélicos de la cultura árabe con sonidos e imágenes electrónicos modernos.

Biografia

Cirque Chétif: Gigi L’Amour & Pipi Douleur crean piezas de cabaret político trans-media que conjuran fantasmas salidos de las bóvedas de la cultura popular gótica y de film noir. Ex-playboy internacional. Cantante de salas de espera en los aeropuertos. Bebedor de vodka. Guizo La Nuit seduce con su mezcla subversiva de poesía multilingüe electropop.

Cirque Chétif - Gigi L'Amour & Pipi Douleur, Guizo La Nuit

fp_damargem_potestad_enc13_0021_570pxPhoto/Foto: Fran Pollitt

Potestad (de Eduoardo Pavolvsky)

Potestad nace de una investigación de post-doctorado que reunió a dos profesores investigadores (un actor y un director) alrededor del tema de una interpretación a partir de estados anímicos, y la pregunta sobre las identidades políticas en los tiempos del autoritarismo en Argentina. Buscamos provocar memoria en un país con poca memoria.

Biografia

Narciso Telles es diretor del Coletivo da Margem, professor del Programa de Posgrado en Artes de la UFU, y investigado del CNPq.

Coletivo Teatro da Margem & ÁQIS: Potestad

jp_comadrearana_concert_enc09_0019

Photo/foto: Julio Pantoja

Comadre Araña en concierto

En Comadre Araña, la música tradicional del Pacífico colombiano se encuentra con el jazz, el rock, el pop y la música electrónica. Tres voces femeninas se entrelazan al ritmo del bombo, la marimba, el cununo y el guasá, con instrumentos eléctricos, el sitar hindú, el tiple de los andes colombianos, loops, samplers y todos los recursos de la electrónica en vivo.

Integrantes:

Juan Sebastián Monsalve (Director y bajista)
Juanita Delgado (voz)
Verónica Atehortúa (voz)
Urpi Barco Quintana (voz)
Andrés Felipe Salazas (batería y percusión)
Rocío Medina (Marimba de chonta y percusión)
Edwin Ospina (guitarra eléctrica, percusión)
Camilo Velásquez (tiple, programación electrónica y guitarra).

Comadre Araña

fp_trasnocheo_dfishback_enc13_05_570pxPhoto/Foto: FRAN POLLITT

En un día queer puedes ver para siempre - voz e violão

Dan Fishback cantará canciones de su década en la escena artística anti-folk y queer en NYC; incluirá canciones de su musical The Material World,  considerado “el mejor musical del downtown NYC en años” por Time Out NY.

Biografia

Dan Fishback ha trabajado como escritor y performer en New York desde el 2003. Su nuevo musical pop, The Material World, fue comisionado por Dixon Place para ser producido en el 2012. Como compositor, Fishback ha desarrollado una carrera musical en la escena anti-folk del East Village. Es artista en residencia del 2012 del Instituto Hemisférico.

Dan Fishback

pk_dlozano_marca_enc09_0015

Photo/Foto: Paula Kupfer

Marca y Ego, oficios para el cuerpo

La obra de Lozano investiga cómo se construye y conceptualiza el cuerpo dentro de las instituciones de control estatal. El título alternativo para esta interpretación, ‘12 Ejercicios fisico-rítmicos de las Américas, Sin Armas’, plantea persuasivamente preguntas sobre la construcción del cuerpo físico y político, siempre fluctuando entre el individualismo y lo social, y resistiendo o asimilando convenciones institucionales . El hecho de que la performance se presentara en la entrada de la Universidad Nacional de Bogotá también implica una reflexión sobre la autonomía de esta institución en relación con otros organismos de control.

Biografía

David Lozano es artista plástico con especialidad en pintura. Maestría en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia. Docente de la Pontificia Universidad Javeriana, Universidad de los Andes, Santo Tomás de Aquino y de la Academia Superior de Artes de Bogotá. En la actualidad es docente y director de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Como artista su trabajo indaga sobre el cuerpo posmoderno y globalizado.

David Lozano

enc05_david_pleasant_jp_Lg

Photo/ Foto: Julio Pantoja

The Language of the Soul

Biografía

Presidente y Fundador del RiddimAthon!, David Pleasant es un estilista musical criado en la cultura Gullah/Geechee de Georgia, concretamente Sapelo Island, el condado Darien/McIntosh y Savannah. Su trabajo se inspira en la riqueza cultural africana que conservó esa región de Georgia. Como especialista Fulbright, presenta programas internacionales sobre este tema. Ha presentado su trabajo en el contexto del teatro, la danza y la televisión. Recientemente, apareció en el galardonado musical Crowns de Regina Taylor. Pleasant está particularmente interesado en el 5° Encuentro Internacional de Performance, Performances y ‘Raíces’: Prácticas Indígenas Contemporáneas y Movilizaciones Comunitarias, como espacio para demostrar las singulares expresiones de la cultura de Georgia y de las islas de Carolina del Sur. Estas expresiones incluyen polirritmos, llamada y respuesta, palmadas tonales, síncopa, improvisación, percusiones simultáneas, gritos y otros tantos ritmos variados y peculiares que han marcado a la música popular estadounidense.

David Pleasant

at_desviocolectivo_cegos_enc13_0009_570pxPhoto/Foto: Alexei Taylor

Ciegos

Decenas de ejecutivos, hombres y mujeres, vestidos rigurosamente, portando maletas, bolsas, celulares y documentos, caminan lentamente cubiertos de arcilla, vendados, mezclándose con los transeúntes, desestabilizando el flujo cotidiano del centro financiero y político de la ciudad. La performance es realizada por Desvio Coletivo y Coletivo Pi, con sede en São Paulo. Ciegos busca intervenir poéticamente la ciudad y provocar diferentes lecturas.

Biografias

O Desvio Coletivo é uma rede de criadores em cena performativa que atua na zona de fronteira entre o teatro, a performance, a dança e as artes visuais e tecnológicas. O projeto visa a criação de espetáculos multimídias relacionais, instalações cênicas, intervenções artísticas em espaços específicos (site specifics), acontecimentos (hapennings),performances urbanas, ações na Internet e experimentos videográficos.

O Coletivo Pi é um grupo que trabalha com teatro e intervenção. O Pi é um símbolo ligado a circularidade, a qualquer simetria esférica. Elegemos o círculo como a forma mais democrática de distribuição de pessoas em um espaço. Todos possuem a mesma posição, todos podem se ver.

Desvio Colectivo & Colectivo Pi: Ciegos

En “Zona de dolor,” Eltit ubica el cuerpo –su cuerpo— en el centro de esta resignificación política y social: se corta y quema la piel antes de ir a un burdel donde lee partes de su novela “Lumpérica.” Su cuerpo mortificado refleja el herido cuerpo nacional y establece un vínculo entre el individuo y el colectivo, entre lo privado y lo público, exponiendo su carácter físico, sus palabras y su voz en comunión con el espacio que existe al borde de las estructuras sociales. En la última parte del video, la voz de Diamela Eltit la acompaña mientras lava la acera frente al burdel, logrando colapsar las fronteras entre las palabras de su novela, su cuerpo y el espacio habitado por las “mujeres públicas.” Eltit no sólo altera el espacio de la transacción sexual definida por género sino que también propone una poderosa reflexión sobre la posible localización de la “zona de dolor” en un momento histórico marcado por la tristeza y la injusticia.

Diamela Eltit es una reconocida artista de performance, novelista y crítica cultural de origen chileno. Ha recibido numerosos premios y nombramientos, entre ellos la beca Guggenheim en 1985. Participó en el Colectivo de Acciones de Arte (CADA), un grupo de artistas activistas chilenos que utilizaban el performance para desafiar la dictadura de Pinochet y ha sido una presencia importante en el periodo posterior a ésta, al participar en publicaciones como La Revista de Crítica Cultural. Eltit ha hecho contribuciones importantes a la teoría feminista por medio de su trabajo como artista y como crítica, así como a través de sus colaboraciones en debate feminista. En el 2000 publicó "Emergencias: Escritos sobre literatura, arte y política," un libro de ensayos que reúne parte de su crítica literaria y cultural. Su obra narrativa incluye: "Lumpérica" (1983), "Por la patria" (1986), "El cuarto mundo" (1988), "El padre mío" (1989), "Vaca sagrada" (1991), "El infarto del alma," con la fotógrafa Paz Errázuriz (1994), "Los vigilantes" (1994), "Los trabajadores de la muerte" (1998), "Mano de obra" (2002), "Puño y letra" (2005), "Jamás el fuego nunca" (2007), y su trabajo más reciente, “Impuesto a la carne” (2010). Diamela Eltit fue una de las colaboradoras más importantes de la “Escena de Avanzada,” tanto por su participación individual como por su trabajo en CADA. El objetivo era realizar “intervenciones en la vida cotidiana” destinadas a interrumpir y alterar las rutinas normalizadas en la vida urbana diaria de los ciudadanos por medio de una subversión semiótica que descontextualizará y reestructurara semánticamente el comportamiento urbano, sus lugares y sus signos.

Diamela Eltit: Zona de dolor

There is no translation available.

This is a video documentation of a performance by EDEMA incollaboration with Carlos Ezequiel Monteros (H.I.J.O.S.) and Pilar Medina (group Contraseña, Monterrey), presented at the second Hemispheric Institute Encuentro in Monterrey, Mexico, in 2001.

EDEMA: El silencio es cómplice de la ausencia

“El gran teatro del mundo” es un auto sacramental escrito por Pedro Calderón de la Barca en el siglo XVII para transmitir alegóricamente valores católicos. En diálogo con la noción trabajada por Shakespeare de que “todo el mundo es un gran escenario”, la obra propone que los seres humanos tienen un rol que interpretar, y deben tomar decisiones con virtud y sabiduría, puesto que recibirán un premio o un castigo en la vida después de la muerte. Luis Peirano rescata la poderosa espectacularidad de esta obra para ofrecer una lectura ecléctica en relación con el complejo contexto peruano a inicios del siglo XXI. El despliegue de actores, performers, bailarines, acróbatas y cantantes transforma la pieza en una fiesta que celebra múltiples tradiciones, y que revisita el mestizaje entre la cultura peruana y la española desde una perspectiva fértil y creativa. Esta obra, que presenta más de 500 performers en escena, no solamente es una valiosa relectura de lo que son los “espectáculos de la religiosidad”, sino que también es un ejemplo de la complicada relación que existe entre la religión y la política en el Perú. Dado que la intención evangelizadora del texto juega un rol secundario en la versión de Peirano, las autoridades de la Iglesia Católica peruana negaron el permiso para presentar la obra en el atrio de la catedral de Lima – un espacio central para los autos sacramentales. A pesar de esta negativa, y quizás a causa de ella, el grupo de artistas que participa en esta pieza, liderados por Peirano, decidió seguir presentándola durante varios años en otros espacios. La insistencia en seguir poniendo en escena una obra que reafirma la independencia creativa es aún recordada en Lima como un poderoso y valioso gesto político, y un recordatorio del poder del performance, capaz de movilizar afectos y conocimiento.

Luis Peirano es doctor en Humanidades por la Pontificia Universidad Católica del Perú y magíster en Comunicaciones por la University of Wisconsin, Madison. Peirano es un sociólogo que enfoca su trabajo en las comunicaciones y la cultura, y es también un afamado director teatral. Fue fundador y el primer decano de la Facultad de Ciencias y Artes de la Comunicación de la Pontificia Universidad Católica del Perú, además de desarrollar el programa de maestría en Comunicaciones en la misma universidad. Es miembro del Comité de Ética de la prensa peruana, y fue su presidente desde el 2006 hasta el 2007. Es también miembro de la Comisión Nacional de Cultura y de la Comisión de Asesoramiento Técnico de la UNESCO. En el año 2011, Luis Peirano fue Ministro de Cultura del Perú.

El gran teatro del mundo, de Pedro Calderón de la Barca

There is no translation available.

Eleonora Fabião's "Giro Piece" is a dance performance, an installation, a scream claiming attention to the body immersed in present times. An awakening call to the body led by, and oppressed by, globalization. Fabião explains, "The experience of being a "world citizen" in the era of globalization produces on me, among many advantages and benefits, a disturbing vertigo, a certain existential dizziness.

Eleonora Fabião: Giro Piece

14jp_ui_erro_brincar_enc13_0001_570pxPhoto/Foto: Julio Pantoja

Formas de jugar

Formas de Jugar discute la objetificación estética y disciplinadora del cuerpo humano, explorando la calle como campo de un juego antiguo popular en brasil, las Cinco Marías. En la sociedad contemporánea sucumbimos a la seducción de actitudes prestadas, a la falta de autenticidad, a fragmentos de posturas escogidas, casi inconscientemente, dentro de una gama de estereotipos dominantes.

Biografia

Erro Grupo es una referencia en su país por su práctica de intervención urbana multidisciplinar desarrollada desde el 2001. El grupo desarrolla teatro callejero e intervenciones urbanas que lidian con el riesgo, la violencia y performances limítrofes para la inserción del arte en la vida cotidiana en cuanto praxis política.

Erro Grupo: Formas de jugar

Frantz is a lyricist and poet with extensive experience in arts education and workshop and program development. He served as head counselor for Project 2050's Summer Retreats. He has been working with youth for over ten years and practicing his art as an MC and poet with The Peace Poets. Frantz studies writing at The New School University in New York City.

Frantz Jerome & Tommy Shepherd

There is no translation available.

'Cosmic Blood' explores the concept of mestizaje, a Spanish word used to describe the race mixture of Spanish and indigenous blood as a result of colonialism, from a perspective informed by history, contemporary culture and racial formation and creative, spiritual speculation about the future.

Gigi Otálvaro-Hormillosa: Cosmic Blood

jp_trasnocheo_gulysse_enc13_0004_570pxPhoto/Foto: FRAN POLLITT

Muñeca vudú o Si Haití fuera una mujer: On ti Travay sou 21 Pwen o Una alter(ed)nativa en algo más que ficcional

Una meditación vanguardista sobre la coacción y el consentimiento inspirado en Gédé - el espíritu vudú haitiano de la vida y de la muerte - que teje momentos de la historia geopolítica de Haití con reacciones a mi re-creación de dicha historia.

Biografia

Gina Ulysse se formo como antropóloga cultural, y es también poeta/performer y artista multi-media. Despliega la palabra hablada para explorar y expandir las zonas de frontera borrosas entre la etnografía y el performance. Ulysse teje historia, estadísticas, narrativa personal y teoría, con cantos vudú para hablar sobre temas de (in)justicia social, identidades interseccionales, espiritualidad, y la deshumanización de los haitianos y otros cuerpos marcados.

Gina Athena Ulysse

mrc_gcampuzano_travesti-perf_enc09_0025

Photo/Foto: Marlène Ramírez-Cancio

Museo Travesti

Desde 2003, Campuzano ha estado trabajando en el proyecto "Museo Travestido", una exploración de las realidades del travestismo, una escenificación de sus estéticas y una disputa entre sus formas de conocimiento y los discursos oficiales. Este espectáculo exploró un cuerpo travesti que actúa para persistir frente a un discurso negado: el ritual convertido en espectáculo, un cuerpo queer cuya performance deconstruye y ensambla sus temas y diferencias como estrategia. El ‘Museo Travestido ‘ apareció en la Universidad Nacional en el marco de una genealogía de la danza ritual peruana, siempre desde el cuerpo: los cuerpos de las ‘Chicas Extraordinarias’ en relación con su dirección intra-universitaria, y el cuerpo de Luis Gerardo Rosero, tejiendo en conjunto, a través de su coreografía, objetos y temas de memoria compartida.

Biografía

Giussepe Campuzano es investigador y artista. Desde el año 2003, lleva a cabo el proyecto "Museo Travesti", una exploración sobre las realidades del travestismo, una puesta en escena de sus estéticas y una confrontación de sus saberes con lo oficial.

Giuseppe Campuzano

jp_gonzalorabanal_enc13_0014_570pxPhoto/Foto: Julio Pantoja

Un ser dicho, para ser el nombre

Trabajo que pone en relación la palabra y la escritura, como acto violento, de un hombre que no ha sabido leer ni escribir. Su relato dará cuenta de sus deseos de aprehender la letra hablada. el hijo escribe en la figura del padre y el padre hace lo mismo, pero en el cuerpo del hijo, simultáneamente: “el cuerpo, del padre y el hijo, como el estigma del no saber”.

Biografia

Gonzalo Rabanal estudió Comunicación Audio Visual en el Instituto Arcos, periodo donde emprende la elaboración de un trabajo de obra que se proyecta de lo particular a lo colectivo, abriendo lugar a una multiplicidad expresiva. Ha sido reconocido el año 1989 con la beca Fundación Andes y el año 2010 con la beca Fundación Ford. Actualmente cursa como alumno de postgrado el Magíster en Artes Visuales en la pontificia universidad católica de chile.

Gonzalo Rabanal: Un ser dicho, para ser el nombre

enc05_bonecos_jp_LgPhoto/ Foto: Julio Pantoja

Cobra Norato

Biografía

Grupo de Teatro de Bonecos Giramundo: Los artistas del grupo - que cargan en la maleta espectáculos premiados, como Cobra Norato - son capaces de dar a los muñecos habilidad para interpretar textos complejos. "Cada muñeco tiene un tipo de información diferente. Los montajes exigen mucha investigación. Las técnicas de manipulación y el material que utilizamos en la confección de los muñecos dependen de cómo será el texto, la banda sonora y el escenario", explica Beatriz Apocalypse. Después de la muerte de sus padres el año pasado, Beatriz heredó la responsabilidad de mantener el grupo, que tiene 13 espectáculos activos. Cada año, además de montar un nuevo espectáculo, el grupo hace un remontaje. Las 950 marionetas, que escenifican las obras del grupo, componen el acervo del Museo Giramundo, que tiene la mayor colección privada de Brasil. La Coleção de Desenhos e Estudos para Teatro del museo reúne esbozos y croquis para escenografía, así como vestuarios del creador del grupo. "Lo que diferencia a Giramundo es la forma plástica de los muñecos, que varía de acuerdo con la personalidad de cada personaje", cuenta Beatriz. Es para dejar a Gepetto boquiabierto.

Grupo de Teatro de Bonecos Giramundo

enc05_grupo_galpao_jp_Lg_altPhoto/ Foto: Julio Pantoja

An Imaginary Molière

Biografía

El Grupo Galpão, fundado en 1982, es el más importante grupo teatral de Minas Gerais y uno de los más importantes de Brasil y del exterior. Algunos espectáculos de su trayectoria proyectaron al grupo internacionalmente, como Romeu e Julieta, de Shakespeare, puesto en escena en el "The Globe" en Londres y en varios países. A Rua da Amargura, de Eduardo Garrido; Um Molière Imaginário, basado en Molière; Partido, de Ítalo Calvino; y O Inspetor Geral, de Gogol componen el repertorio más reciente del grupo.

Grupo Galpão

mrc_honor_letters_enc09_0094

Photo/Foto: Marlène Ramírez-Cancio

Letters from the Dead

Cartas de los muertos empezó como un evento de imágenes creadas colectivamente para recordar el asesinato de miles de jóvenes muertos a causa de la violencia interna en la ciudad entre la diáspora caribeña de Toronto. El evento consta de un funeral silencioso en la calle. Al juntar los mensajes de los muertos con los reportajes de los medios de comunicación sobre la violencia, además de las vidas perdidas, este performance traza el intento de una mujer por enterrar a su nieto, y expresa su demanda de justicia en el presente.

Biografía

Honor Ford-Smith es Profesora Asistente en Artes de la Comunidad y Medio Ambiente, en la Facultad de Estudios Medioambientales, en York University. Es conocida principalmente por su trabajo como fundadora y Directora Artística del Teatro Colectivo Sistren en Jamaica. Sus publicaciones incluyen 3 Jamaican Plays 1976-1986Lionheart Gal: Life stories of Jamaican Women (con el colectivo Sistren); y My Mother’s Last Dance: An anthology of poems.

Honor Ford-Smith

Documentación en video de la pieza "The Alamo Piece" de Jim Calder y Sigfrido Aguilar, presentada como parte del 2do Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en junio del 2001 en Monterrey, México bajo el título "Memoria, atrocidad y resistencia". "The Alamo Piece" es una historia sobre la esperanza, la historia, sobre el NAFTA y sobre la transformación de la frontera entre México y Estado Unidos. La pieza es un viaje energizado por el imaginario poético y las vidas de los habitantes de estas fronteras.

El artista de performance Jim Calder ha viajado con sus producciones unipersonales y en grupo a través de los Estados Unidos y Europa. En la ciudad de Nueva York su trabajo ha sido mostrado en Performance Space 122, The Kitchen, The Theater for the New City e INTAR. Junto a Sigfrido Aguilar, Jim fue ganador del Fondo Rockefeller de Estados Unidos y México para la Cultura. Jim también es instructor y director del Programa de Estudios Graduados en Teatro de New York University y ha recibido becas del New York Arts Foundation for the Arts, el Jerome Foundation, el New York State Council on the Arts y el National Endowment for the Arts.

Sigfrido Aguilar ha trabajado internacionalmente con sus espectáculos unipersonales de performance y también con el Comedic Pantomime Theatre Company. Aguilar es el fundador y director de la primera escuela de pantomima, clown y movimiento en México.

Jim Calder & Sigfrido Aguilar: The Alamo Piece

There is no translation available.

Border Sound Files is an hour long solo performance-lecture that mixes spoken narrative, spoken, history, and spoken critique, with a collage of sound, noise, and music. The piece focuses on the border between Southern California and Northern Mexico and explores it as a transnational field of sound, "an aural border."

Josh Kun: Border Sound Files

jp kgrey homage enc14 0008 570px
photo/foto: Julio Pantoja

Homenaje

Homenaje es un acto de agencia corporal gender queer. Es una ofrenda de vulnerabilidad. Homenaje abre heridas que se han sanado en mi cuerpo para reactivar la energía psíquica almacenada allí y para invitar al público a erradicar las fronteras entre nosotros.

Biografía

Kris Grey/Justin Credible es artista radicado en NYC que interroga los sistemas de poder por el lente del género. Su obra se sitúa en la intersección de la comunicación, el activismo, el desarrollo comunitario, el relato, la conferencia y la producción en estudio en medios bidimensionales, tridimensionales y basados en el tiempo.

Kris Grey: Homenaje

fp_trasnocheo_lmbogad_enc13_16_570pxPhoto/Foto: FRAN POLLITT

Economúsica: Manteniendo la cuenta

Performance en vivo en donde datos económicos de nuestras vidas cotidianas y de una continua crisis global son convertidos en música absurda neo-dadaísta. Economusic es un evento de humor negro y de alta participación por parte de la audiencia; un evento que que toma nota de salarios en caída, los niveles del mar en subida, y otros indicadores de nuestro sufrimiento y nuestro éxito.

Biografia

L. M. Bogad escribe, hace performance y estrategiza con artistas revoltosos como Agit-Pop, Yes Men y La Pocha Nostra. Es co-fundador de Clandestine Insurgent Rebel Clown Army. Sus performances han reflexionado sobre temas como la revolución egipcia, las revueltas de Haymarket Square, las actividades del COINTELPRO del FBI, el golpe de estado de Pinochet en Chile, y el caos del clima global.

L.M. Bogad: Economúsica: Manteniendo la cuenta

enc05_larry_yazzie_jp_Lg

Photo/ Foto: Julio Pantoja

Fancy Dancing

Biografia

Larry Yazzie (Meskwaki/Dine) es un campeón de Fancy Dance que constantemente recibe los más altos honores en las Conferencias de Indígenas Americanos en los Estados Unidos y en Canadá. En 1995 ganó el Campeonato Mundial del estilo Fancy Dance. Larry fue criado en la Nación Meskwaki, su tierra natal, en Tama, Iowa (EE.UU). A los siete años inició su propio estilo de danza. Ese estilo es conocido por sus colores y extravagancias, así como por los desafios físicos que intensifican sus presentaciones en las competencias de danza. La creatividad y la persistencia se ponen a prueba canción tras canción mientras acelera el ritmo. En su adolescencia, Larry compitió en la categoría powwow. Como performer Larry ha viajado por los Estados Unidos, Canadá y Europa. En 1994, con la Foxwoods Dance Troupe, se presentó en Francia, Polonia, Finlandia y Rusia, en los Goodwill Games en San Petersburgo. Con la Discover Native American Dance Troupe se presentó en los Juegos Olímpicos de Verano en Atlanta, en 1996. En 1998, bailó en la película Grey Owl, la cual protagonizó el actor Pierce Brosnan. En 1999 actuó con la Lakota Dance Troupe en la entrega de premios Native American Film Awards en Los Ángeles. En 2001 co-produjo, en colaboración con Keith Secola y The Wild Band of Indians, una innovadora performance combinando las danzas indígenas americanas con el folclore indígena contemporáneo y el blues. Desde el 2001, Larry es miembro original del Kevin Locke Trio.

Larry Yazzie

enc05_luisa_calcumil_Lg
Photo/ Foto: Marlène Ramírez Cancio

Es bueno mirarse en la propia sombra

 

Biografía

Luisa Calcumil trabaja en teatro desde 1975. Estrenó como actriz, presentando performances de teatro del siglo veinte y actuando en cinco películas de importancia internacional y en varios programas de televisión. Luisa dice que Aimé Painé, la primera cantora Mapuche reconocida, tuvo una gran influencia en su vida. Luisa siempre recuerda a Aimé diciendo lo siguiente: "El saber quien es uno es el principio de ser culto". Después de muchos años de actuación sin encontrar obras donde se sintiese realmente representada, Luisa comenzó a escribir sus propias obras o a participar en la creación de performances en las cuales ella era la protagonista. De esta forma, fueron creadas las obras "Es bueno mirarse en la propia sombra" y "Hebras".


Luisa Calcumil

 

enc07_bnr_tmapuche

 

Pewma

La obra se basa en un tipo particular de sueño, el pewma, que tiene el poder de transmitir mensajes a quien lo sueña. A través del sueño se vive y se actúa en el presente la memoria del Pueblo Mapuche que acarrea la experiencia traumática del genocidio.

Biografía

El Proyecto de Teatro Mapuche (Miriam Álvarez, Lorena Cañuqueo y Carolina Sorín) es una propuesta de teatro político que se desarrolla desde el 2001, enmarcada en el planteo general del movimiento mapuche contemporáneo con base en Bariloche, provincia de Río Negro, Argentina.

Mapuche Theater Project

jp_bamuthi_spokenworld_enc13_0005_570pxPhoto/Foto: Julio Pantoja

El mundo hablado

The Spoken World es una performance de larga duración con el United States Artists Rockefeller Fellow y ganador del Alpert Award en el 2011, Marc Bamuthi Joseph. A través de un coreopoema, Joseph articula la historia de la realización de lo humano en los estados unidos, usando el lente del hip hop, el viaje global, y la salud del ambiente urbano.

Biografia

Marc Bamuthi Joseph es una de las voces más vitales en los estados unidos en performance, educación por el arte y curadoría artística. ha desarrollado varios trabajos basados en la poesía para la escena; entre ellos, Word Becomes Flesh y Scourge. Joseph ha sido comentarista en NPR y ha sido profesor adjunto en Stanford University, Lehigh University y University of Wisconsin.

Marc Bamuthi Joseph: El mundo hablado

ln_mjcontreras_santiasco_enc13_0001_570px_NEWPhoto/Foto: Lori Novak

Santiasco: Injerto De Memorias Urbanas

Diálogo performático entre fragmentos de relatos testimoniales de mujeres migrantes peruanas en Santiago y el cuerpo de la performer para crear una corporámica de la inmigración en Santiago.

Biography

María José Contreras Lorenzini es performer, Doctora en Semiótica del Cuerpo y Psicóloga. Se dedica a la creación e investigación teórica en torno a las posibilidades expresivas del cuerpo performativo. Forma parte de la Diferencia, Colectivo que realiza una serie de performances en torno al caso de Daniel Zamudio. Es docente de la Escuela de Teatro de la Universidad Católica.

María José Contreras Lorenzini: Santiasco

enc07_bnr_mmatlock

 

El Proyecto "Mammy"

Trabajo original hecho en base a una serie de monólogos que explora la influencia que el icono, estereotipo y mito de la “Mammy” ha tenido en la cultura norteamericana contemporánea.

Biografía

Nativa del estado de Washington, Estados Unidos, y graduada del National Shakespeare Conservatory de Nueva York, Michelle Matlock comenzó a desarrollar su primer unipersonal El Proyecto "Mammy" en el 2001.

Michelle Matlock

enc07_bnr_mcabrera

 

El Sistema de la Víctima

Nos queremos reír de un mal que aqueja a la población: la sensación de ser víctimas. De no poder contra las circunstancias, o de no poder contra una naturaleza secreta que nos obliga a la queja. Intérprete y Vestuario: Mónica Cabrera / Música y Diseño Gráfico: Claudio Martini / Escenografía: Bonet - Cabrera – Martini / Asistencia de Dirección: Ana Bonet / Producción General: The Cabrera's Company / Producción Ejecutiva: La Mosca Blanca.

Biografía

Mónica Cabrera es directora, actriz y escritora argentina que ha incursionado en el teatro clásico, el teatro popular y el teatro infantil. Como actriz trabaja en teatro, cine, televisión y publicidad.

Monica Cabrera

fp_trasnocheo_fulminanteenc13_0103_570pxPhoto/Foto: FRAN POLLITT

La Fulminante

Recrea en vivo materiales audiovisuales, jugando con un lenguaje endemoniado, corporal sexual y contenidos emancipatorios. Tocando temas relacionados con la globalización, la lucha antiimperialista y contra el modelo de relaciones de poder impuesto por el machismo tan arraigado en Latinoamérica.

Biografia

Nadia Granados, La Fulminante, es una artista colombiana interesada en las artes del espacio, el movimiento y el cuerpo, como lo son el video, la pornografía, la magia, la instalación y el performance. Su obra se caracteriza por la re significación de contenidos extraídos de los mass media mezclados con temas relacionados con la lucha antiglobalización.

Nadia Granados/La Fulminante

enc07_bnr_navarrete

 

La Venganza de Huitlacoche

Huitlacoche es un hongo negro que crece en el maíz. Es una delicia culinaria en México pero se considera una peste en Estados Unidos. Esta será una performance multimedia sobre actos revolucionarios, fe y supervivencia, soberanía alimentaria y peligrosos cruces de frontera.

Biografía

José Navarrete & Debby Kajiyama son bailarines radicados en Oakland, California (Estados Unidos). Su vocabulario de danza/teatro contemporáneo se ha enriquecido por estudios de percusión japonesa, danzas sociales latinoamericanas y el significado cultural de la práctica de estas formas de arte comunitario.

Navarrete X Kajiyama Teatro de danza/ José Navarrete & Debby Kajiyama

enc07_bnr_nmarinho

 

Cuerpo en Otro Cuerpo

Este proyecto coreográfico surge de la necesidad de cuestionar la forma de aprendizaje de la danza: imitación, copia, innovación, reproducción, creación.

Biografía

Nirvana Marinho es bailarina y teórica de la danza. Forma parte del Grupo de Investigación en Danza, Educación y Estética en la UNESP y del Grupo de Creación en Artes de la PUC, Brasil.

Nirvana Marinho

jp_bartolomeu_orfeu_enc13_0073_270pxPhoto/Foto: Julio Pantoja

Orfeu Mestiço: Uma Hip-Hópera Brasileira

Orfeo Mestizo narra el retorno de un político a su pasado vinculado a la dictadura militar. Una llamada telefónica sobre la exhumación del cuerpo de su compañera, Eurídice, coloca a Orfeo en contacto con un pasado que intentó olvidar durante años. a partir de este conflicto, el texto inspirado en los mitos órficos evoca en el espacio escénico personajes de varias épocas que guiarán a Orfeo en su descenso a los infiernos.

Biografia

Núcleo Bartolomeu de depoimentos desenvuelve una investigación del lenguaje a partir de la unión del teatro épico con el hip-hop, que resulta en el teatro hip-hop, un concepto pionero en brasil que abre innumerables posibilidades y campos de acción, dialogando con las tendencias y la diversidad de las manifestaciones urbanas.

Núcleo Bartolomeu: Orfeu Mestiço

There is no translation available.

This is a video documentation of Pamela Sneed’s reading/spoken word ‘America Ain’t Ready,’ presented in the Hemispheric Institute of Performance and Politics. Sneed delivers scathing and raucously humorous commentary on some of the key issues of our time, taking her audience on a journey through popular culture, American politics, and the New York City underground scene of the '80s and '90s that insists on naming the unnamed and telling the untold.

Pamela Sneed's 'America Ain't Ready'

enc05_pamyua_LgPhoto/ Foto: Marlène Ramírez Cancio

Biografía

Originarios del ártico (Alaska y Groenlandia) Pamyua reinterpreta tradiciones modernas de los esquimales Inuit y Yup'ik a través de la narración oral, la música y la danza. Pamya presenta historias Yup'ik danzadas que retratan las tradiciones de la cultura Yup'ik del sudoeste de Alaska. El cuarteto también reúne música antigua y original para redefinir las fronteras de la expresión Inuit. Pamyua combina R&B, jazz, funk, y tendencias de la música del mundo para crear un estilo indígena peculiar y renovador. Sus presentaciones son muy dinámicas, abarcando desde danzas tradicionales a danzas de Tribalfunk– música del mundo.

Pamyua

a12mrudas_pariza_mujeresplaza_enc09__0001

Photo/Foto: Mateo Rudas

¿Dónde están? Memoria viva. Mujeres en la plaza

Este acto contará con 300 mujeres, en su mayoría absoluta, víctimas y sobrevivientes quienes, acompañadas por artistas del teatro y la danza, tendrán una presencia viva, activa y poética desde la estética de la resistencia. Este acontecimiento contribuye a visibilizar ante Colombia y ante el mundo la desaparición y el desplazamiento forzados, los asesinatos sistemáticos de líderes políticos en el país, y de jóvenes presentados como falsos positivos.  Las y los que nos faltan serán recordados por el paso a través de una serie de paneles en los cuales estará el vacío que ha dejado su ausencia.

(Ver un clip de YouTube creado por estudiantes de la Universidad Nacional.)

Biografía

Patricia Ariza es dramaturga, directora y actriz colombiana. Cuarenta años atrás, fundó el “Teatro La Candelaria” con Santiago García. Actualmente es directora de la “Corporación La Candelaria” en Bogotá.

Patricia Ariza

enc05_quetzal_guerrero_jp_Lg

Photo/ Foto: Julio Pantoja

Biografia

Quetzal Guerrero lleva el nombre "pluma preciosa" de la lengua azteca-nahuatl. Como violinista entrenado en el método Suzuki, ha estudiado y tocado internacionalmente desde los cinco años de edad, tocando con artistas legendarios como Tito Puente, Lalo Guerrero y Jorge Santana. Es artista plástico, actor, y entrena con Axé Capoeira. Como campeón de danza de calle con Sourpatch, ha actuado con H.T. Chen y Company de New York y fue invitado para bailar con Mikhail Baryshnikov. Es también bailarín fundador de Earth Dance Theater y premiado en la "Naming Ceremony" en la Conferencia Red Rhythms de la Universidad de California, Riverside. Recientemente viajó por Europa con el mundialmente renombrado Osunlade y en la actualidad trabaja en Puerto Rico como nuevo artista contratado por Yoruba Records.

Quetzal Guerrero

Documentación en video del proceso de escritura del poema “La vida nueva” en el cielo de la ciudad de Nueva York. Para este “performance-acción” o “poesía-acción”, cinco aviones dibujaron letras en humo blanco silueteadas contra el cielo azul. El poema fue escrito en español como un llamado a la identificación a todos los grupos minoritarios en el mundo. Las fotografías de esata “poesía-acción” están incluidas en el libro “Anteparaíso” (“Antearadise,” una edición bilingüe, University of California Press, 1986).

Raúl Zurita (Santiago de Chile, 1950) es un poeta que fundó junto a otros artistas el grupo CADA (Colectivo de Acciones de Arte) en el 1979. CADA se dedicó a realizar un arte público de gran formato o “monumental” con carácter político y como forma de resistencia a la dictadura de Pinochet. Entre los libros de Zurita, se encuentran “Purgatorio” (1979), “Anteparaíso” (1982), “Canto a su amor desaparecido” (1985), “La vida nueva” (1994), “INRI” (2003) y “Zurita” (2011). En 1982 traza el poema “La vida nueva” sobre el cielo de Nueva York y en el 1993 traza permanentemente el último verso en el desierto de Átacama, Chile. Ha recibido las becas Guggenheim y DAAD de Alemania y, entre otros, los premios Pablo Neruda y Premio Nacional de Literatura en Chile y el Premio José Lezama Lima (Cuba, 2006).

Raúl Zurita: La vida nueva

enc07_bnr_revbilly
 

El Sermón del Reverendo Billy

Performance de evangelización en la que el Reverendo Billy le habla a la gente sobre ir de compras, el pecado y la salvación.

Biografía

El Reverendo Billy es un artista de performance de Nueva York, Estados Unidos. Director de la Iglesia Pare de Comprar, una comunidad que genera performance radicalizada, usando los estilos del tele-evangelismo fundamentalista y trabaja en la tradición del movimiento de defensa de los derechos civiles, el movimiento de liberación de los curas de Latinoamérica y ACT-UP en EEUU.

Reverend Billy

fp_congelada_pepafono_enc09_0001

Photo/Foto: Frances Pollitt

Sonata para pepáfono y voz, opus 140

Concierto en cuatro movimientos interpretado por una mujer que utiliza un instrumento musical tocado con la vagina, al que llama pepáfono. Reflexión sobre el derecho a la cultura para todo tipo de público.

Biografías

Rocío Boliver, La Congelada de Uva, en los últimos diez años, ha estado activa en el circuito del arte. En 1992 comenzó su carrera como performer con la lectura de sus textos porno-eróticos , concentrando su crítica en la represión a las mujeres.

Ana de Alba es cantante de ópera, actriz y música, especializada en el jazz.

Rocío Boliver, La Congelada de Uva and Ana de Alba

dm rboliver alternativebeauty enc14 0003 570px
photo/foto: Laura Bluher

Entre la menopausia y la vejez, belleza alternativa

Mi propuesta busca desmitificar, de forma irónica, el horror de la vejez, inventando mi propia estética demente y soluciones morales para el “problema de la edad”. Espero que mi burla de esta absurda realidad contemporánea exponga una sociedad en pedazos, basada en las apariencias, y cómo la vejez se ha convertido en sinónimo de insulto.

Biografía

Rocío Boliver (La Congelada de Uva) ha sido parte del circuito internacional de arte contemporáneo durante los últimos 20 años. En 1991 comenzó su carrera de performance leyendo sus textos porno-eróticos, concentrando sus propuestas en la crítica a la represión de mujeres. Su trabajo la sitúa en el extremo más radical de la historia del Arte del Cuerpo en México.

Rocío Boliver: Entre la menopausia y la vejez, belleza alternativa

enc07_bnr_secosymojados

 

Enterrada en el Cuerpo del Recuerdo

El inmigrante es un ser dividido. Esta signado por el hecho de haber cruzado al otro lado y de por siempre tener la conciencia de un aquí y un allá, de un antes y de un después. Después del cruce, ya nunca será el mismo.

Biografía

Secos y Mojados es un colectivo latino de performance compuesto por Violeta Luna (mexicana), Víctor Cartagena (salvadoreño), David Molina (angelino/salvadoreño) y el director Roberto G. Varea (argentino) con base en San Francisco, California, Estados Unidos.

Roberto Varea (director) nació en Argentina y desde 1992 vive en San Francisco, California, Estados Unidos. Su trabajo se enfoca en la representación escénica y su relación con la violencia de estado y los movimientos sociales de resistencia.

Secos y Mojados

enc07_bnr_sdegracia

 

Cuerpo Torturado / Cuerpo Recuperado

La performance gira en torno a las acciones destructivas que rozan la auto-agresión para aludir a la violencia política y a la flagelación del cuerpo social chileno bajo la dictadura militar de Augusto Pinochet.

Biografía

Silvio De Gracia es un artista interdisciplinario argentino. Dirige la revista de arte correo y poesía visual HOTEL DaDA y se ocupa de la organización de un festival de videoarte en Junín, Buenos Aires, Argentina.

Silvio de Gracia

enc05_baca_jp_LgPhoto/ Foto: Julio Pantoja


Biografía

Susana Baca, vocalista peruana que alcanzó fama internacional con el tema "María Landó," que apareció en el disco de 1995 producido por David Byrne, "The Soul of Black Peru". Ha sido comparada con Cesaria Evora de Cabo Verde, lo cual no es sorprendente: ambas se basan en un rico material de tradiciones folclóricas de sus países, y cantan músicas marcadas por el dolor, la nostalgia y la distancia. Susana Baca no es sólo una de las grandes divas de América del Sur, sino también una incansable investigadora, responsable por hacer revivir muchas formas del folclor afro-peruano. Es además la fundadora del Centro Experimental de Música Negrocontinuo, un centro cultural dedicado a los estudios de la música y la danza afro-peruanas. Ganó el premio GRAMMY en 2002.


Susana Baca

pk_tbruguera_untitled_enc09_0010

Photo/Foto: Paula Kupfer

Sin Título (Bogotá, 2009)

Durante el Encuentro, Guillermo Gómez-Peña y Tania Bruguera presentaron 'Dos Performances Simultáneas'. Aunque sus proyectos emergieron desde diferentes contextos geográficos y diferentes lenguajes performáticos, Bruguera y Gómez-Peña participaron en una "conversación performática" cuyo objetivo era "coexistir y co-crear un universo paralelo y temporal" como "un acto de reconciliación internacional . 'Esta es una documentación en video de la contribución de Tania Bruguera a la conversación 'Sin Título (Bogotá, 2009)', presentada como parte de la serie de la artista sobre estereotipos políticos de países específicos. En esta polémica pieza, Bruguera reunió a un panel de colombianos que habían sido directamente afectados por el conflicto de su país en torno a las drogas, para discutir sus preocupaciones y compartir sus divergentes puntos de vista. Sin saberlo, la audiencia y los curadores del evento, Bruguera había dispuesto una bandeja de cocaína para circular por todo el espacio. Como la cocaína era libremente ofrecida por una especie de "servidor" de cocaína, el foco se desplazó rápidamente del panel a la audiencia. Algunos estaban confundidos, algunos estaban indignados, otros engancharon en el consumo de drogas. Todo esto complicó los temas abordados por los panelistas - la guerra contra las drogas en Colombia y los que sufren sus consecuencias - creando un choque entre las víctimas del conflicto y la misma droga que aparentemente está en el centro de ese conflicto.

Biografía

Tania Bruguera es una artista política que trabaja primariamente en arte de conducta. En su trabajo investiga el papel del público en los performances y la relación entre ética y deseo. Bruguera está interesada en crear situaciones políticas con su obra. Su obra se ha expuesto en Documenta, Bienales de Venecia y museos como Tate Modern. En 2008 fue galardonada con el premio Prince Claus de Holanda. Su trabajo ha sido discutido en Artforum, New York Times, Performance Research, Performance: Live Art Since 1960, entre otros. En 2002 creó la Cátedra Arte de Conducta, el primer centro de estudios para arte político en La Habana.

Información Adicional

Una entrevista de radio RCN Colombia con Bruguera después de su performance.

Más información sobre su presentación del Encuentro:

Tania Bruguera

There is no translation available.

Cuentos Eróticos Africanos is based on The Black Decameron, a compilation of African folk stories by anthropologist Leo Frobenius. This is a shortened piece of the original production of Teatro Esquina Latina, with two actresses instead of the original four. The play is a spectacle of storytelling that creates the scene, for young people and adults, of the daily life, humor, and the game of love in the land that is Africa.

Teatro Esquina Latina: Cuentos Eróticos Africanos

Documentación en video del performance unipersonal de Tito Vasconcelos, presentado como parte del 2ndo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en junio del 2001 en Monterrey, México bajo el título "Memoria, atrocidad y resistencia." En este performance, Vasconcelos parodia la política mexicana y tuerce los parámetros heteronormativos del panorama político en México, vistiéndose de un personaje travesti llamado Martita-- personaje que parodia a la compañera de Vicente Fox (futura primera dama de México).

 Tito Vasconcelos es profesor de Teatro de la Universidad Nacional de México (UNAM). Ha trabajado en filmes tales como "Danzón" de María Novaro y "Esmeralda Comes at Night" (en inglés) y "De noche vienes" de Humberto Hermosillo. Su trabajo en teatro incluye colaboraciones con Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe en el cabartet del Teatro El Hábito y su propio Cabare-Tito. Durante siete años, Vasconcelos también fue el animador de un programa de radio semanal sobre asuntos LGBT (de la comunidad "queer") auspiciado por el Ministerio de Educación mexicano.

 

Tito Vasconcelos: Martita, Primera Dama and others

There is no translation available.

The Hemispheric Institute's 9th Encuentro, held at Concordia University in Montréal, Canada, sought to explore the multiple valences of the term MANIFEST! How are performances mobilized and syncretized in civic, community, and cultural contexts to create manifold forms of political expression? How do public, theatrical events produce ‘evidence’ that manifests ideas otherwise invisible, hidden, or unspeakable?

Trasnocheo for José

pk_vtakamine_hula_enc09_0008

Photo/Foto: Paula Kupfer

Hula como resistencia

Los cantos y las danzas en esta performance son alabanzas que honran a los dioses y regentes de los pueblos originarios de Hawai'i. Conmemoran sus tierras amadas y son un llamado a la unidad y a la solidaridad.

Biografías

Vicky Holt Takamine es undadora y kumu hula (maestra) de Pua Ali'i Ilima, escuela de danza hawaiana tradicional. Enseña hula en la UH Manoa y en la Leeward Community College. Graduada en rituales 'uniki de hula de Maiki Aiu Lake.  Hizo su pregrado y posgrado en Etnología de la Danza en la Universidad de Hawai. Desde 1997, coordina demostraciones, protestas y marchas pidiendo por la justicia social, económica y del medio ambiente para los pueblos originarios de Hawai'i.

‘Īlio‘ulaokalani Coalition es una organización de artistas culturales hawaianos que defienden la protección de sus derechos como pueblos originarios de Hawai y de sus recursos culturales y naturales.

  • Integrantes:

    Christina Mauliola Cook vive en Honolulu, Hawai y enseña baile creativa en escuelas por todo el estado del Hawai. En 2007, se graduó como ho‘opa‘a (drummer/chanter) y ‘ōlapa (dancer) through the ‘ūniki rituals of hula from kumu hula, Vicky Holt Takamine.

  • Alison Hartle completed her BA in English and Ethnic Studies at UC Berkeley and her MA in American Studies at the University of Hawai‘i. She has been a member of Pua Ali‘i ‘Ilima, a school of traditional Hawaiian dance, for the past fourteen years. Currently she is working on her PhD in American Studies and serves on the board of the PA‘I Foundation, a non-profit cultural foundation organized to support the needs of the native Hawaiian community.

  • Jamaica Heolimeleikalani Osorio is a recent graduate of Kamehameha Schools Kapalama and is based in Honolulu, Hawaii when she is not attending Stanford University. In 2008 Jamaica was apart of the 5 person team that won the international youth poetry competition Brave New Voices in Washington DC and is featured in Hbo's documentary "Brave New Voices." She was named the 2009 Youth Speaks Hawaii Grand Slam Champion.
  • Vicky Holt Takamine, ‘Îlio‘ulaokalani Coalition

    12jp_violeta_requiem_enc13_0013_570pxPhoto/Foto: Julio Pantoja

    Requiem para una tierra perdida

    Requiem es una intervención performativa al estilo de un ritual, para recordar los asesinatos cometidos tras la iniciativa de la “guerra de las drogas” del gobierno central de México. Requiem es un intento, desde el espacio del arte de performance, de abrir con un cuchillo forense el discurso de la muerte transmitido por quienes detentan el poder en aras de la “seguridad nacional”.

    Biografia

    Violeta Luna es una artista de performance y activista cuyo trabajo explora la relación entre el teatro, el arte de performance y el compromiso comunitario, usando su cuerpo como territorio para cuestionar y comentar fenómenos sociales y políticos. Luna obtuvo su grado en actuación por el Centro Universitario de Teatro, UNAM, y La Casa del Teatro. Actualmente es artista asociada de los colectivos de performance La Pocha Nostra y Secos & Mojados.

    Violeta Luna: Requiem para una tierra perdida

    enc05_welcome_ritual_mrc_LgPhoto/ Foto: Marlène Ramírez Cancio

    En la ceremonia de apertura del Encuentro en Belo Horizonte, iniciada por los Maxacalí (foto, arriba) y los Kaiapó/Mebengokré de Brasil, representantes de pueblos indígenas de todas partes de las Américas intercambiaron danzas, canciones y palabras para darles la bienvenida a todos los participantes al evento de 10 días.

    Ritual de Bienvenida