Documentación en video de la pieza del Teatro Esquina Latina "Cuentos eróticos africanos -- del Decamerón negro", presentada como parte del 3er Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en julio del 2002 en Lima, Perú, bajo el título "Globalización, migración y esfera pública". "Cuentos eróticos africanos" está basada en el "Decamerón negro," una colección de historias folclóricas africanas compiladas por Leo Frobenius. Esta pieza es una versión condensada de la producción original de Teatro Esquina Latina, presentada por dos actrices en vez de cuatro. La obra muestra un espectáculo de narración que recrea, tanto para jóvenes como para adultos,  la vida diaria, el humor y el juego del amor en el continente africano.

El Teatro Esquina Latina es una cooperativa de teatro de Cali, Colombia, fundada en 1973 en la Universidad del Valle como un grupo de teatro estudiantil. Teatro Esquina Latina es dirigido por Orlando Cajamarca Castro.

Teatro Esquina Latina: Cuentos eróticos africanos-del Decamerón Negro

Documentación en video del performance unipersonal de Tito Vasconcelos, presentado como parte del 2ndo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en junio del 2001 en Monterrey, México bajo el título "Memoria, atrocidad y resistencia." En este performance, Vasconcelos parodia la política mexicana y tuerce los parámetros heteronormativos del panorama político en México, vistiéndose de un personaje travesti llamado Martita-- personaje que parodia a la compañera de Vicente Fox (futura primera dama de México).

 Tito Vasconcelos es profesor de Teatro de la Universidad Nacional de México (UNAM). Ha trabajado en filmes tales como "Danzón" de María Novaro y "Esmeralda Comes at Night" (en inglés) y "De noche vienes" de Humberto Hermosillo. Su trabajo en teatro incluye colaboraciones con Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe en el cabartet del Teatro El Hábito y su propio Cabare-Tito. Durante siete años, Vasconcelos también fue el animador de un programa de radio semanal sobre asuntos LGBT (de la comunidad "queer") auspiciado por el Ministerio de Educación mexicano.

 

Tito Vasconcelos: Martita, Primera Dama and others

Documentación en video de la pieza "The Alamo Piece" de Jim Calder y Sigfrido Aguilar, presentada como parte del 2do Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en junio del 2001 en Monterrey, México bajo el título "Memoria, atrocidad y resistencia". "The Alamo Piece" es una historia sobre la esperanza, la historia, sobre el NAFTA y sobre la transformación de la frontera entre México y Estado Unidos. La pieza es un viaje energizado por el imaginario poético y las vidas de los habitantes de estas fronteras.

El artista de performance Jim Calder ha viajado con sus producciones unipersonales y en grupo a través de los Estados Unidos y Europa. En la ciudad de Nueva York su trabajo ha sido mostrado en Performance Space 122, The Kitchen, The Theater for the New City e INTAR. Junto a Sigfrido Aguilar, Jim fue ganador del Fondo Rockefeller de Estados Unidos y México para la Cultura. Jim también es instructor y director del Programa de Estudios Graduados en Teatro de New York University y ha recibido becas del New York Arts Foundation for the Arts, el Jerome Foundation, el New York State Council on the Arts y el National Endowment for the Arts.

Sigfrido Aguilar ha trabajado internacionalmente con sus espectáculos unipersonales de performance y también con el Comedic Pantomime Theatre Company. Aguilar es el fundador y director de la primera escuela de pantomima, clown y movimiento en México.

Jim Calder & Sigfrido Aguilar: The Alamo Piece

Documentación en video del performance “Cosmic Blood” (Sangre cósmica) de Gigi Otálvaro-Hormillosa, presentada como parte del 3er Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en julio del 2002 en Lima, Perú bajo el título “Globalización, migración y esfera pública.” “Sangre cósmica” explora el concepto de mestizaje, una palabra en español que describe la mezcla racial de sangre española e indígena como el resultado del colonialismo, desde una perspectiva informada por la historia, la cultura contemporánea y la formación racial y una conjetura creativa y espiritual sobre el futuro. El performance pretende ilustrar los aspectos contradictorios del mestizaje, donde el genocidio y la violación de una raza lleva a la creación una nueva raza. Además aspira a redefinir el concepto de mestizaje para incorporar a las razas mixtas y a las identidades queer, representando identidades subversivas –aunque fluidas—para desmantelar los conceptos binarios creados por los constructos coloniales relacionados a la raza y el género. Teorías de contacto entre civilizaciones antiguas y extraterrestres ayudaron a determinar esta visión del artista de performance de un mestizaje cósmico en donde la transformación inminente del mundo como lo conocemos puede llevar a la creación de una nueva existencia y de una nueva forma de ser.

Radicada en San Francisco, Gigi Otálvaro-Hormillosa, también conocida como Devil Bunny in Bondage (Conejito Demoníaco en Cautiverio), es artista interdisciplinaria de performance, artista de video, activista cultural, comisaria y percusionista de ascendencia filipino-colombiana. Originalmente de Miami, Florida, recibe su bachillerato de la Universidad de Brown donde crea una concentración independiente llamada “Hibridez y Performance.” Actualmente, se desempeña como Directora Artística de (a)eromestiza, una organización de artes interdisciplinares dedicada a presentar trabajos de video experimental y performance de personas queer y/o personas de color. Otálvaro-Hormillosa también ha trabajado con organizaciones sin fines de lucro tales como Proyecto ContraSIDA Por Vida, New Langton Arts, Galería de la Raza, Queer Cultural Center, Asian American Theater Company y Asian Pacific Islander Cultural Center. Ha tomado parte de varias colaboraciones artísticas bajo el tutelaje y dirección de artistas de la talla de Pearl Ubungen, Guillermo Gómez-Peña, Elia Arce y Afia Walking Tree. Su trabajo en performance, video y literatura ha sido presentado nacional e internacionalmente. Ha recibido becas y subvenciones de Franklin Furnace Fund for Performance Art, San Francisco Art Commission Cultural Equity Grants Program, Potrero Nuevo Fund Prize y Zellerbach Family Fund.

Gigi Otálvaro-Hormillosa: Cosmic Blood

Documentación en video del proceso de escritura del poema “La vida nueva” en el cielo de la ciudad de Nueva York. Para este “performance-acción” o “poesía-acción”, cinco aviones dibujaron letras en humo blanco silueteadas contra el cielo azul. El poema fue escrito en español como un llamado a la identificación a todos los grupos minoritarios en el mundo. Las fotografías de esata “poesía-acción” están incluidas en el libro “Anteparaíso” (“Antearadise,” una edición bilingüe, University of California Press, 1986).

Raúl Zurita (Santiago de Chile, 1950) es un poeta que fundó junto a otros artistas el grupo CADA (Colectivo de Acciones de Arte) en el 1979. CADA se dedicó a realizar un arte público de gran formato o “monumental” con carácter político y como forma de resistencia a la dictadura de Pinochet. Entre los libros de Zurita, se encuentran “Purgatorio” (1979), “Anteparaíso” (1982), “Canto a su amor desaparecido” (1985), “La vida nueva” (1994), “INRI” (2003) y “Zurita” (2011). En 1982 traza el poema “La vida nueva” sobre el cielo de Nueva York y en el 1993 traza permanentemente el último verso en el desierto de Átacama, Chile. Ha recibido las becas Guggenheim y DAAD de Alemania y, entre otros, los premios Pablo Neruda y Premio Nacional de Literatura en Chile y el Premio José Lezama Lima (Cuba, 2006).

Raúl Zurita: La vida nueva

En “Zona de dolor,” Eltit ubica el cuerpo –su cuerpo— en el centro de esta resignificación política y social: se corta y quema la piel antes de ir a un burdel donde lee partes de su novela “Lumpérica.” Su cuerpo mortificado refleja el herido cuerpo nacional y establece un vínculo entre el individuo y el colectivo, entre lo privado y lo público, exponiendo su carácter físico, sus palabras y su voz en comunión con el espacio que existe al borde de las estructuras sociales. En la última parte del video, la voz de Diamela Eltit la acompaña mientras lava la acera frente al burdel, logrando colapsar las fronteras entre las palabras de su novela, su cuerpo y el espacio habitado por las “mujeres públicas.” Eltit no sólo altera el espacio de la transacción sexual definida por género sino que también propone una poderosa reflexión sobre la posible localización de la “zona de dolor” en un momento histórico marcado por la tristeza y la injusticia.

Diamela Eltit es una reconocida artista de performance, novelista y crítica cultural de origen chileno. Ha recibido numerosos premios y nombramientos, entre ellos la beca Guggenheim en 1985. Participó en el Colectivo de Acciones de Arte (CADA), un grupo de artistas activistas chilenos que utilizaban el performance para desafiar la dictadura de Pinochet y ha sido una presencia importante en el periodo posterior a ésta, al participar en publicaciones como La Revista de Crítica Cultural. Eltit ha hecho contribuciones importantes a la teoría feminista por medio de su trabajo como artista y como crítica, así como a través de sus colaboraciones en debate feminista. En el 2000 publicó "Emergencias: Escritos sobre literatura, arte y política," un libro de ensayos que reúne parte de su crítica literaria y cultural. Su obra narrativa incluye: "Lumpérica" (1983), "Por la patria" (1986), "El cuarto mundo" (1988), "El padre mío" (1989), "Vaca sagrada" (1991), "El infarto del alma," con la fotógrafa Paz Errázuriz (1994), "Los vigilantes" (1994), "Los trabajadores de la muerte" (1998), "Mano de obra" (2002), "Puño y letra" (2005), "Jamás el fuego nunca" (2007), y su trabajo más reciente, “Impuesto a la carne” (2010). Diamela Eltit fue una de las colaboradoras más importantes de la “Escena de Avanzada,” tanto por su participación individual como por su trabajo en CADA. El objetivo era realizar “intervenciones en la vida cotidiana” destinadas a interrumpir y alterar las rutinas normalizadas en la vida urbana diaria de los ciudadanos por medio de una subversión semiótica que descontextualizará y reestructurara semánticamente el comportamiento urbano, sus lugares y sus signos.

Diamela Eltit: Zona de dolor

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El “Anti-War, Anti-Empire Cabaret” (Cabaret anti-guerra, anti-imperio), parte del Encuentro 2003, “Espectáculos de religiosidad,” del Instituto Hemisférico, fue previsto como un grito hemisférico unificado, reuniendo activistas, artistas y académicos contra los planes de guerra y la edificación imperialista de la Administración Bush. El resultado fue un evento de casi cuatro horas de duración con la participación de más de veinte artistas.

Anti-War, Anti-Empire Cabaret

There is no translation available.

Mélange of music and dance by contemporary Native American and African American performers, presented at the Francisco Nunes theater in Belo Horizonte, Brazil, as a part of the 5th Encuentro of the Hemispheric Institute of Performance and Politics, titled Performing Heritage: Contemporary Indigenous and Community-Based Practices (http://hemisphericinstitute.org/eng/seminar/brazil2005/index.html). This performance brings together four contemporary American performances drawing from the artists' cultural roots: Quetzal Guerrero (Native American violinist and dancer), Larry Yazzie (Meskwaki/ Dine World Champion Fancy Dancer), David Pleasant (African-American Gullah/Geeche percussion and song, performing with dancer Joyah Pugh), and Dancing Earth (Indigenous Modern Dance collective directed by Rulan Tangen, with the participation of Quetzal Guerrero, Anthony Thosh Collins and Alejandro Meraz). Quetzal Guerrero and Thosh Collins open the evening with a traditional chant from the Salt River Pima-Maricopa indian community, followed by Quetzal's original solo violin piece. Larry Yazzie then performs his dazzling powwow Fancy Dance from Tama, Iowa, followed by the energetic and powerful percussion of African American David Pleasant, who draws on rhythms dating back to slavery in the United States. Dancing Earth performs a dance piece about the creation of the earth, and the evening ends with all performers bringing together their traditions--and the audience--on stage. There is also a post-performance discussion with the artists, in which they talk about the origins and meanings of their performances.

Mélange of contemporary American performance (2005)

En esta entrevista, llevada a cabo por Andrew McLean durante el 5to Encuentro del Instituto Hemisférico (Belo Horizonte, 2005), los cuatro miembros fundadores de Pamyua…

Entrevista a Pamyua (2005)

There is no translation available.

Mélange of music and dance by contemporary Native American and African American performers, presented at the Francisco Nunes theater in Belo Horizonte, Brazil, as a part of the 5th Encuentro of the Hemispheric Institute of Performance and Politics, titled Performing Heritage: Contemporary Indigenous and Community-Based Practices. This performance brings together four contemporary American performances drawing from the artists' cultural roots: Quetzal Guerrero (Native American violinist and dancer), Larry Yazzie (Meskwaki/ Dine World Champion Fancy Dancer), David Pleasant (African-American Gullah/Geeche percussion and song, performing with dancer Joyah Pugh), and Dancing Earth (Indigenous Modern Dance collective directed by Rulan Tangen, with the participation of Quetzal Guerrero, Anthony Thosh Collins and Alejandro Meraz). Quetzal Guerrero and Thosh Collins open the evening with a traditional chant from the Salt River Pima-Maricopa indian community, followed by Quetzal's original solo violin piece. Larry Yazzie then performs his dazzling powwow Fancy Dance from Tama, Iowa, followed by the energetic and powerful percussion of African American David Pleasant, who draws on rhythms dating back to slavery in the United States. Dancing Earth performs a dance piece about the creation of the earth, and the evening ends with all performers bringing together their traditions--and the audience--on stage. There is also a post-performance discussion with the artists, in which they talk about the origins and meanings of their performances.

Mélange of contemporary American performance (2005)

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