Entrevista a Aaron Pollard y a Stephen Lawson de 2boys.tv, llevada a cabo por Ramón Rivera-Servera como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

 Biografía

2boys.tv es un dúo transdisciplinario de Montreal, compuesto por Stephen Lawson y Aaron Pollard (también conocidos notoriamente en algunos círculos como Gigi L'Amour y Pipi Douleur). Juntos han creado un amplio repertorio de trabajos épicos de multimedia y cabaret, performances, videos e instalaciones.

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Entrevista a Aaron Pollard y a Stephen Lawson (2007)

Luego de la apertura de la exhibición Revealing the Absent Indian (la cual es una retrospectiva de su trabajo), presentada como parte de la serie New Tribes New York del National Museum of the American Indian, Alan Michelson nos habla sobre la misma. Mucho de su arte ha sido influenciado por el hecho de que él fue adoptado fuera de su tribu (muchos nativo-americanos fueron adoptados fuera de sus tribus desde los años 40 hasta los años 70) y solo conoció a su familia Mohawk más tarde en la vida. Michelson contextualiza este hecho personal en la temática más amplia del desplazamiento nativo-americano. Otro de los temas de su trabajo es el paisajismo, utilizado por el artista para cuestionar las nociones de supremacía y superioridad. Una de las piezas de la cual nos habla Alan, Two Row II, es una instalación que hace referencia al "Two Row Wampum Belt", que simboliza el tratado a través del cual los Iroquois/Haudenosaunee (la Confederación de Seis Naciones a la cual pertenecen los Mohawk) recibieron a los blancos en sus tierras: "We will NOT be like father and son, but like brothers. These TWO ROWS will simbolize vessels, traveling down the same river together, but each in our own boat. And neither of us will try to steer the other?s vessel." Los Haudenosaunee han cumplido con su parte del tratado hasta el día de hoy. Alan además nos habla sobre su trabajo en el cine. Su exhibición esta disponible a través del Internet en la siguiente página web: www.nmai.si.edu/exhibitions/newtribe/.

Entrevista a Alan Michelson (2005)

En noviembre del 2008, el Public Theater de la Ciudad de Nueva York se enorgulleció en organizar un extraordinario festival de teatro con la participación de artistas indígenas americanos actuales.  En lo que fue su segundo año, el festival presentó tres dramatizaciones gratuitas de obras nuevas de los dramaturgos indígenas Victoria Nalani Kneubuhl, Laura Shamas y Eric Gansworth, seguidas de conversatorios abiertos al público; un diálogo abierto al público sobre política y performance con el director artístico Oskar Eustis y un panel de artistas indígenas; una serie de siete mesas de discusión dedicada al campo del teatro organizada con el fin de congregar a artistas y crear un foro abierto para abordar y discutir los problemas que enfrenta el teatro indígena hoy en día; y un concierto de la cantante indígena y afro-estadounidense Martha Redbone en Joe’s Pub. Este video, Entrevista a Alanis King, complementa el archivo del festival del 2008 y forma parte de una serie de entrevistas realizadas por Tom Pearson.

Alanis King (de la Nación Odawa). Entre sus obras se destacan:  Bye Bye Beneshe, (Adiós Beneshe), Song of Hiawatha: An Anishnaabec Adaptation (La canción Hiawatha: una adaptación Anishnaabec), Order of Good Cheer, (La orden de la buena alegría), Gegwah, Lovechild (Hijo del amor), Artshow (Exhibición de arte), Heartdwellers (Habitantes del corazón), Manitoulin Incident (El incidente  de Manitoulin), Tommy Prince Story (La historia de Tommy Prince), When Jesus Met Nanabush (Cuando Jesús Conoció a Nanabush), Storyteller (El Cuentista) y Step by Step (Paso a paso). King fungió como Dramaturga Residente en el Centro de Teatro Indígena en Toronto del 2005 al 2007 y también en el Teatro Nightwood.  Fue la directora artística de la compañía de teatro de su comunidad­—el Grupo de Teatro Debajehmujidy—y del grupo Native Earth Performing Arts. También ha producido, dirigido, desarrollado y llevado a cabo giras con numerosas obras en diversas comunidades indígenas; un ejemplo sobresaliente ha sido Lupi the Great White Wolf (Lupi, el gran lobo blanco), la cual formó parte de una gira infantil que concluyó en la Academia de Música de Brooklyn.

Tom Pearson (cherokee de la Nación Creek y de la Banda de la Costa del Este) es un escritor y artista que trabaja con múltiples medios, incluyendo la danza contemporánea, la performance site-specific (localizada), el cine, las artes visuales e instalaciones a gran escala.  Pearson obtuvo una maestría en estudios de performance en la Escuela de Artes Tisch de New York University y actualmente es el co-director artístico del colectivo de artistas Third Rail Projects, con sede en la Ciudad de Nueva York. Recibió el Premio Bessie de Danza y Performance de Nueva York del 2008 por coreografía y el Premio Kingsbury por escritura creativa.  Pearson ha publicado artículos sobre danza y performance indígena en Time Out New York Kids, Dance Magazine, Dance Spirit, y varias publicaciones online.  Además de su trabajo en el campo del arte contemporáneo, Tom también participa como bailarín y cantante en eventos indígenas tradicionales.


Entrevista a Alanis King (2008)

Entrevista a Alejandro Meitin, llevada a cabo por Marcela Fuentes durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Alejandro Meitin habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa su conferencia magistral “Iniciativas artísticas de gestión comunitaria y su dimensión metafórica y jurídico-social”, la cual fue dictada durante este evento de diez días que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

Alejandro Meitin es artista, abogado, activista ambiental y co-fundador del colectivo artístico Ala Plástica (1991), con base en la ciudad de La Plata, Argentina. Desde 1994 ha sido miembro de la Red de Arte Litoral, una red independiente de artistas, críticos, curadores y académicos interesados en las nuevas formas de pensar sobre la práctica artística contemporánea y la teoría crítica. Meitin ha estado involucrado en la investigación y el desarrollo de las prácticas artísticas colaborativas y tiene una serie de exposiciones, residencias y publicaciones en su haber. También ha impartido cursos y conferencias dictadas en América Latina, América del Norte y Europa.

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Entrevista a Alejandro Meitin (2009)

Entrevista a Álvaro Villalobos, llevada a cabo por Antonio Prieto Stambaugh, durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Álvaro Villalobos habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa su participación en la mesa redonda “Intervenciones Urbanas”, llevada a cabo durante este evento de diez días y que combinó el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

Álvaro Villalobos es un artista Colombiano radicado en México. Recibió su maestría en Artes Visuales y doctorado en Estudios Latinoamericanos de la UNAM y su doctorado en Estudios Latinoamericanos de la Escuela de Artes de la ASAB en Bogotá. Su obra se compone principalmente de performances, fotografías, videos e instalaciones que vinculan la problemática social y política con la obra de arte. Actualmente es profesor de la Facultad de Estudios Superiores Acatlán (UNAM) y coordinador de Investigación y Posgrado de la Facultad de Artes de la UAEM.

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Entrevista a Álvaro Villalobos (2009)

Entrevista con Ana y Débora Correa del Grupo Cultural Yuyachkani, llevada a cabo por Katherine Nigh como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política celebrado en Junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina, bajo el título "Corpolíticas en las Américas: Formaciones de Raza, Clase y Género". El Grupo Cultural Yuyachkani es un colectivo teatral que trabaja desde 1971 en la vanguardia de la experimentación teatral, la performance política y la creación colectiva orientada a la memoria social, particularmente en relación a cuestiones de etnicidad y violencia en Perú.

Entrevista a Ana & Débora Correa (2007)

En esta entrevista, Ana Correa relata sus inicios con el grupo, donde encontró el diálogo y la apertura para crear teatro. La obra de Yuyachkani 'Allpa Rayku' marca la búsqueda del grupo por las profundas tradiciones peruanas y el mundo andino, así como la propia identidad de Correa y sus conexiones con sus raíces indígenas. Viajando por todo el Perú, el grupo encontró diversas fuentes de inspiración para la 'cholificación' de su propuesta - un proyecto estético y político que incorporó las esferas locales peruanas con mayores preocupaciones globales. La formación de los miembros del grupo, y su profunda investigación y experiencia como actores, se entrelaza con una auto-reflexión como grupo. Sus actuaciones brindan un espacio para que los personas marginalizadas puedan hablar y ser escuchados y presentar la violencia sufrida por el país en el fuego cruzado entre el grupo terrorista Sendero Luminoso y el Gobierno y el Ejército peruanos. El país fue devastado por esta violencia y hundido en un vacío interno y una fragilidad. Yuyachkani trabajó con esto, convencido de que el teatro nos hace mejores seres humanos. Correa explica cómo los actores Yuyachkani son compañeros del personaje, que siempre está en primer plano, y cómo el grupo ha trabajado en coordinación con organizaciones populares, ONG y comunidades. Destaca el papel de los eventos internacionales y el Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, espacios que traen una apertura necesaria - un espacio para sentarse juntos y tratar de entenderse mutuamente

Entrevista con Ana Correa (2001)

Entrevista con Ana Correa, miembro activo del Grupo Cultural Yuyachkani de Perú, conducida por Michelle Zubiate durante el 3er Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en Julio del 2002 en Lima, Perú, bajo el título "Globalización, Migración y Espacio Público". El colectivo teatral más importante en Perú, el Grupo Cultural Yuyachkani, tiene una trayectoria de trabajo que data desde 1971; desde este año han estado a la vanguardia de la experimentación teatral, el performance político, y la creación colectiva. "Yuyachkani" es una palabra quechua que significa "estoy pensando, estoy recordando"; bajo este nombre, el grupo de teatro se ha dedicado a la exploración colectiva de la corporeización de la memoria social, particularmente en relación a preguntas sobre la etnia, la violencia y la memoria en Perú. El grupo esta compuesto por siete actores (Augusto Casafranca, Amiel Cayo, Ana Correa, Débora Correa, Rebecca Ralli, Teresa Ralli, y Julián Vargas), un diseñador técnico (Fidel Melquíades) y un director artístico (Miguel Rubio), quienes han hecho el compromiso de la creación colectiva como modo de producción teatral y modo de vida. Su trabajo ha sido de los más importantes en el llamado "Nuevo Teatro Popular" de Latinoamérica, siempre ligado a un compromiso con las problemáticas de las comunidades empobrecidas, y con la movilización y la abogacía por dichas comunidades. Yuyachkani ganó el Premio Nacional de Derechos Humanos de Perú en el 2000. Conocidos por su habilidad de incorporar formas de performance indígenas, así como formas teatrales cosmopolitas, Yuyachkani ofrece una mirada al teatro Peruano y Latinoamericano, y a problemáticas más amplias sobre las estéticas sociales post-coloniales.

Entrevista a Ana Correa (2002)

Entrevista a Anabelle Contreras Castro, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Anabelle Contreras Castro: ¿Qué son los Estudios de Performance?(2011)

Entrevista a André Lepecki, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a André Lepecki: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2002)

Entrevista a Ann Pellegrini, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Ann Pellegrini: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Entrevista a Antanas Mockus, llevada a cabo por Doris Sommer durante el 5to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política (Belo Horizonte, Brasil, 2005). Mockus le hace un juego a su entrevistadora: en un performance simbólico de “lazos sociales”, se encuentran unidos el uno al otro por un cordón y deben averiguar cómo desenredarse por medio de movimiento-- sin cortar ni desamarrar el cordón-- mientras discuten cultura cívica y las distintas maneras en las que los conflictos se pueden resolver a través de la pluralidad del arte. Matemático, filósofo y político colombiano, Mockus dejó su cargo como rector de la Universidad Nacional Colombiana en Bogotá en el 1993 y en ese mismo año se postuló con éxito para el puesto de alcalde. Continuó rigiendo a Bogotá como alcalde durante dos mandatos, en los cuales llevó a cabo muchas iniciativas sorprendentes y con frecuencia cómicas para los habitantes de la ciudad. Tales iniciativas tendieron a estimular grandes eventos, incluyendo frecuentemente a artistas locales o incluso a Mockus mismo – como el comercial en el cual tomaba un baño con el fin de defender la conservación del agua o su recorrido por las calles de la ciudad vestido de Superhombre. Mockus contrató veinte comediantes para controlar el tránsito y burlarse de los ciudadanos que violan las reglas de tránsito – un programa que resultó tan bueno que otros cuatrocientos comediantes fueron rápidamente entrenados. También ideó una "Noche para la mujer", en la cual se pedía a los hombres de la ciudad que se quedasen en casa por una noche cuidando de la casa y de los niños. La ciudad auspició conciertos gratuitos en áreas abiertas, los bares ofrecieron descuentos para las mujeres y las policías de la ciudad fueron las encargadas de mantener la paz. Bajo su liderazgo, Bogotá vio innumerables mejorías – el uso de agua no potable cayó 40%, se formaron 7000 grupos de seguridad comunal, el índice de homicidio cayó 70% y las víctimas por accidentes de tránsito cayeron más de 50%, entre muchas más.

Entrevista a Antanas Mockus (2005)

Entrevista a Antonio Prieto Stambaugh, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

 

Entrevista a Antonio Prieto Stambaugh: “¿Qué son los Estudios de Performance?” (2011)

Entrevista a Barbara Browning, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Barbara Browning: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2002)

Entrevista con la actriz, directora y dramaturga colombiana Beatriz Camargo, fundadora de el Teatro Itinerante Sol. La entrevista es llevada a cabo por la académica de teatro chicana Alma Martínez. Camargo, antiguo miembro del Teatro la Candelaria ( Bogotá, Colombia, dirigido por Santiago García), funda su colectivo de teatro en el 1982. Originalmente basado en Bogotá, el Teatro Itinerante del Sol luego se muda a la comunidad rural Villa de Leyva, en búsqueda de una conexión con la naturaleza y del desarrollo de un espacio creativo para su trabajo. En esta entrevista, Beatriz discute su trayectoria artística. En términos del Teatro Itinerante del Sol, Camargo habla sobre la centralidad del mito, los sueños, los rituales y las máscaras en su trabajo teatral. Definidas por la artista como "biodramas", sus piezas teatrales son concebidas como exploraciones sobre el mito y la memoria colectiva. Camargo también comenta sobre cómo sus proyectos teatrales, a través de la yuxtaposición entre el mito y la historia, se refieren a temáticas políticas sobre la mujer y la comunidad indígena en Colombia.

Entrevista a Beatriz Camargo (1999)

Entrevista con Beth Lopes, conducida por Marcos Steuernagal, becado de colecciones especiales en el Hemispheric Institute of Performance and Politics. Esta entrevista es parte de una serie coordinada por el Hemispheric Institute, articulada alrededor de la pregunta “¿Qué son los estudios de performance?”.

Entrevista a Beth Lopes: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2011)

En esta entrevista, llevada a cabo por Tasha Hubbard durante el 5to Encuentro del Instituto Hemisférico, Singer habla sobre como su trabajo de documentalista es una búsqueda de las prácticas y valores que han sobrevivido los cambios a la vida indígena y que, al seguir vigentes, mantienen a la comunidad conectada. Singer también explora y documenta los mecanismos de enfrentamiento que la gente indígena está utilizando para encontrar su lugar en el mundo. Beverly Singer es indígena norteamericana de herencia Tewa y Navajo, originaria de Santa Clara Pueblo, Nuevo México. Es una documentalista premiada cuyas producciones de video exploran el tema de la revitalización cultural en las comunidades indígenas norteamericanas. Es profesora asociada de Estudios Indígenas y de Antropología y fue directora del Centro Alfonso Ortiz de Estudios Interculturales en University of New Mexico. Singer trabajó anteriormente en la Ciudad de Nueva York como especialista en programas públicos del Museum of the American Indian Film and Video Center y enseñó en Parsons School of Design y en California Polytechnic State University. Recibió su doctorado en Estudios Americanos en University of New Mexico, su maestría en Administración en Chicago University, su licenciatura en Previsión Social/Psicología en College of Santa Fe y se formó como cineasta en Anthropology Film Center en Santa Fe. Es miembro fundador de la Alianza de Productores Indígenas Norteamericanos y autora del libro sobre la producción de cine indígena norteamericano, “Wiping the War Paint Off the Lens: Native American Film and Video”.

Entrevista a Beverly Singer (2005)

Entrevista con Catherine M. Cole, dirigida por Diana Taylor, directora fundadora del Hemispheric Institute of Performance and Politics. Esta entrevista es parte de una serie coordinada por el Hemispheric Institute, articulada alrededor de la pregunta “¿Qué son los estudios de performance?”.

Entrevista a Catherine M. Cole: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2013))

Entrevista con la actriz española y miembro fundador de Malayerba, María del Rosario "Charo" Francés, en el contexto de la pieza "La Fanesca", presentada en el Festival Iberoamericano de Teatro (FIT) de Cádiz, llevado a cabo en España en 1987. En esta entrevista, Charo habla sobre los orígenes y el proceso creativo de "La Fanesca", así como de la historia del grupo de teatro Malayerba. La actriz también comenta sobre la recepción de la obra en públicos latinoamericanos y la experiencia de montar esta obra en Europa en el contexto del Festival. Francés discute las problemáticas de la creación colectiva y las investigaciones artísticas y políticas de Malayerba, así como el rol que han tomado la inmigración y el exilio en la vida del grupo, como experiencias concretas para los actores y como temas para intervenir en la sociedad y el teatro ecuatoriano. La actriz ilustra estos temas a través del recuento de su experiencia como española exiliada en Quito, haciendo teatro ecuatoriano, que a su vez está siendo presentado en España. Esta entrevista es una invaluable documentación de las etapas tempranas de este reconocido grupo teatral, uno de los más importantes laboratorios actorales y colectivos teatrales de Latinoamérica.

Entrevista a Charo Francés "La fanesca": (1987)

En esta entrevista, el cinematógrafo Chris Eyre (www.chriseyre.org) nos habla sobre las razones por las cuales escogió el medio del cine, sobre sus primeros años como cineasta en NYU, y sobre la influencia que esta institución educacional le brindó a su trabajo. Chris recuerda su carrera temprana, cuando el cine independiente todavía ejercía presión en el mundo mediático, y sobre la comunidad aburguesada de cine nativo americano que surgió durante este periodo. La discusión se enfoca luego en el laureado filme de Eyre, Smoke Signals , y sobre el camino profesional y personal que tomó su vida gracias el éxito del mismo. El éxito de este filme le brindó al artista un cierto sentido de responsabilidad por representar y adquirir conocimiento sobre otras tribus, ya que desde entonces se convirtió en un portavoz involuntario de la comunidad nativo americana. Como cineasta en el comienzo de su carrera, Eyre fue entrevistado por Andrew MacLean (Inupik) acerca de la negociación que se tiene que llevar a cabo en el mundo del cine como productor perteneciente a una minoría. Chris admitió que existen varias presiones en el mundo del cine para que los productos se "orienten en la dirección de ciertas problemáticas" y afirmó que la presencia de un nativo americano en el cine es suficiente para crear un discurso político. Eyre reflexiona sobre algunos de sus filmes, tales como Skins (el cual retrata la pobreza en la reserva indígena de Pine Ridge, y por consecuencia, no gozó del mismo éxito que Smoke Signals), y lo contrasta con filmes como Smoke Signals y Edge of America, los cuales poseen narrativas centradas en personajes, y por consecuencia se muestran como piezas con un llamativo más universal. Finalmente Chris le confiesa a Andrew, quien forma parte de una Nación indígena ballenera, sobre su emoción acerca de un futuro proyecto que trata sobre la caza de una ballena Makah que se llevó a cabo el 17 de mayo del 1999 en Neah Bay.

Entrevista a Chris Eyre (2006)

Entrevista a Coco Fusco, llevada a cabo por Jill Lane como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas: Formaciones de raza, clase y género”.

 Biografía

Coco Fusco es artista interdisciplinaria, escritora y directora de Intermedia Initiatives en Parsons The New School for Design. Ha presentado sus performances, publicado, exhibido y organizado exhibiciones a nivel internacional desde 1988. En el 2003 fue galardonada con el Herb Alpert Award in the Arts. Sus performances y videos han sido incluidos en dos bienales del Whitney (2008 y 1993), además de las bienales de Sydney, Johanesburgo, Kwangju, Shanghai, InSite O5, Transmediale, Mercosul, el Festival Internacional de Teatro de Londres, VideoBrasil y Performa05. Sus trabajos también han sido exhibidos en Tate Liverpool, Museum of Modern Art y Museu D’Art Contemporani de Barcelona. Fusco es representada por Alexander Gray Associates en Nueva York.

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Entrevista a Coco Fusco (2007)

Entrevista a Comadre Araña, llevada a cabo por Michael Birenbaum Quintero durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Comadre Araña habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa el concierto de Comadre Araña, el cual tomó lugar durante este evento de diez días que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

En Comadre Araña, la música tradicional del Pacífico colombiano se encuentra con el jazz, el rock, el pop y la música electrónica. Tres voces femeninas se entrelazan al ritmo del bombo, la marimba, el cununo y el guasá, con instrumentos eléctricos, la cítara hindú, el tiple de los andes colombianos, loops, samplers y todos los recursos de la electrónica en vivo.


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Members:
Juan Sebastián Monsalve (Director and bass player)
Juanita Delgado (voice)
Verónica Atehortúa (voice
Urpi Barco Quintana (voice)
Andrés Felipe Salazas (drums and percussion)
Rocío Medina (marimba de chonta and percussion)
Edwin Ospina (electric guitar, percussion)
Camilo Velásquez (tiple guitar, electronic programming and guitar)

Interview with Comadre Araña (2009)

En esta entrevista, llevada a cabo por Tina Majkowsi durante el 5to Encuentro del Instituto Hemisférico (Belo Horizonte, Brasil, 2005), la coreógrafa Rulan Tangen es acompañada por el músico/bailarín/pintor Quetzal Guerrero (Cambiva, Yacqui, Ahumeche), el bailarín/fotógrafo Anthony Ch-WI-Tas Collins (Salt River Pima, Seneca, Osage) y el bailarín/actor/pintor Alejandro Meraz (Tarasco). Discuten, entre otras cosas, los orígenes de su colaboración, el rol de la danza como vía de empoderamiento para los pueblos indígenas y las formas en las cuales Dancing Earth trabaja con la memoria, el lugar, la tradición y el ritual por medio del movimiento. Dancing Earth es un conjunto de artistas de danza indígena que trabajan como colectivo bajo el liderazgo de Rulan Tangen y así buscan encarnar de manera única la esencia de la identidad y la perspectiva de los indígenas a través de la creación y la renovación de rituales de movimiento artísticos y culturales. "Antiguas y futuristas, nuestras danzas son un lenguaje elemental de la memoria en movimiento que se lleva en la sangre y en los huesos. Cultivamos nuestra expresión artística individual en nombre del empoderamiento de todos los pueblos y creamos puentes para el arte y la humanidad, la tradición y la experimentación. Por medio del movimiento, nos congregamos con respeto, inspiración e innovación. Creamos nuestras obras con colaboradores indígenas que se dedican a disciplinas como la música, la fabricación de máscaras, la fotografía, el disfraz, el diseño de luces, la arquitectura, la poesía y la narrativa oral".

Entrevista a Dancing Earth (2005)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York. El festival, que duró cinco días, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Tales of an Urban Indian (Historias de un indígena urbano). Este video documenta una Entrevista a Daniel David Moses, realizada por Jennifer Podemski como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Daniel David Moses es un dramaturgo, poeta, ensayista y maestro de la Nación Delaware en el territorio de las Seis Naciones, en el sur de Ontario, Canadá. Tiene un grado en bellas artes con honores de York University y una maestría en escritura creativa de British Columbia University. Entre sus obras se destaca su primera, Coyote City (Ciudad coyote), que fue nominada para el Premio Literario del Gobernador General del 1991 para teatro dramático, The Indian Medicine Shows (Los espectáculos indígenas medicinales) y  Brebeuf's Ghost (El fantasma de Brebeuf). También es autor del poemario Delicate Bodies and Sixteen Jesuses, poems (Cuerpos delicados y dieciséis Jesuses, poemas) y co-editor de la tercera edición de Oxford University Press de An Anthology of Canadian Native Literature in English (Una antología de literatura canadiense indígena en inglés), publicada en el 2005. Ha recibido varios honores, incluyendo el Premio Conmemorativo James Buller por Excelencia en el Teatro Aborigen, el Premio del Festival Harbourfront, un Premio Harold, una Beca Chalmers y finalista para el Premio Siminovitch del 2005. En 2006, se le renovó su puesto como Académico Nacional en el Departamento de Drama de Queen’s University, en Kingston, Ontario.

Jennifer Podemski (de la Nación Ojibway e israelí) es una actriz, escritora y productora de 34 años nacida y criada en Toronto. Conocida por sus papeles en Dance Me Outside (Baila conmigo afuera) de Bruce McDonald, The Rez (Las hermanas Rez) de la CBC, Riverdale y Degrassi: The Next Generation (Degrassi: la próxima generación), Jennifer ha sostenido una carrera en actuación en los últimos 20 años. Es la co-fundadora de Big Soul Productions y más recientemente del Redcloud Studio, Inc., una compañía independiente de producción televisiva y fílmica. Es también la cocreadora y productora ejecutiva de Moccasin Flats (Zapatos de mocasín), la primera serie dramática televisiva producida, escrita y actuada por indígenas.  La serie, que está en su tercera temporada, se transmite por los canales The Aboriginal Peoples Television Network y Showcase Television.

Entrevista a Daniel David Moses (2007)

Entrevista con Danny Hoch, llevada a cabo por Jill Lane, como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en Junio del 2007, en Buenos Aires, Argentina, bajo el título "Corpolíticas en las Américas: Formación de Raza, Clase y Género". Danny Hoch es actor, dramaturgo y director. Fundador del Festival de Teatro Hip-Hop, miembro del Vera List Center For Art & Politics y de la comisión directiva del Theatre Communications Group, Estados Unidos.

Entrevista a Danny Hoch (2007)

Entrevista a Daphne Brooks, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

 

Entrevista a Daphne Brooks: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Darrell Dennis, realizada por Elizabeth Richards como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Darrell es un escritor indígena de la Nación Sushwap, localizada en el interior de la Columbia Británica, Canadá. Darrell es un dramaturgo exitoso y escritor para televisión que ha ganado múltiples premios. El Festival de Cine Sundance del 2003 aceptó su guión Moccasin Flats. Este cortometraje pasó a ser luego una serie televisiva en la que Darrell también participó como guionista. Como actor, Darrell es mejor conocido por sus papeles en Northwood y The Rez. Ha aparecido en varios largometrajes, incluyendo Leaving Normal (Marcharse de Normal) Shania: A Life in Eight Albums (Shania: Una vida en ocho álbumes) y Indian Summer: The Oka Crisis (Verano indígena: la crisis de Oka). Darrel ha sido nominado dos veces al Premio Dora por su performance Tales of an Urban Indian. Ha sido alumno de la Second City National Touring Company y sus créditos como dramaturgo incluyen Trickster of Third Avenue East (El pícaro de Third Avenue East) y Tales of An Urban Indian, publicado por Canada Playwrights Press.

Elizabeth Theobald Richards es una experimentada administradora de las artes, planificadora estratégica y defensora de las artes indígenas americanas. Richards es miembro oficial de la Nación Cherokee de Oklahoma y es la primera indígena americana en servir como oficial de programa de la Ford Foundation. Fue directora de los programas públicos del Museo y Centro de Investigaciones Mashantucket Pequot en Connecticut,  el museo/biblioteca tribal más grande de EEUU. En dicho museo supervisó la planificación, desarrollo e implementación de todos los programas públicos dedicados a la interpretación, la educación y las artes. En los últimos doce años también ha trabajado como dramaturga y directora, desarrollando guiones de escritores indígenas americanos y ha logrado articular de manera exitosa relaciones artísticas entre artistas indígenas, organizaciones establecidas y otros grupos étnicos/raciales. 

Entrevista a Darrell Dennis (2007)

There is no translation available.

Interview with David Lozano, conducted by Marlène Ramírez-Cancio, Associate Director of Arts & Media at the Hemispheric Institute of Performance and Politics. In this interview, David Lozano discusses the role of the body in the intertwining dynamics between arts and politics.

Interview with David Lozano (2010)

En esta entrevista, llevada a cabo por Tavia Nyong’o durante el 5to Encuentro del Instituto Hemisférico celebrado en el 2005 en Belo Horizonte, Brasil y titulado “Performance y ‘raíces’: prácticas indígenas contemporáneas y movilizaciones comunitarias”, David habla de cómo comenzó a tocar instrumentos de percusión y demuestra los ritmos que utiliza en su trabajo y como éstos le dan forma a la vida diaria de los Gullah. Estos ritmos afroamericanos incluyen polirritmos, llamada y respuesta, palmadas tonales, síncopa, improvisación, percusiones simultáneas, gritos y otros ritmos variados y peculiares que han marcado a la música popular estadounidense. Pleasant también habla de “Language of the Soul”, el espectáculo que presentó en el Encuentro unos días antes de la entrevista. David Pleasant es un estilista musical criado en la cultura Gullah/Geechee de Georgia (Sapelo Island, el condado Darien/McIntosh y Savannah). Su trabajo se inspira en la riqueza de la influencia africana que ha retenido la cultura Gullah, particularmente el juba, hand jive, pattin’, rhappin’ y shout, los cuales han jugado un papel importantísimo en el desarrollo del RiddimAthon! ®, un método de performance y enseñanza desarrollado por David como síntesis de las tradiciones musicales africanas, caribeñas y afroamericanas. Como Especialista Veterano Fulbright (Senior Specialist), presenta programas internacionales y seminarios sobre este tema. Ha presentado su trabajo en el contexto del teatro, la danza y la televisión. Recientemente, apareció en el galardonado musical “Crowns” de Regina Taylor.

Entrevista a David Pleasant (2005)

There is no translation available.

Interview with Denise Stoklos, conducted by Eleonora Fabião during the 3rd Encuentro of the Hemispheric Institute of Performance and Politics, celebrated in July of 2002 in Lima, Peru under the title Globalization, Migration and the Public Sphere.

Interview with Denise Stoklos (2002)

Entrevista a Damiela Eltit, llevada a cabo por Carmen Oquendo-Villar como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

 Biografía

Diamela Eltit es una reconocida artista de performance, novelista y crítica cultural de origen chileno. Ha recibido numerosos premios y nombramientos, entre ellos la beca Guggenheim en el 1985. Participó en el Colectivo de Acciones de Arte (CADA), un grupo de artistas activistas chilenos que utilizaban el performance para desafiar a la dictadura de Pinochet y fue una presencia importante en el periodo posterior a ésta, al participar en publicaciones como “La Revista de Crítica Cultural”. Eltit ha hecho importantes contribuciones a la teoría feminista a través de su trabajo como artista y como crítica, así como a través de sus colaboraciones en el debate feminista. En el 2000 publicó "Emergencias: Escritos sobre literatura, arte y política", un libro de ensayos que reúne parte de su crítica literaria y cultural. Su obra narrativa incluye: "Lumpérica" (1983), "Por la patria" (1986), "El cuarto mundo" (1988), "El padre mío" (1989), "Vaca sagrada" (1991), "El infarto del alma," con la fotógrafa Paz Errázuriz (1994), "Los vigilantes" (1994), "Los trabajadores de la muerte" (1998), "Mano de obra" (2002), "Puño y letra" (2005), "Jamás el fuego nunca" (2007) y su trabajo más reciente, “Impuesto a la carne” (2010). Diamela Eltit fue una de las colaboradoras más importantes de la “Escena de Avanzada”, tanto por su participación individual como por su trabajo en CADA. Eltit ha sido escritora residente en Brown University, Washington University, St. Louis, Columbia University, UC/Berkeley, University of Virginia, Stanford University y Johns Hopkins University. Actualmente es Distinguished Global Professor de escritura creativa en español en NYU.

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Entrevista a Damiela Eltit (2007)

Entrevista a Damiela Eltit, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Damiela Eltit: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2011)

Entrevista a Diana Raznovich, llevada a cabo por Mila Aponte-González durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Diana Raznovich habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa la performance “La Deuda” de Diana Raznovich y Margarita Borja, la cual fue presentada durante este evento que dura diez días y que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

Diana Raznovich es dramaturga argentina de amplia trayectoria y reconocido prestigio nacional e internacional. Es también humorista gráfica y ha producido numerosos performances e instalaciones con sus cómics. El exilio la llevó a España, donde reside desde 1975.

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Entrevista a Diana Raznovich (2009)

Entrevista a Diana Taylor, llevada a cabo por Barbara Kirshenblatt-Gimblett. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Diana Taylor: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2002)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Diane Glancey, realizada por Sheila Tousey como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Diane Glancy (Cherokee) es profesora de Macalester College en St. Paul, Minnesota, donde enseña literatura indígena americana y escritura creativa. Obtuvo su maestría en escritura creativa en Iowa University. Glancy ha publicado dos libros de obras teatrales, American Gypsy (Gitana estadounidense, publicada por University of Oklahoma Press, 2002), and War Cries (Gritos de guerra, Holy Cow!, 1998). En el sitio web www.alexanderstreet.com se pueden encontrar una selección de sus obras más cortas, The Sum of Winter (El invierno en suma), y una introducción al teatro faccional. Glancy también ha publicado novelas, cuentos, ensayos y poesía. Ganó el Premio de Prosa Indígena Estadounidense, un Premio de Literatura de Estados Unidos, un Premio de Literatura de Minnesota y un Premio de Literatura de Oklahoma. Recibió una beca de la National Endowment for the Arts en el 2003, una Medalla de Honor Cherokee en el 2002 y un Premio Thomas Jefferson de Enseñanza de Macalester College. Otros honores incluyen una beca de teatro Voice and Visions en Bard College en el verano del 2005; una beca de dramaturgia Many Voices en The Playwrights' Center, Minneapolis; el premio de dramaturgia Five Civilized Tribes, Muskogee, Oklahoma; y una beca Sundance para guiones indígenas estadounidenses en 1998.

Sheila Tousey (Menominee y Stockbridge-Munsee) ha sido actriz en numerosas producciones en la Ciudad de Nueva York y en distintos teatros regionales en los EEUU. Entre los directores con quienes ha trabajado se encuentran Joann Akalaitis, Joe Chaiken, Linda Chapman, Kennetch Charlette, Liviu Ciulei, David Esbjornson, Hanay Geiogamah (del American Indian Dance Theater), Muriel Miguel, Lisa Peterson, Betsy Richards, Sam Shepard, Tony Taccone, Paul Walker y Robert Woodruff. Tousey obtuvo una maestría en el programa graduado de actuación de New York University.

Entrevista a Diane Glancy (2007)

Drew Hayden Taylor (www.drewhaydentaylor.com) es un escritor, humorista y dramaturgo Ojibwa del Curve Lake Reserve en Ontario, Canadá. En esta entrevista, Taylor habla sobre el uso del humor en su trabajo, sobre la manera en la que utiliza las problemáticas del nativo americano en su trabajo, y sobre la manera en la que su trabajo es percibido en distintas comunidades. Además comenta sobre la experiencia de escribir desde una perspectiva nativo americana para un público no-nativo más amplio. Analizando el uso del humor nativo en sus piezas, el artista decodifica el leguaje universal de sus obras de teatro. En el contexto más amplio de Teatro Aborigen, Drew ofrece una perspectiva acerca de cómo su trabajo ha sido inspirado por el trabajo de otros artistas tales como Thompson Highway, y de cómo siente que se ha alejado de esta etapa oscura y deprimente y ha podido sobrepasarla. Finalmente, Taylor habla con emoción acerca del futuro del teatro nativo americano y del traslado de trabajos clásicos, como los de Chekhov, a escenarios aborígenes.

Entrevista a Drew Hayden Taylor (2005)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Drew Hayden, realizada por Kennetch Charlette como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Drew Hayden Taylor ha realizado un sinnúmero de diversas acciones creativas, desde monólogos cómicos en el Kennedy Center en Washington D.C. hasta conferencias sobre las películas de Sherman Alexie en el Museo Británico en Inglaterra. Es un dramaturgo premiado (con más de 70 producciones a través de su carrera), documentalista, guionista, periodista y periodista. Además de publicar 18 libros, Drew también se divierte escribiendo una columna humorística para cinco periódicos canadienses. Nació y vive en la Reserva Indígena de Curve Lake (Ojibway).

Kennetch Charlette es de Sandy Bay, Saskatchewan, Canadá y pertenece a la Nación Cree. Kennetch ha estado trabajando por muchos años como actor y director. Es el director artístico fundador de la Saskatchewan Native Theatre Company (SNTC).  Sus logros recientes incluyen numerosas presentaciones de la SNTC y dirigir la obra de Drew Hayden Taylor In World Created by a Drunken God (En un mundo creado por un dios ebrio) en el Teatro Persephone y la obra Buzz Gem Blues, en el Trinity Rep en Providence, Rhode Island.

Entrevista a Drew Hayden Taylor (2007)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Edward Wemytewa, realizada por Terry Gomez como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Edward Wemytewa fue concejal tribal zuni y se conecta con su herencia cultural zuni a través del arte y el lenguaje. Es el director fundador de la compañía de  teatro narrativo Idiwanan An Chawe. Edward es dramaturgo, performer y artista visual, y sus pinturas y esculturas premiadas han sido exhibidas en museos de Arizona y Nuevo México.

Terry Gomez pertenece a la Nación Comanche de Oklahoma. Es una dramaturga publicada y producida, escritora publicada, directora de teatro, actriz y pintora. En el Public Theater de la Ciudad de Nueva York se produjo una lectura dramatizada de su obra Inter-tribal, que fue publicada en la antología Plays by Women of Color (Piezas por mujeres de color). Terry ha sido profesora auxiliar de artes dramáticas en el Institute of American Indian Arts en Santa Fe, New Mexico y instructora para el programa de verano de la I.A.I.A./ABC/Disney. Recibió una beca American Indian College Fund/Andrew W. Mellon del 2007-2008.  Tiene dos hijos y vive actualmente en Santa Fe.

Entrevista a Edward Wemytewa (2007)

There is no translation available.

In this interview, Ema Villanueva and Eduardo Flores discuss their artistic collaboration and their participation in projects focused on social justice. They highlight the relationship between the social, the political, and the body through the arts.

Interview with Ema Villanueva & Eduardo Flores (2001)

There is no translation available.

Interview with renowned Colombian theater director, theorist and playwright Enrique Buenaventura, founder of the Teatro Experimental de Cali (TEC), conducted by Chicano theater scholar Alma Martinez.

Interview with Enrique Buenaventura (1999)

En noviembre del 2008, el Public Theater de la Ciudad de Nueva York se enorgulleció en organizar un extraordinario festival de teatro con la participación de artistas indígenas americanos actuales.  En lo que fue su segundo año, el festival presentó tres dramatizaciones gratuitas de obras nuevas de los dramaturgos indígenas Victoria Nalani Kneubuhl, Laura Shamas y Eric Gansworth, seguidas de conversatorios abiertos al público; un diálogo abierto al público sobre política y performance con el director artístico Oskar Eustis y un panel de artistas indígenas; una serie de siete mesas de discusión dedicada al campo del teatro organizada con el fin de congregar a artistas y crear un foro abierto para abordar y discutir los problemas que enfrenta el teatro indígena hoy en día; y un concierto de la cantante indígena y afro-estadounidense Martha Redbone en Joe’s Pub. Este video, Entrevista a Eric Gansworth, complementa el archivo del festival del 2008 y forma parte de una serie de entrevistas realizadas por Tom Pearson.

Eric Gansworth (Onondaga) es profesor de inglés y escritor residente Lowery en Canisius College en Buffalo, Nueva York. Ha publicado, entre otros libros, Mending Skins (Pieles en remiendo, ganador del Premio PEN de Oakland), y A Half-Life of Cardio-Pulmonary Function (La mitad de una vida de función cardiopulmonar, escogido como una de las “Buenas Lecturas” del National Book Critics Circle). Su trabajo ha sido publicado en revistas como The Kenyon Review, The Boston Review, Shenandoah, Cold Mountain Review, Poetry International, New York Quarterly, Yellow Medicine Review, American Indian Quarterly, Stone Canoe, UCLA American Indian Culture and Research Journal, Many Mountains Moving y Studies in American Indian Literature.

Tom Pearson (cherokee de la Nación Creek y de la Banda de la Costa del Este) es un escritor y artista que trabaja con diferentes medios, incluyendo la danza contemporánea, la performance site-specific (localizada), el cine, las artes visuales e instalaciones a gran escala.  Pearson obtuvo una maestría en estudios de performance en la Escuela de Artes Tisch de New York University y actualmente es el co-director artístico del colectivo de artistas Third Rail Projects, con sede en la Ciudad de Nueva York. Recibió el Premio Bessie de Danza y Performance de Nueva York del 2008 por coreografía y el Premio Kingsbury por escritura creativa.  Pearson ha publicado artículos sobre danza y performance indígena en Time Out New York Kids, Dance Magazine, Dance Spirit, y varias publicaciones online.  Además de su trabajo en el campo del arte contemporáneo, Tom también participa como bailarín y cantante en eventos indígenas tradicionales.

Entrevista a Eric Gansworth (2008)

Entrevista con Fabio Salvatti, conducida de Marcos Steuernagal, Becario de Colecciones Especiales en el Hemispheric Institute of Performance and Politics. Esta entrevista es parte de una serie coordinada por el Hemispheric Institute, articulada alrededor de la pregunta “¿Qué son los estudios de performance?”.

Entrevista a Fabio Salvatti: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2011)

Entrevista a Federico Zukerfeld y a Loreto Farín del Grupo Etcétera, llevada a cabo por Marcela Fuentes como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

Biografía

Oriundo de Argentina, el Grupo Etcétera fundó el Internacional Errorista. En sus propias palabras, el Errorismo nació de un error: en tiempos de censura, nos vemos sujetos a forzar nuestro lenguaje, a llevar las metáforas a los límites máximos, para decir sin nombrar. Al no poder usar las palabras (T)errorismo o (T)errorista por su peso simbólico y el peligro que esto representa, nos escapamos en un juego de palabras. Así fue que nació el Errorismo: en un error.

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Entrevista a Federico Zukerfeld y a Loreto Garín (2007)

Entrevista a George Lewis, llevada a cabo por Sarah Townsend como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

Biografía

George E. Lewis es trombonista improvisador, compositor y artista que trabaja con computadoras e instalaciones. Es Profesor Edwin H. Case de Música Americana en Columbia University. Su libro, “Power Stronger Than Itself: The AACM and American Experimental Music”, será publicado por University of Chicago Press.

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Entrevista a George Lewis (2007)

Entrevista a Giuseppe Campuzano, llevada a cabo por Marcela Fuentes durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Giuseppe Campuzano habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa su performance, “Mundo Travesti”, presentada durante este evento de diez días que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

Giuseppe Campuzano es investigador y artista. Desde el 2003, lleva a cabo el proyecto “Museo Travesti”, una exploración de las realidades del travestismo, una puesta en escena de sus estéticas y una confrontación entre sus formas de conocimiento y el discurso oficial.

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Entrevista a Giuseppe Campuzano (2009)

Una reveladora entrevista a Dios, llevada a cabo por Marcial Godoy-Anativia, director asociado del Instituto Hemisférico de Performance y Política.

Entrevista a Dios – Jesusa Rodríguez (2010)

Entrevista con Guillermo Gómez-Peña de La Pocha Nostra llevada a cabo por Roberto Gutiérrez Varea, como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en junio del 2007, en Buenos Aires, Argentina, bajo el título "Corpolíticas en las Américas: Formaciones de Raza, Clase y Género". Guillermo Gómez-Peña es performero, escritor y director de La Pocha Nostra. Su trabajo pionero explora temas trans-cutlurales, migración, las políticas del lenguaje, "cultura extrema" y nuevas tecnologías.

Entrevista a Guillermo Gómez-Peña (2007)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Hanay Geiogamah, realizada por Graydon Wetzler como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Hanay Geiogamah pertenece a las tribus kiowa-delaware de Oklahoma y es profesora de teatro en el Departamento de Teatro, Cine y Televisión en la University of California at Los Angeles (UCLA). El Sr. Geiogamah también ha sido director del Centro de Estudios Indígenas Americanos de UCLA y en los pasados diez años ha sido el investigador principal del Proyecto HOOP, un programa nacional dedicado a promover el desarrollo del teatro y las artes dramáticas indígenas americanas.  El profesor Geiogamah ha tenido una extensa carrera en el teatro como director, dramaturgo y director y ha participado activamente en el campo y la investigación indígena americana y es el director artístico fundador de la internacionalmente reconocida compañía American Indian Dance Theater. Fue también el productor principal de la serie de documentales en dos partes Indian Country Diaries (Diarios del País Indígena), que fue transmitido nacionalmente por el canal televisivo PBS en noviembre del 2006 como producción del Native American Public Telecommunications Consortium. En marzo de este año escenificó las secuencias de baile de la críticamente aclamada ópera Wakonda's Dream (El sueño de Wakonda) en Opera Omaha, participando como artista invitado para las primeras funciones junto a miembros de la

American Indian Dance Theater. El Sr. Geiogamah ha escrito y editado numerosos libros y artículos sobr el teatro y las artes dramáticas indígenas americanas y es actualmente el editor de la Serie de Teatro Indígena Americano de la American Indian Studies Center Press de UCLA. Su primera colección de obras teatrales, New Native American Drama (El nuevo drama indígena americano), fue publicado por la University of Oklahoma Press y lleva 27 años en circulación.

Graydon Wetzler es cineasta y candidato doctoral en el Departamento de Estudios de Performance en la Escuela de Artes Tisch de New York University, donde actualmente está escribiendo su tesis acerca de performance y vigilancia.

Entrevista a Hanay Geiogamah (2007)

There is no translation available.

Interview with renowned Spanish-born Colombian actor Helios Fernández, conducted by Chicano theater scholar Alma Martinez. In this interview, Fernández talks about his experiences as an actor for theater and TV.

Interview with Helios Fernández (1999)

Entrevista a Holly Hughes, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Holly Hughes: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Entrevista a Ileana Diéguez, llevada a cabo por Mila Aponte-González durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. Este evento de diez días combinó el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía. En esta entrevista, Ileana Diéguez habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública.

 Biografía

El libro de Ileana Diéguez “Escenarios liminales” es una de las publicaciones más importantes que abordan las prácticas de performance de Latinoamérica en los últimos años. El trabajo de Diéguez explora el teatro y el arte de performance en Perú, Argentina, Colombia y México, analizando distintas performances que no sólo rompen con convenciones escénicas sino que también apuntan hacia nuevas formas de cómo enfrentarse a la política.

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Entrevista a Ileana Diéguez (2009)

There is no translation available.

Jack Halberstam is Visiting Professor of Gender Studies and English at Columbia University. Halberstam is the author of five books including: Skin Shows: Gothic Horror and the Technology of Monsters (Duke UP, 1995), Female Masculinity (Duke UP, 1998), In A Queer Time and Place (NYU Press, 2005), The Queer Art of Failure (Duke UP, 2011) and Gaga Feminism: Sex, Gender, and the End of Normal (Beacon Press, 2012) and has written articles that have appeared in numerous journals, magazines and collections.

Interview with Jack Halberstam (2014)

Entrevista con la teatrera Jacqueline Vidal, directora del reconocido colectivo Teatro Experimental de Cali, llevada a cabo por la académica de teatro chicana, Alma Martínez. En esta entrevista, Jacqueline habla sobre su traslado desde Francia a Colombia con su esposo Enrique Buenaventura (fundador del TEC), de su vida como teatrera, de su proceso de colaboración con Buenaventura, y de sus influencias en el ámbito internacional y en el contexto de Colombia, las cuales han influenciado su distintivo estilo de dirección teatral. Se discute la creación colectiva, prestando atención especial a las consideraciones de espacio, el diálogo entre el texto dramático y los actores, y la presencia de mitos en las obras de teatro. Vidal siempre ha sentido pasión por la comunicación del espacio, así como por la comunicación no verbal entre la gente y cómo estos elementos forjan un teatro capaz de hacer temblar a la cotidianidad, haciendo posible ver lo invisible, y abriendo un espacio para la imaginación, para la posibilidad de vivir en un mundo alternativo, orgánico, en estos tiempos en los cuales la fragmentación permea la interacción social. En una conversación con Martínez, la artista discute la estética y los puntos de contacto entre el teatro chicano y el teatro colombiano. Luis Valdez y la modalidad de entretejido entre "teatro espectacular" y "políticas responsables" que El Teatro Campesino emplea, ha sido de mucha influencia, comenta Vidal, sobre los grandes esfuerzos de los practicantes de teatro en Colombia para hilvanar sus prácticas artísticas y políticas, a través de la colaboración, la organización de festivales y los seminarios conjuntos. Asuntos de mestizaje, arte, política y género son discutidos también por Vidal, tomando en cuenta con especial atención el rol y la participación de las mujeres en el teatro Latino y Latinoamericano, y su relación con las luchas feministas.

Entrevista a Jacqueline Vidal (1999)

Entrevista a Javier Serna, llevada a cabo por Marcial Godoy, director asociado del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Javier Serna: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2011)

Entrevista a la artista de performance Jennifer Miller, directora de la compañía neoyorquina Circus Amok, llevada a cabo por Mila Aponte-González para el Instituto Hemisférico de Performance y Política. En esta entrevista, Miller habla de los orígenes, las aventuras y las hazañas de Circus Amok y comenta sobre la formación del grupo, las cualidades políticas y estéticas del performance callejero, sus experiencias como artistas de performance político y queer en y para las comunidades de la ciudad de Nueva York, algunos temas recurrentes en su trabajo y sobre cómo las influencias estéticas y los métodos creativos oscilan entre el performance y la política en un ambiente colaborativo. Circus Amok es una compañía de teatro circense basada en la Ciudad de Nueva York, cuya misión es la de proveer arte público gratuito para la comunidad nuyorquina, enfocado en problemáticas de justicia social. El grupo, dirigido y fundado por Jennifer Miller, ha trabajado en conjunto desde 1989 para llevar sus espectáculos cómicos, queer, sarcásticos, sensuales y políticos a diversas comunidades en toda la ciudad. A través de los años, las tradicionales destrezas circenses -- cuerda floja, malabarismo, acrobacia, zancos y clown -- se han combinado con la danza experimental, con marionetas de tamaño real, con música vieja y nueva, con arte de performance que distorsiona los conceptos tradicionales de género y con la improvisación, para así crear un nuevo significado del circo, mientras continúan entreteniendo a públicos de todas las edades a través de las calles, los jardines y los parques de la ciudad, convidando al público a unírseles en su visión de una comunidad interactiva y poderosa que disfruta de un espectáculo que celebra lo queer.

 

Entrevista a Jennifer Miller (2006)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Jennifer Podemski, realizada por Daniel David Moses como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

This video documents an interview with, conducted by as a part of a supplementary Native Theater Festival interview series.

Jennifer Podemski (ojibway-israelí) es una actriz, escritora y productora de 34 años nacida y criada en Toronto. Conocida por sus papeles en Dance Me Outside (Baila conmigo afuera) de Bruce McDonald, The Rez (Las hermanas Rez) de la CBC, Riverdale y Degrassi: The Next Generation (Degrassi: la próxima generación), Jennifer ha sostenido una carrera en actuación en los últimos 20 años.  Es la co-fundadora de Big Soul Productions y más recientemente del Redcloud Studio, Inc., una compañía independiente de producción televisiva y fílmica. Es también la cocreadora y productora ejecutiva de Moccasin Flats (Zapatos de mocasín), la primera serie dramática televisiva producida, escrita y actuada por indígenas.  La serie, que está en su tercera temporada, se transmite por los canales The Aboriginal Peoples Television Network y Showcase Television. También puede ser vista en su nueva serie cómica Moose TV (Televisión de alces), en Showcase Television.

Daniel David Moses es un dramaturgo, poeta, ensayista y maestro de la Nación Delaware, en el territorio de las Seis Naciones en el sur de Ontario, Canadá. Tiene un grado en bellas artes con honores de York University y una maestría en escritura creativa de British Columbia University. Entre sus obras se destacan su primera, Coyote City (Ciudad coyote), que fue nominada para el Premio Literario del Gobernador General del 1991 para Teatro Dramático, The Indian Medicine Shows (Los espectáculos indígenas medicinales) y  Brebeuf's Ghost (El fantasma de Brebeuf).  También es autor del poemario Delicate Bodies and Sixteen Jesuses, poems (Cuerpos delicados y dieciséis Jesuses, poemas)   y co-editor de la tercera edición de Oxford University Press de An Anthology of Canadian Native Literature in English (Una antología de literatura canadiense indígena en inglés), publicada en el 2005.

Entrevista a Jennifer Podemski (2007)

En esta entrevista, llevada a cabo por la curadora del Intituto Hemisférico Raquel Chapa, el artista nativo americano Jesse Cooday (Tinglit) habla sobre su trabajo en la galería del American Indian Community House (AICH) -- donde ha trabajado como asistente del director -- y en el departamento de artes dramáticas de la misma institución. También comenta sobre su trabajo en los años 80, su activismo en Alaska y su trabajo como fotógrafo. Cooday además hace un recuento de todos los prominentes artistas nativo americanos que han trabajado con el AICH. Esta entrevista complementa la Colección del AICH de la Biblioteca de Video Digital del Instituto Hemisférico. Está disponible también en línea en la página web del Instituto a través del web cuaderno tituladoNative Performance in New York City at the American Indian Community House.

Entrevista a Jesse Cooday (2005)

Entrevista con Jesús Martín Barbero, dirigida por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico, y articulada alrededor de la pregunta '¿Qué son los Estudios de Performance?'

Entrevista a Jesús Martín Barbero: ¿Qué es Estudios de Performance? (2002)

Excerpt

Clara: Queríamos que nos hablaran de su formación artística, de su familia, de cuándo empezaron a pensar en el arte...

Jesusa: Yo era muy tímida, muy tímida, entonces me dijeron que era “autista” pero yo en esa época no sabía lo que era “autista” y entendí “artista”, y entonces me dediqué al teatro por error.  

Liliana: Bueno yo, vengo de familia de verduleros, y por el lado de mi mamá, ceramistas.

Me acuerdo mucho que mis abuelos cantaban, pero de ahí a que haya algún compositor o músico, no. A los 7 años me preguntaron que quería hacer, dije que estudiar el piano, no sé si yo sabía bien qué era un piano, pero me mandaron a estudiar piano. A los 9 años conocí a una maestra extraordinaria de piano, y empecé a ser una buena pianista a aquella edad. O por lo menos una buena estudianta de piano. Luego fui perfeccionándome, llegué a la Universidad de Córdoba a estudiar composición e interpretación musical. En ese tiempo llegaron los militares y se cerró la escuela de música. Salí de Argentina, pero siempre haciendo música, conocí a Jesu cuando tenía 26 años, había dejado yo de tocar piano, en ese momento Jesu me obligó prácticamente a que regresara al piano. Y bueno, desde ahí, hasta ahorita.

Marlène: ¿Se conocieron dónde?

Jesusa: En México.

Marlène: ¿Por casualidad o cómo fue?

Liliana: No, yo fui a ver una obra de teatro donde trabajaba Jesu.

Jesusa: Y yo desde el escenario la vi y dije “Ahí está mi destino.”

Marlène: O sea que puedo creer en eso.

Jesusa: Sí, puedes creer en el amor a primera vista. Pero sobre todo desde el escenario. ¿Ves como estoy tan concentrada en mis personajes? (Risas) Bueno pero para mí la historia es muy distinta a la de Lili. Nací en México, mi padre era cirujano de tórax, él operaba tuberculosos, fue pionero de la cirugía de tórax en el mundo. Y mi madre era una mujer muy artista, era ama de casa, pero muy artista, compositora, y tocaba el piano. Yo siempre fui muy apegada a mi padre. De muy pequeña, a mi madre y después mucho a mi padre. Y para mí lo curioso es que mi padre que era médico cirujano siempre quiso ser actor y yo creo que él fue el que más me encaminó hacia el teatro sin darnos cuenta, porque él noquería que yo estudiara teatro, y mi madre tampoco. Pero después a mí me marcó mucho estar cerca de mi padre porque desde muy niña vi operaciones y me gustaba mucho ver el cuerpo abierto. Yo quería estudiar arqueología, esa era mi ruta, pero desde muy niña estaba haciendo teatro, era algo más natural. Y después ya, cuando crecí me di cuenta que lo que quería era hacer teatro y me dediqué al teatro desde los, ya profesionalmente, fui a la escuela a los 21 años y empecé a hacer teatro a los 25. La primera vez que dirigí una obra fue a los 28 años una obra menor, escocesa, que se llama Macbeth. Esa cosilla. Y siempre, bueno, mi trabajo ha sido diferente al de Lili, creo yo que ella tiene una formación académica en la música y yo tengo una formación que casi se podría decir autodidacta porque en México no tenemos escuelas de actuación realmente firmes ni tradición teatral realmente importante de arte escolar. Así que cuando nos conocimos Liliana y yo como te digo yo estaba en el escenario y la vi y ella en el público y corrí al final de la función. Casi siempre es al revés, casi siempre el público viene a ver a los actores. En este caso fue exactamente lo opuesto, yo corrí a verla, porque de verdad la vi desde el escenario y dije, “Yo voy a morir con ella”. Y espero todavía vivir otros muchos años con ella y morirme junto a ella.

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icon Entrevista a Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe (esp) (62.25 kB)

Entravista a Jesusa Rodríguez y Liliana Felipe (2001)

Entrevista con Jesusa Rodríguez conducida por Diana Taylor, directora fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. En esta entrevista, Jesusa Rodríguez conversa sobre la relación entre su experiencia en teatro y cabaret, y su compromiso político como activista. Ella considera que el cabaret ofrece la improvisación como herramienta de entrenamiento para ejercitar la negociación y el riesgo. Además de ello, la respuesta inmediata del público transforma al artista en un medium que transmite lo que el público siente y piensa; en este sentido, el cabaret es un espacio tanto para tomar conciencia de la situación política actual como para prever lo que puede estar por suceder, lo que genera un público más participativo. Jesusa Rodríguez y su movimiento de Resistencia Creativa organizaron un “plantón” masivo en el Zócalo de la ciudad de México para protestar contra los controversiales resultados de las Elecciones Presidenciales del año 2006. Ella reunió diferentes grupos y expresiones artísticas de un amplio rango de ciudadanos y colaboradores mexicanos, que presentaron diferentes espectáculos diariamente durante este plantón de 40 días. Esta protesta fue un ejemplo del rol del arte en la lucha por la transformación de un país, además de ser un acto de generosidad y solidaridad. Basándose en sus experiencias “artivistas”, Jesusa Rodríguez pregunta: ¿cómo es que el arte y la resistencia transforman y energizan a las personas poco a poco cada día?

Entrevista con Jesusa Rodríguez: Sobre arte y activismo (2010)

Entrevista con Jesusa Rodríguez conducida por Diana Taylor, directora fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. En esta entrevista, Jesusa Rodríguez conversa sobre Sor Juana Inés de la Cruz y su poema “Primero sueño”, una obra de arte barroca que condensa el genio de la monja mexicana del siglo XVII. Sor Juana se relaciona a través de la memoria, la historia y declaraciones feministas con su contraparte contemporánea, Jesusa Rodríguez. La artista memorizó los casi 1,000 versos del poema como parte de un proceso creativo que le permitió desarrollar no solamente una profunda interpretación de sus contenidos, sino también una experiencia completa de internalización corporal. Esta intensa relación con el poema la ayudó a sobrevivir en el día a día, a fortalecer su lucha política y a combatir el olvido. Para Jesusa Rodríguez, la poesía de Sor Juana es a la vez a-temporal y contemporánea, y una fuente de inspiración y sabiduría para continuar trabajando en actos de resistencia. Como un tributo, Jesusa Rodríguez usa el teatro para transmitir el más importante poema de una de las más grandes poetas mexicanas, y para hacerlo visible y accesible para todos. Los diversos elementos en el escenario sirven como herramientas para revelar las partes específicas del poema, a través de un “striptease” o una autopsia que sirve para entender la belleza de las palabras de Sor Juana.

Entrevista con Jesusa Rodríguez: Sobre Sor Juana Inés de la Cruz (2010)

Entrevista a Jill Lane, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Jill Lane: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Entrevista a João Gabriel Teixeira, llevada a cabo por Marcos Steuernagel, Coordinador de Colecciones Especiales del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a João Gabriel Teixeira: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2012)

Entrevista a Jorge Vargas, director de teatro y fundador del colectivo de teatro callejero Teatro Taller de Colombia, llevada a cabo por la académica de teatro chicano Alma Martínez. En esta entrevista, Vargas comenta sobre su vida en el teatro, su colaboración con el director teatral Mario Matallana y cómo fundaron el Teatro Taller ( www.teatrotallerdecolombia.com ) en Bogotá, Colombia. Un colectivo arraigado en el teatro popular, el teatro callejero y el circo, el proyecto de Teatro Taller se ha nutrido de los muchos viajes de Vargas y de Matallana por todo el mundo, su participación en festivales internacionales de teatro y su colaboración con grupos de teatro en Europa, América Latina y los EE.UU. Su contacto directo con el teatro chicano ha sido especialmente influyente en la consolidación de un lenguaje teatral propio al Teatro Taller. Comprometidos con la exploración y la difusión del teatro callejero en Colombia y en el extranjero, Teatro Taller ha desarrollado proyectos internacionales de colaboración artística, tales como la Escuela Internacional de Teatro Callejero y Circo y el Festival Internacional de Teatro Callejero al Aire.

Entrevista a Jorge Vargas (1999)

Entrevista a José Muñoz, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política.

Entrevista a José Muñoz: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2002)

Entrevista a Joseph Roach, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Joseph Roach: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Joy Harjo, realizada por Elizabeth Theobald Richards como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Joy Harjo es una poeta, performer, escritora y músico internacionalmente reconocida. Nació en Tulsa, Oklahoma y obtuvo un grado en escritura creativa de la University of New Mexico y una maestría, también en escritura creativa, en el Taller de Escritura de University of Iowa. Ha publicado siete poemarios que han sido celebrados por la crítica, incluyendo obras conocidas como She Had Some Horses (Ella tenía unos caballos) y The Woman Who Fell From the Sky (La mujer que cayó del cielo). Ha ganado numerosos premios por su poesía y escritos, incluyendo el Lifetime Achievement Award del Native Writers Circle of the Americas; el William Carlos Williams Award de la Poetry Society of America y el Eagle Spirit Achievement Award por contribución general a las artes, del American Indian Film Festival, entre otros. Harjo ha presentado su trabajo a nivel internacional, en espacios como el Festival Riddu Riddu realizado al norte del círculo ártico en Noruega, Def Poetry Jam en HBO, Madras, India, La Serie La Casita del Lincoln Center en Nueva York y el Ford Theater en Los Angeles. Cuando no está enseñando o representando su trabajo creativo vive en Honololulu, Hawaii. Pertenece a la Nación Muskoke/Creek de Oklahoma.

Elizabeth Theobald Richards es administradora, planificadora estratégica y defensora de las artes indígenas americanas. Theobald Richards es miembro oficial de la Nación Cherokee de Oklahoma y es la primera indígena americana en servir como oficial de programa de la Ford Foundation. Fue directora de los programas públicos del Museo y Centro de Investigaciones Mashantucket Pequot en Connecticut,  el museo/biblioteca tribal más grande de EEUU. En dicho museo supervisó la planificación, desarrollo e implementación de todos los programas públicos dedicados a la interpretación, la educación y las artes. En los últimos doce años también ha trabajado como dramaturga y directora, desarrollando guiones de escritores indígenas americanos y ha logrado articular relaciones artísticas de manera exitosa entre artistas indígenas, organizaciones establecidas y otros grupos étnicos/raciales.

Entrevista a Joy Harjo (2007)

Entrevista con Julieta Paredes, conducida por Marcial Godoy-Anativia, Director Asociado del Instituto Hemisférico de Performance y Política. En esta entrevista, Julieta Paredes enfatiza la centralidad de un espíritu comunitario en su trabajo, proponiendo que cuando ella habla, su voz es un resonador de las voz de sus compañeras. Paredes cuestiona nociones occidentales de lo que es “performance”, señalando que la Pachamama (Madre Tierra) les ha enseñado a ella y a su gente una performance cultural, o “performance del pueblo”. Ella también menciona que el uso del término “performance” puede tender a recalcar una práctica estética o artística, lo cual podría traer como consecuencia una despolitización de los contenidos transmitidos durante las acciones. Paredes explica cómo ella concibe el trabajo comunitario de los pueblos indígenas, trabajando juntos desde sus cuerpos y sus sexualidades, construyendo así lo que ella llama “feminismo comunitario”. De este modo, desde las particularidades de las comunidades tradicionales indígenas, puede impulsarse una participación activa en la esfera pública. Ella también habla sobre las acciones de “Mujeres Creando” y más adelante de “Mujeres Creando Comunidad”, las cuales son pensadas como una forma de llamar la atención e involucrar la participación de los ciudadanos en espacios públicos, y para comunicar y transmitir las luchas políticas y sociales que han sido invisibilizadas y silenciadas.

Entrevista con Julieta Paredes (2010)

Entrevista a Kay Turner, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Kay Turner: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Kennetch Charlette, realizada por Drew Hayden Taylor como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Kennetch Charlette es de Sandy Bay Saskatchewan, Canadá y pertenece a la Nación Cree. Kennetch ha estado trabajando por muchos años como actor y director. Es el director artístico fundador de la Saskatchewan Native Theatre Company (SNTC).  Sus logros recientes incluyen numerosas presentaciones de la SNTC y dirigir la obra de Drew Hayden Taylor In World Created by a Drunken God (En un mundo creado por un dios ebrio) en el Persephone Theatre y la obra Buzz Gem Blues, en el Trinity Rep en Providence, Rhode Island.

Drew Hayden Taylor ha realizado un sinnúmero de diversas acciones creativas, desde monólogos cómicos en el Kennedy Center en Washington D.C. hasta conferencias sobre las películas de Sherman Alexie en el Museo Británico en Inglaterra. Es un dramaturgo premiado (con más de 70 producciones a través de su carrera), documentalista, guionista, periodista y periodista. Además de publicar 18 libros, Drew también se divierte escribiendo una columna humorística para cinco periódicos canadienses. Nació y vive actualmente en la Reserva Indígena de Curve Lake (Ojibway).

Entrevista a Kennetch Charlette (2007)

Entrevista a Larry La Fountain-Stokes, llevada a cabo por Antonio Prieto Stambaugh durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Larry La Fountain-Stokes habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa su participación en la mesa redonda “Fronteras de las ciudadanías: Multiculturalidad, interculturalidad y migración”, llevada a cabo durante este evento de diez días y que combinó el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

Larry La Fountain-Stokes se especializa en estudios latina/o, estudios de la región del Caribe hispanohablante y de Puerto Rico, estudios sobre mujer, género y sexualidad, estudios lésbico-gays y queer y teatro y performance. Obtuvo su licenciatura de Harvard College en el 1991 y su maestría y doctorado de Columbia University en el 1999.

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Entrevista a Larry La Fountain-Stokes (2009)

Entrevista con Laura Levin, dirigida por Mark Matusoff. Esta entrevista es parte de una serie coordinada por el Hemispheric Institute, articulada alrededor de la pregunta “¿Qué son los estudios de performance?”.

Entrevista a Laura Levin: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2013)

En noviembre del 2008, el Public Theater de la Ciudad de Nueva York se enorgulleció en organizar un extraordinario festival de teatro con la participación de artistas indígenas americanos actuales.  En lo que fue su segundo año, el festival presentó tres dramatizaciones gratuitas de obras nuevas de los dramaturgos indígenas Victoria Nalani Kneubuhl, Laura Shamas y Eric Gansworth, seguidas de conversatorios abiertos al público; un diálogo abierto al público sobre política y performance con el director artístico Oskar Eustis y un panel de artistas indígenas; una serie de siete mesas de discusión dedicada al campo del teatro organizada con el fin de congregar a artistas y crear un foro abierto para abordar y discutir los problemas que enfrenta el teatro indígena hoy en día; y un concierto de la cantante indígena y afro-estadounidense Martha Redbone en Joe’s Pub. Este video, Entrevista a Laura Shamas, complementa el archivo del festival del 2008 y forma parte de una serie de entrevistas realizadas por Tom Pearson.

La obra de Laura Shamas (Chickasaw) ha sido interpretada, desarrollada y presentada en numerosos teatros y espacios, como el Native Voices en el Autry, el Native Earth Performing Arts, la “Semana de Dramaturgos en el Lark”, el Soho Theatre, el Festival de Teatro de Williamstown, el Old Globe, el Geva Theater y el Festival de Shakespeare de Utah. Shamas ha publicado varias obras, como por ejemplo Re-Sourcing (Recursos y suministros) Moliere In Love (Moliere enamorado), Pistachio Stories (Historias de pistacho), Up To Date (Al día), Lady-Like (Como una mujer), Picnic at Hanging Rock (Picnic en Hanging Rock), Portrait of a Nude (Retrato de un desnudo) y The Other Shakespeare (El otro Shakespeare). Ha recibido varios honores por su dramaturgia, incluyendo el Garrard Award por mejor obra del 2008 del Five Civilized Tribes Museum, un Fringe First Award por nuevo drama destacado (Edinburgh), un Drama-Logue Award y una beca Aurand Harris para el 2006 y el 2007 de la Children's Theater Foundation of America.

Tom Pearson (Cherokee de la Nación Creek y de la Banda de la Costa del Este) es un escritor y artista que trabaja con múltiples medios, incluyendo la danza contemporánea, la performance site-specific (localizada), el cine, las artes visuales e instalaciones a gran escala.  Pearson obtuvo una maestría en Estudios de Performance en la Escuela de Artes Tisch de New York University y actualmente es el co-director artístico del colectivo de artistas Third Rail Projects, con sede en la Ciudad de Nueva York. Recibió el Premio Bessie de Danza y Performance de Nueva York del 2008 por coreografía y el Premio Kingsbury por escritura creativa.  Pearson ha publicado artículos sobre danza y performance indígena en Time Out New York Kids, Dance Magazine, Dance Spirit, y varias publicaciones online.  Además de su trabajo en el campo del arte contemporáneo, Tom también participa como bailarín y cantante en eventos indígenas tradicionales.

Entrevista a Laura Shamas (2008)

Entrevista a Leda Martins, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Leda Martins: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2011)

Entrevista a Liliana Angulo, llevada a cabo por Mila Aponte-González durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Liliana Angulo habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa su video-instalación “Negritude”, la cual fue presentada durante este evento que dura diez días y que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

La artista plástica Liliana Angulo se graduó de la Universidad Nacional en Bogotá, Colombia con una especialización en escultura. En su trabajo en diferentes medios explora, entre otros temas, la identidad racial y la cultura afro-colombiana. Además de exposiciones a nivel nacional como el “41 Salón Nacional de Artistas”, el "Encuentro Internacional MDE07 – Prácticas Artísticas Contemporáneas", "Viaje sin mapa, representaciones afro en el arte contemporáneo colombiano" y “Cohabitar: IX Bienal del Museo de Arte Moderno de Bogotá", ha participado en exposiciones internacionales en Estados Unidos, México y Francia. Sus obras son parte de la Colección del Banco de la República de Colombia y de varias colecciones privadas. En el 2008 fue artista invitada en el Centro Nacional de la Investigación Científica en París (Centre National de la Recherche Scientifique -CNRS). La Revista Universitaria de Ciencias Sociales "Cahiers du Genre" de dicho centro, discute su trabajo en el ejemplar de enero de 2008 dedicado al tema "Género, feminismo y el valor del arte" (Genre, féminisme et le valeur de l'art) e incluye una de sus fotografías en la portada. Fue artista invitada en el programa "Ocho fotógrafos" de School of the Museum of Fine Arts en Boston.  También presentó su trabajo en University of Pennsylvania para el Centro de Estudios Africanos y el Programa de Estudios Latinoamericanos y Latinos. Después ofreció charlas en la Kansas State University y en la Emerson College School of the Arts en Boston.  En el 2008 estuvo vinculada con el programa "Obra viva" desarrollado por el Área Cultural del Banco de la República de Colombia y realizado en las sucursales de Quibdo – Chocó.  En este programa, los artistas realizaron proyectos colectivos con diversas comunidades del país. En el campo administrativo ha contribuido a diseñar políticas relacionadas con prácticas artísticas en contextos sociales y académicos.

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Entrevista a Liliana Angulo (2009)

Entrevista con el actor y miembro del Teatro Experimental de Cali (TEC), Lisímaco Núñez, llevada a cabo por la académica de teatro chicana Alma Martínez. En esta entrevista Núñez habla sobre su trayectoria artística y sobre su experiencia con el TEC. El actor comenta sobre las idiosincrasias estéticas del grupo, sus técnicas teatrales, sus textos dramáticos de preferencia, la exploración de elementos fuera de la tradición teatral (las artes marciales, por ejemplo), y algunas de las influencias teóricas y artísticas que dan forma al trabajo del grupo. Lisímaco también habla sobre el entretejido entre arte y política, tomando en cuenta al teatro como un espacio de expresión social. Se discute sobre la creación colectiva, así como los puntos de contacto y divergencia entre el TEC y otros reconocidos grupos de teatro colombiano (como La Candelaria, dirigido por Santiago García). El artista extiende su análisis sobre las conexiones entre los grupos teatrales y las influencias y relaciones entre el teatro Colombiano, Latinoamericano y Chicano, proponiendo una reflexión sobre las complejidades de una cultura inserta en un amplio contexto artístico, sociopolítico y hemisférico.

Entrevista a Lisímaco Núñez (1999)

Entrevista con Lois Weaver & Peggy Shaw del grupo Split Britches, llevada a cabo por Sarah Townsend como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política celebrado en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina, bajo el título "Corpolíticas en las Américas: Formaciones de Raza, Clase y Género". El grupo Split Britches fue fundado en 1981 en el WOW Café de Nueva York, Estados Unidos. El grupo es parte de Staging Human Rights (Escenificando los Derechos Humanos) y trabaja en cárceles de Río de Janeiro e Inglaterra. También son artistas asociadas del proyecto de medicina y performance Clod Ensembles.

Entrevista a Lois Weaver y Peggy Shaw (2007)

Entrevista con Lucy Bolaños, directora teatral y fundadora del colectivo femenino de teatro La Máscara, llevada a cabo por la académica de teatro Chicana, Alma Martínez. En esta entrevista, Bolaños habla sobre su vida en el teatro, su participación como miembro del Teatro Experimental de Cali, y la fundación de La Máscara en 1972 como un colectivo comprometido con la denunciación y exploración de las temáticas de la mujer en Colombia. Bajo el lema de "lo personal es lo político", La Máscara aspira a ser una herramienta para el cambio histórico a través del compromiso social; en esta línea, Bolaños y su grupo trabajan con poblaciones marginales (mujeres, juventud), ofrecen talleres, enseñan y crean colectivamente obras de teatro que se enfocan en temáticas de sexualidad, violencia doméstica, homofobia, machismo, violencia política, etc. La colaboración es la estrategia maestra que caracteriza su trayectoria artística, ejemplificada en colaboraciones con reconocidas mujeres del teatro colombiano (tales como Patricia Ariza y Jacqueline Vidal) y con la red internacional de mujeres envueltas en teatro y performance como parte del Proyecto Magdalena, entre otros. Más allá, Bolaños comenta sobre la estética y los puntos de contacto entre el teatro Colombiano y el Teatro Chicano, y habla sobre varias obras del repertorio de La Máscara.

Entrevista a Lucy Bolaños (1999)

Entrevista a Luis Pazos y a Héctor Puppo del Grupo Escombros, llevada a cabo por Marcela Fuentes como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

 Biografía

Grupo Escombros emergió en el 1988 en La Plata, Argentina como un colectivo dedicado al arte callejero/público. Era un tiempo de hiperinflación, donde todo parecía derrumbarse, incluso la democracia. Los artistas se preguntaron “¿Qué quedará de nuestro país?”. Su respuesta fue “los escombros” y así fue que el grupo adquirió su nombre. La mayoría de las obras se llevan a cabo al aire libre, son creadas por y para la gente de La Plata usando materiales desechados y expresan las realidades sociopolíticas actuales. El Grupo Escombros se expresa a través de todas las formas posibles de comunicación: instalaciones, manifiestos, murales, objetos, afiches, poemas, grabados, charlas, poemas visuales, graffitis, tarjetas postales y net art.

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Entrevista a Luis Pazos y a Héctor Puppo (2007)

En esta entrevista, llevada a cabo por Diana Taylor durante el 5to Encuentro del Instituto Hemisférico celebrado en el 2005 en Belo Horizonte, Brasil y titulado “Performance y ‘raíces’: prácticas indígenas contemporáneas y movilizaciones comunitarias”, Luisa empieza presentándose en Mapudungún (su idioma indígena) al decir “Soy una persona de la tierra, la tierra en el sur que nuestros queridos antepasados llamaban Pantano Frío pero ahora es conocida como General Roca. Con la protección de la Gran Madre del Cielo, del Gran Padre del Cielo, de la Mujer Joven y del Hombre Joven del Cielo he podido llegar aquí hoy”. Calcumil narra la historia de su difícil infancia y de cómo llegó al mundo del teatro. También habla de su performance unipersonal, “Es bueno mirarse en la propia sombra”, el cual presentó durante el Encuentro. Aspira a transmitir la visión de mundo mapuche a través de su trabajo, visión que según explica es diferente a la del “mundo blanco”, ya que es principalmente oral y musical. Le gustaría romper con los estereotipos de los pueblos indígenas, quienes han sido tan ampliamente representado por otros y hace un llamado a la auto-representación, a respetar las tradiciones y a la renovación de la esperanza para con su comunidad. Luisa Calcumil es actriz, directora y dramaturga mapuche de la Patagonia, Argentina. Comenzó su carrera como actriz en el 1975. Después de trabajar en veinte obras de teatro, cinco películas y varios programas de televisión, sintió que no estaba siendo representada por los personajes que actuaba. Así pues, decidió escribir sus propios libretos: “Hebras” y “Es bueno mirarse en la propia sombra”.

Entrevista a Luisa Calcumil (2005)

Entrevista a Luz Ángela Londoño, directora asistente del Festival al Aire Puro, llevada a cabo por la académica de teatro chicano Alma Martínez. Londoño nos habla de su trayectoria en la administración y producción teatral, la cual incluye trabajo tras bastidores con grupos de gran renombre tales como el Teatro Taller de Colombia y el Teatro Libre de Bogotá. Esta conversación está planteada dentro del amplio contexto de la historia y el futuro del teatro colombiano contemporáneo, sus aspectos políticos, pedagógicos y comerciales y el rol de la mujer en su producción. Luz Ángela también habla sobre los rasgos expresivos característicos, los recursos estéticos, los mecanismos para la comunicación y las condiciones de posibilidad del teatro callejero, comentando en particular sobre el festival internacional de teatro callejero “Al Aire Puro”, organizado en Bogotá por el grupo de teatro colombiano Teatro Taller de Colombia (www.teatrotallerdecolombia.com), donde muchos reconocidos grupos teatrales internacionales se juntan para actuar, participar de talleres y compartir sus habilidades de teatro callejero bajo la consigna “'El teatro callejero del mundo le sonríe a la paz de Colombia”.

Entrevista a Luz Ángela Londoño (1999)

There is no translation available.

This interview is focused on the production, organization, theoretical conceptualization, and the experience of the project ‘Witness to the Ruins,’ created by Mapa Teatro in collaboration with former inhabitants of the neighborhood Santa Inés del Cartucho, Bogotá.

Interview with Mapa Teatro (2011)

Entrevista a Marcos Malafaia, uno de los directores de la compañía de teatro de marionetas brasileña Giramundo, llevada a cabo por Marcos Alexandre en el contexto del 5to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política celebrado en marzo del 2005 en Belo Horizonte, Brasil y titulado “Performance y ‘raíces’: prácticas indígenas contemporáneas y movilizaciones comunitarias”. En esta entrevista, Malafaia habla de los orígenes y de la historia del grupo, sus técnicas de construcción y manipulación de marionetas y las influencias y géneros en juego en la labor continua de investigación, creación, performance y pedagogía de Giramundo. El artista también comenta sobre los puntos de contacto entre las artes y la política en el proceso del patrimonio brasileño en las artes escénicas, con énfasis especial en las cuatro renombradas piezas teatrales de Giramundo: “Tiradentes”, “O Guarani”, “Os Orixás” y “Cobra Norato”. Para concluir, Malafaia hace observaciones sobre el espectáculo más reciente de Giramundo, “Pinocchio”, una adaptación del texto de Carlo Collodi al teatro de marionetas. Creado en el 1970 por los artistas brasileños Álvaro Apocalypse, Terezinha Veloso y Maria do Carmo Vivacqua Martins (Madu), Giramundo Teatro de Bonecos (www.giramundo.org) ha adquirido renombre mundial como uno de los grupos más importantes de teatro de marionetas. Su destacada trayectoria incluye obras profesionales para teatro, cine, video y televisión, así como un fuerte componente pedagógico que incluye talleres y cursos de marionetas tanto en otros países como en su propia escuela en Belo Horizonte, Brasil. Las 950 marionetas que han pasado por sus escenarios o que siguen en escena, forman parte de la colección Museu Giramundo (Museo Giramundo), la colección privada más grande de su tipo en Brasil. El rigor metodológico en la creación de sus performances, la refinada construcción y manipulación de sus objetos en escena y su interés por explorar la cultura brasileña le han dado a Giramundo herramientas para trascender el teatro infantil tradicional e incorporar temas y formas culturales para públicos adultos que están en diálogo directo con asuntos políticos y estéticos complejos.

Entrevista a Marcos Malafaia (2005)

Entrevista a María Galindo de Mujeres Creando, llevada a cabo por Diana Taylor como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas: Formaciones de raza, clase y género”.

Biografía

María Galindo es la co-fundadora del grupo Mujeres Creando, un movimiento feminista-anarquista autónomo creado en el 1992 en La Paz, Bolivia. El grupo se dedica a llevar a cabo acciones creativas en las calles, a producir videos, a publicar un periódico y libros de poesía, teoría feminista y sexualidad, entre otras cosas. Está compuesto por mujeres de diferentes orígenes culturales, sociales y etéreos y se plantea la creatividad como instrumento de lucha y participación social.

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Entrevista a María Galindo (2007)

Entrevista a Marianela Boán, llevada a cabo por Shanna Lorenz durante el 2do Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en junio del 2001 en Monterrey, México bajo el título "Memoria, atrocidad y resistencia".

 Marianela Boán es coreógrafa internacionalmente reconocida y una de las más importantes artistas de la danza de vanguardia cubana e hispanoamericana. En del laboratorio de DanzAbierta, su compañía en la Habana, Boán desarrolló una metodología de performance llamada Danza Contaminada, la cual combina voz, emoción, postura, gesto, imagen, idioma, etc. dentro de una estructura de collage basada en la coreografía. Boán comenta sobre cómo su proceso creativo es “inseparable del proceso socio-cultural vivido por la vanguardia artística cubana en los 1980s y 90s”. Continuó desarrollando Danza Contaminada con una segunda compañía, BoanDanz Action, creada mientras completaba su maestría en Danza y Nuevos Medios en Temple University en Filadelfia, EEUU. Actualmente, Boán es la directora y fundadora de la primera compañía nacional de danza contemporánea en la República Dominicana. Como coreógrafa, bailarina y profesora, Boán ha trabajado en más de cuarenta países alrededor del mundo y creado más de cincuenta coreografías.

Entrevista a Marianela Boán (2001)

En noviembre del 2008, el Public Theater de la Ciudad de Nueva York se enorgulleció en presentar un extraordinario festival de teatro con la participación de artistas indígenas americanos actuales.  En lo que fue su segundo año, el festival incluyó tres dramatizaciones gratuitas de obras nuevas de los dramaturgos indígenas Victoria Nalani Kneubuhl, Laura Shamas y Eric Gansworth, seguidas  de conversatorios abiertos; un diálogo abierto al público sobre política y performance con el director artístico Oskar Eustis y un panel de artistas indígenas; una serie de siete mesas de discusión sobre el campo organizadas con el fin de reunir a artistas y crear un foro abierto para abordar y discutir los problemas que enfrenta el teatro indígena hoy en día; y un concierto en Joe’s Pub por la cantante indígena y afro-estadounidense Martha Redbone.  Este video, Entrevista a Marie Clements, complementa el archivo del festival del 2008 y forma parte de una serie de entrevistas realizadas por Tom Pearson.

Marie Clements (Metis/Dene) es una performer, dramaturga, directora y guionista premiada y es la directora artística fundadora de urban ink productions y  Fathom Labs Highway. Sus doce obras teatrales, entre las que se destacan Copper Thunderbird (Ave de trueno de cobre) Burning Vision (Visión que quema) y The Unnatural and Accidental Women (Las mujeres antinaturales y accidentales) han sido escenificadas en los espacios más prestigiosos para obras canadienses e internacionales, incluyendo el Festival de Teatro de las Américas en Montreal (con Urban TattooTatuaje urbano—en el 2001 y Burning Vision en el 2003), el National Arts Centre y el The Magnetic North Festival (con Burning Vision en el 2003 y Copper Thunderbird en el 2007) en Ottawa. Su trabajo ha recibido numerosos premios y publicaciones, como el Premio Literario Canadá-Japón del 2004 y una nominación para el Premio Literario del Gobernador General del 2003.

Tom Pearson (Cherokee de la Nación Creek y de la Banda de la Costa del Este) es un escritor y artista que trabaja con diferentes medios, incluyendo la danza contemporánea, la performance site-specific (localizada), el cine, las artes visuales e instalaciones a gran escala.  Pearson obtuvo una maestría en estudios de performance en la Escuela de Artes Tisch de New York University / la Escuela de Artes de Tisch y actualmente es el co-director artístico del colectivo de artistas Third Rail Projects, con sede en la Ciudad de Nueva York. Recibió el Premio Bessie de Danza y Performance de Nueva York del 2008 por coreografía y el Premio Kingsbury por escritura creativa.  Pearson ha publicado artículos sobre danza y performance indígena en Time Out New York Kids, Dance Magazine, Dance Spirit, y varias publicaciones online.  Además de su trabajo en el campo del arte contemporáneo, Tom también participa como bailarín y cantante en eventos indígenas tradicionales.

Entrevista a Marie Clements (2008)

There is no translation available.

Interview with theater director and founder of street theater ensemble Teatro Taller de Colombia, Mario Matallana, conducted by Chicano theater scholar Alma Martinez.

Interview with Mario Matallana (1999)

En noviembre del 2008, el Public Theater de la Ciudad de Nueva York se enorgulleció en organizar un extraordinario festival de teatro con la participación de artistas indígenas americanos actuales.  En lo que fue su segundo año, el festival presentó tres dramatizaciones gratuitas de obras nuevas de los dramaturgos indígenas Victoria Nalani Kneubuhl, Laura Shamas y Eric Gansworth, seguidas de conversatorios abiertos al público; un diálogo abierto al público sobre política y performance con el director artístico Oskar Eustis y un panel de artistas indígenas; una serie de siete mesas de discusión dedicada al campo del teatro organizada con el fin de congregar a artistas y crear un foro abierto para abordar y discutir los problemas que enfrenta el teatro indígena hoy en día; y un concierto de la cantante indígena y afro-estadounidense Martha Redbone en Joe’s Pub. Este video, Entrevista a Martha Redbone, complementa el archivo del festival del 2008 y forma parte de una serie de entrevistas realizadas por Tom Pearson.

Martha Redbone (Choctaw/Shawnee/Cherokee/Blackfeet) es una de las voces destacadas de la música soul y la música indígena contemporánea. Ella ha recibido múltiples premios por sus dos álbumes, Skintalk (Plática sobre la piel) y Home of the Brave (El hogar de los valientes), como el premio por mejor álbum de rhythm and blues de los Independent Music Awards del 2006, el premio al mejor primer álbum de los Native American Music Awards del 2002 y dos premios consecutivos al mejor álbum de rhythm and blues de los Indian Summer Music Awards del 2004 y el 2005. Martha también obtuvo en el 2005 el National HIV/Aids Partnership Red Ribbon Award de las Naciones Unidas por su trabajo comunitario. Martha nació en Brooklyn de una madre hoctaw/shawnee/cherokee/blackfeet y un padre afro-americano y se encuentra actualmente trabajando en su tercer álbum musical.

Tom Pearson (Cherokee de la Nación Creek y de la Banda de la Costa del Este) es un escritor y artista que trabaja con múltiples medios, incluyendo la danza contemporánea, la performance site-specific (localizada), el cine, las artes visuales e instalaciones a gran escala.  Pearson obtuvo una maestría en estudios de performance en la Escuela de Artes Tisch de New York University y actualmente es el co-director artístico del colectivo de artistas Third Rail Projects, con sede en la Ciudad de Nueva York. Recibió el Premio Bessie de Danza y Performance de Nueva York del 2008 por coreografía y el Premio Kingsbury por escritura creativa.  Pearson ha publicado artículos sobre danza y performance indígena en Time Out New York Kids, Dance Magazine, Dance Spirit, y varias publicaciones online.  Además de su trabajo en el campo del arte contemporáneo, Tom también participa como bailarín y cantante en eventos indígenas tradicionales.

Entrevista a Martha Redbone (2008)

Entrevista a Megaron Txucarramãe, llevada a cabo por Terence Turner durante el 5to Encuentro del Instituto Hemisférico celebrado en el 2005 en Belo Horizonte, Brasil y titulado “Performance y ‘raíces’: prácticas indígenas contemporáneas y movilizaciones comunitarias”. En esta entrevista, Megaron habla sobre las prácticas y tradiciones culturales de Kaiapó, de su sentido de comunidad así como de la situación actual en la geopolítica brasileña. También comenta sobre la participación de su pueblo en el Encuentro, durante el cual Megaron dictó la conferencia magistral titulada “La cuestión indígena en Brasil”.

Biografía

Megaron Txucarramãe (líder de Mebêngôkre/Kaiapó) es uno de los más importantes líderes indígenas en Brasil. Ha desempeñado un papel notable en la causa de su pueblo, los Mekragnotire, y de otros pueblos indígenas brasileños. Para la Funai, tomó parte en los frentes de contacto con los pueblos Ikpeng y Panará. En el 1984 participó en la demarcación de la Tierra Indígena Kapôt - Jarina y, en el 1992/1993, de la Tierra Indígena Mekragnotire. De 1984 a 1994 fue supervisor de la FUNAI (Fundación Nacional del Indio) del Parque Indígena do Xingu y ha sido director de Funai - Colíder/MT de 1995 a 2011. También es miembro fundador de la Associação Ipren-re de Defesa do Povo Mebêngôkre [Asociación Ipren-re de Defesa del Pueblo Mebêngôkre] desde 1993.

 

Entrevista a Megaron Txucarramãe (2005)

Entrevista a Michael John Garcés, llevada a cabo por Mila Aponte-González, durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Garcés habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa su participación en “Teatro comunitario: una conversación sobre metodología”,  presentado durante este evento de diez días que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

Michael John Garcés es director artístico de Cornerstone Theater Company en Los Angeles. Sus créditos como director y dramaturgo incluyen The Humana Festival, The Edinburgh Fringe Festival, Yale Repertory Theater, El Centro Cultural de las Filipinas, New York Theatre Workshop, The Guthrie Theater, The Walker Arts Center, A Contemporary Theater, Ensemble Studio Theater, Woolly Mammoth, Repertorio Español, El Teatro Rodante Puertorriqueño y muchos más. Le han sido otorgados el Princess Grace Statue y el Alan Schneider Director Award.

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Entrevista a Michael John Garcés (20090

Entrevista a Michelle Matlock, llevada a cabo por Jill Lane como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

 Biografía

Michelle Matlock es nativa del estado de Washington, Estados Unidos. Se graduó del National Shakespeare Conservatory en la Ciudad de Nueva York. En el 2001, comenzó a desarrollar su unipersonal “The Mammy Project”.

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Entrevista a Michelle Matlock (2007)

In this interview, conducted by Diana Taylor, founding director of the Hemispheric Institute of Performance and Politics, Miguel Rubio talks about creación colectiva (collective creation) in Latin America.

Entrevista con Miguel Rubio: Creación colectiva (2012)

In this interview, by Diana Taylor, founding director of the Hemispheric Institute of Performance and Politics, Miguel Rubio talks about the crisis of representation related to the atrocities inflicted by political violence during the internal armed conflict in Peru (1980-2000).

Entrevista con Miguel Rubio: Crisis de representación (2012)

Entrevista a Miriam Álvarez & Lorena Cañuqueo del Proyecto de Teatro Mapuche, llevada a cabo por Julieta Infantino como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

 Biografía

Miriam Álvarez y Lorena Cañuqueo son parte del Proyecto de Teatro Mapuche, una propuesta de teatro político que se desarrolla desde el 2001, enmarcado dentro del movimiento mapuche contemporáneo con base en Bariloche, provincia de Río Negro, Argentina. La obra “Pewma” está basada en un tipo particular de sueño –el pewma-- que tiene el poder de transmitir mensajes a quien lo sueña. A través del sueño se vive y se actúa en el presente la memoria del Pueblo Mapuche que acarrea la experiencia traumática del genocidio.

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Entrevista a Miriam Álvarez & Lorena Cañuqueo (2007)

Entrevista a Miriam Gomes, llevada a cabo por Claudia Briones como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

 Biografía

Miriam Gomes pertenece a la comunidad caboverdiana, una comunidad afro-descendiente que ha estado en Argentina por más de cien años. Ha tomado parte en diferentes organizaciones para luchar por la defensa y la difusión de los valores culturales africanos y es vice-presidenta de la Sociedad Cabo Verde en Argentina.

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Entrevista a Miriam Gomes (2007)

There is no translation available.

In this interview, conducted by Marcial Godoy-Anativia, associate director of the Hemispheric Institute of Performance and Politics, Moysés Zúñiga Santiago talks about his photo exhibit presented in NYC in 2010.

Interview with Moysés Zúñiga Santiago (2010)

Entrevista con Nao Bustamante conducida por José Muñoz durante el 3er Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en Julio del 2002 en Lima, Perú, bajo el título "Globalización, Migración y Espacio Público". Nao Bustamante es una reconocida pionera del arte de performance, original del Valle San Joaquín en California. Su trabajo incluye arte de performance, instalación, video, música pop y otras expresiones experimentales de su tiempo. Utilizando su cuerpo como fuente de imagen, narrativa y emoción, sus performances comunican el leguaje del subconsciente, llevando al espectador en un viaje bizarro, con imágenes embrujadoras, y estereotipos fragmentados a través de la corporeización. El trabajo de Bustamante se ha presentado, en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, en el Museo de Artes Modernas de San Francisco, y en el Museo Miasma de Helsinki. Sus performances han sido presentados en Galerías, Museos, Universidades y lugares de la escena "underground" en Asia, África, Europa, Nueva Zelandia, Australia, Canadá, México y los Estados Unidos. Sus colaboraciones incluyen trabajos con luminarias tales como Coco Fusco y Osseus Labrint. En el 2001, recibió la prestigiosa beca "Anonymous Was a Woman". Actualmente reside en Troy, Nueva York y es profesora asistente de Nuevos Medios y Arte en Vivo en el Instituto Politécnico de Rensselaer.

Entrevista a Nao Bustamante (2002)

En esta entrevista, llevada a cabo por Andrew McLean durante el 5to Encuentro del Instituto Hemisférico (Belo Horizonte, 2005), los cuatro miembros fundadores de Pamyua (Stephen Blanchett, Phillip Blanchett, Ossie Kairaiuak y Karina Moeller) hablan de sus orígenes, del surgimiento de la banda y de las formas en las que su música combina canciones tradicionales Yup'ik con influencias musicales afroamericanas como el gospel, el R&B, el jazz y el funk para crear un nuevo estilo Yup'ik único. Hablan de sus experiencias como indígenas urbanos y de su relación con sus raíces -- una relación que, para ellos, ha significado un proceso delicado de negociación cultural entre diferentes tradiciones y generaciones. Entre otras cosas, discuten la forma en que los ancianos Yup'ik los ven, qué problemas enfrentan sus comunidades y cómo han llegado a constituirse en portadores de una nueva cultura para revitalizar la identidad Yup'ik entre los jóvenes.

Entrevista a Pamyua (2005)

En esta entrevista, dirigida por Diana Taylor, directora fundadora del Hemispheric Institute of Performance and politics, Pancho López habla sobre sus inicios y su experiencia en el campo del arte de performance en México.

Entrevista a Pancho López: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2011)

Entrevista con Patricia Ariza, directora teatral y fundadora del reconocido colectivo Teatro la Candelaria, llevada a cabo por la académica de teatro chicana Alma Martínez. La creación colectiva, el teatro político, el feminismo y la actual temática sociopolítica y cultural colombiana, son algunos de los tópicos que discute Ariza. La artista habla sobre su rol en la creación y trayectoria de La Candelaria, y del esfuerzo combinado de este colectivo y el Teatro Experimental de Cali para crear la Corporación Colombiana de Teatro como un mecanismo para facilitar un foro de discusión teórico y práctico. Además, Patricia comenta sobre su trabajo como artista y activista con los sectores marginados de la sociedad colombiana (la mujeres, los indígenas, los inmigrantes, los prisioneros, etc.), desarrollando proyectos artísticos interdisciplinarios diseñados para devolverle el poder a estas comunidades, explorando las posibilidades de la creación colectiva para obtener un cambio social. Finalmente, Ariza discute sobre los lazos culturales y las afinidades políticas entre el teatro latinoamericano y el teatro latino en los Estados Unidos a la luz de temáticas hemisféricas compartidas, tales como el tráfico de drogas, el desplazamiento de las guerrillas, la corrupción política, la inmigración y la globalización.

Entrevista a Patricia Ariza (1999)

Entrevista a Patrick Anderson, llevada a cabo por Marcial Godoy-Anativia, director asociado del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Patrick Anderson: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Randy Reinholz, realizada por Yvette Nolan como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Randy Reinholz, que pertenece a la Nación Choctaw de Oklahoma, es cocreador  y y director artístico de la compañía teatral Native Voices. Ha dirigido cerca de 50 obras en EEUU y Canadá. Fue el director y productor ejecutivo de Urban Tattoo y las elogiadas producciones del grupo Equity de Jump Kiss (Saltos y besos), Buz' Gem Blues, y Please Do Not Touch the Indians (Favor no tocar a los indígenas) y fue el productor ejecutivo del estreno mundial de Kino & Teresa. En el 2006, Reinholz produjo y dirigió los estrenos mundiales y las giras de Stone Heart (Corazón de piedra) y The Red Road (El camino rojo) y la dramatización leída de Wild Horses (Caballos salvajes) en el festival New Visions/New Voices del Kennedy Center. En el 2007 su producción de The Berlin Blues se estrenó en Los Ángeles. Las últimas tres producciones de Native Voices han sido reescenificadas en el Museo Nacional del Indígena Americano en Nueva York y Washington D.C. Además de dirigir y producir, ha copatrocinado exhibiciones y talleres sobre la diversidad indígena americana para ABC y NBC y es anualmente un artista invitado en el Instituto de Verano Indígena Americano de Fox. Obtuvo su maestría de Cornell University y es profesor con permanencia en el Departamento de Teatro, Televisión y Cine de San Diego State University, donde también es profesor en el Programa de Estudios Indígenas Americanos.

Yvette Nolan (Algonquin de Kitiganzibi) es dramaturga, consultora teatral y directora. Entre sus obras se destacan  Annie Mae's Movement (El movimiento de Annie Mae), BLADE (NAVAJA), Job's Wife (La esposa de Job), Video, el libreto Hilda Blake y la obra para radio Owen. Como dramaturga ha trabajado en varios espacios en Canadá, más recientemente como la dramaturga oficial del Saskatchewan Playwrights Centre Spring Festival. Fue la presidenta del Sindicato de Dramaturgos de Canadá del 1998 al 2001 y de la Playwrights Canada Press del 2003 al 2005. Actualmente es la directora artística de Native Earth Performing Arts en Toronto.

Entrevista a Randy Reinholz (2007)

Entrevista a Rebecca Schneider, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Rebecca Schneider: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Entrevista con Regina José Galindo, dirigida por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Regina Galindo habla sobre la diferencia entre ser artista o activista durante los años de violencia en Guatemala. Reflexiona sobre los riesgos que implica la obra del artista, afirmando finalmente que, de hecho, cualquier guatemalteco corre peligro en su vida cotidiana. De acuerdo con su visión clara y racional del arte, el activismo es algo diferente y más involucrado; Para ella, el papel del artista es crear obras de arte, que podrían no tener un impacto directo en el cambio social, pero que pueden promover un nuevo diálogo entre los ciudadanos. Galindo afirma firmemente que no cree que esté cambiando el mundo; Sin embargo, el hecho de que no esté involucrada en un cambio radical no significa que no esté trabajando por lograr una sociedad mejor. Por lo tanto, propone una forma diferente de resistencia, a través de la cual tal vez no estamos cambiando el mundo, pero al menos no lo estamos empeorando. Regina José Galindo (1974) nació en Ciudad de Guatemala. Su trabajo ha sido incluido en grupos como Venecia-Estambul, Museo de Arte Moderno, Intanbul; En mí, Fuera de mí, P.S.1, Nueva York, y Kunst-Werke Berlín; MASH, Miami; Las Fronteras del Género, Zaragoza, España; Estrecho Dudoso, Teoretica, Costa Rica; MENS humanidad, S.M.A.K., Bélgica; Courants Alternatifs, PARVIS, París y Burdeos, Francia; Eretica, Palermo, Italia; Il Potere delle Donne, Galería Civica di Arte Contemporanea, Trento, Italia; Produciendo Realidad, Lucca, Italia; Primer Festival de Arte Corporal, Caracas, Venezuela; Ha sido invitada a participar en la Bienal Moscú 2007; I Bienal Arquitectura, Arte Paisaje Islas Canarias en 2006; III Bienal de Tirana, Albania en 2005; Bienal de Venecia en 2001 y 2005; II Bienal en Praga en 2005; Y III Bienal en Lima, Perú en 2002. Ganó el Premio León de Oro de jóvenes artistas por su participación en la Bienal de Venecia en 2005. Ha publicado una monografía de su obra Regina José Galindo por VanillaEdizioni, y PrometeoGallery, Italia 2006, y el libro de poesía Personal e Intransmisible, editorial Coloquia, Guatemala, 1999.

Entrevista con Regina José Galindo (2010)

Entrevista a Reverend Billy (William Talen) y a Savitri D. de Church of Stop Shopping, llevada a cabo por Jill Lane como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

 Biografía

Reverend Billy y Savitri D. de Church son artistas de performance basados en Nueva York, Estados Unidos. La pareja dirige Church of Stop Shopping, una comunidad de performance radical que utiliza los estilos del televangelismo fundamentalista y trabaja dentro de la tradición del Movimiento por los Derechos Civiles, la teología de liberación latinoamericana y ACT-UP.

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Entrevista a Reverend Billy y a Savitri D. (2007)

Entrevista a Richard Schechner, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Richard Schechner: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2001)

Entrevista a Roberto Gutiérrez Varea y a Violeta Luna de Secos y Mojados, llevada a cabo por Sarah Townsend como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

 Biografías

Secos y Mojados es un colectivo latino de performance fundado por Violeta Luna (México), Víctor Cartagena (El Salvador), David Molina (Argelia/El Salvador) y el director Roberto G. Varea (Argentina) con base en San Francisco, California, Estados Unidos.

 

Roberto Varea (director) nació en Argentina y desde 1992 vive en San Francisco, California, Estados Unidos. Su trabajo se centra en cuestiones de performance y su relación con la violencia de estado y los movimientos sociales de resistencia.

 

Violeta Luna es actriz y artista de performance. Obtuvo su maestría del Centro Universitario de Teatro en la Ciudad de México. Desde 1998 se desempeña como artista asociada de La Pocha Nostra bajo la dirección de Guillermo Gómez Peña. Actualmente, Luna explora la relación entre el teatro, el performance y la labor comunitaria.

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Entrevista a Roberto Gutiérrez Varea y a Violeta Luna (2007)

Entrevista a Rocío Boliver, llevada a cabo por Antonio Prieto Stambaugh, durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Rocío Boliver habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa su performance “Sonata para pepáfono y voz, Opus 140”, la cual fue presentada durante este evento de diez días que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

Rocío Boliver, La Congelada de Uva, ha estado activa en el mundo del arte desde 1992. Comenzó su carrera como artista de performance en el 1992 con la lectura de sus textos porno-eróticos, enfocando su crítica en la represión de las mujeres.

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Entrevista a Rocío Boliver (2009)

Rosa Luisa Márquez es una artista de teatro y pedagoga puertorriqueña; se especializa en teatro contemporáneo. Rosa Luisa comenzó su carrera de pedagogía en el Departamento de Drama de la Universidad de Puerto Rico en el 1978. Desarrolló el actual currículo del curso "Actividades Dramáticas", a través del cual ofrece talleres en escuelas, prisiones, centros de rehabilitación, refugios de mujeres, hogares de ancianos y centros comunitarios. Sus proyectos de dirección incluyen Romeo(s) y Julieta(s), Historias para ser contadas, La Leyenda del Cemí, Procesión, Esperando a Godot, Jardín de Pulpos, Absurdos en la Soledad, El León y la Joya, entre otros. Sus publicaciones incluyen Brincos y Saltos: el juego como disciplina teatral e Historias para ser contadas, montaje de Rosa Luisa Márquez. Es miembro de la junta de directores y equipo de pedagogía de la Escuela Internacional de Teatro de América Latina y el Caribe (EITALC). Ha colaborado con artistas tales como: Gilda Navarra y Antonio Martorell (Puerto Rico), Grupo Malayerba (Ecuador), Grupo Cultural Yuyachkani (Perú), y los directores Peter Schumann (Bread and Puppet Theater, Estados Unidos) y Augusto Boal (Teatro del Oprimido, Brasil). En esta entrevista Marquéz habla sobre el rol de los juegos, la colaboración, la dramaturgia del actor, la música, los objetos, el espacio, el texto y el público en su trabajo creativo y sus producciones teatrales. Su trabajo pedagógico y comunitario también se discute en el contexto de las políticas culturales puertorriqueñas. Finalmente, la artista habla sobre sus constantes colaboraciones con artistas, local e internacionalmente, y de sus futuros proyectos teatrales.

Entrevista a Rosa Luisa Márquez (2006)

Rosemary Richmond (Akwesasne Mohawk del Clan de los Osos) es miembro de la tercera generación del American Indian Community de la ciudad de Nueva York. Ha trabajado para el American Indian Community House (AICH) desde 1975, y ha sido su directora ejecutiva desde 1987. Bajo su liderazgo, AICH (www.aich.org) ha pasado de ser un consorcio poco organizado de grupos e individuos, a un centro de apoyo social y cultural multifacético. En esta entrevista, Richmond habla sobre la historia de AICH y los servicios que la organización provee a la comunidad nativo americana en la Ciudad de Nueva York. Esta entrevista complementa la Colección del AICH de la Biblioteca de Video Digital del Instituto Hemisférico. Está disponible también en línea en la página web del Instituto a través del web cuaderno titulado Native Performance in New York City at the American Indian Community House.

Entrevista a Rosemary Richmond (2005)

There is no translation available.

Interview with Rossana Reguillo, conducted by Diana Taylor, founding director of the Hemispheric Institute of Performance and Politics. In this interview, Professor Reguillo speaks about how fear, interplaying with other emotions like anger and hope, is structurally used by different governments to shape politics of passions.

Interview with Rossana Reguillo (2011)

Entrevista con Rossana Reguillo, conducida por Diane Taylor, directora fundadora del Hemispheric Institute of Performance and Politics. Esta entrevista es parte de una serie coordinada por el Hemispheric Institute, articulada alrededor de la pregunta “¿Qué son los estudios de performance?”.

Entrevista a Rossana Reguillo: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2011)

Entrevista a Rulan Tangen (Dancing Earth) y a Leland Chapin (Los Colores Studio), llevada a cabo por Jennifer Cayer durante el 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

Rulan Tangen ha sido artista de la danza toda su vida y vive en Santa Fe, Nuevo México, Estados Unidos. Es directora y coreógrafa de la internacionalmente aclamada compañía Dancing Earth Indigenous Contemporary Dance Creations.  Leland Chapin  es artista visual bilingüe e instructor de arte que vive en Santa Fe, Nuevo México, Estados Unidos. Tiene una licenciatura en Artes y una maestría en Enseñanza de Artes Visuales. Fue parte de Teach for America, 2001-2003.

Entrevista a Rulan Tangen y a Leland Chapin (2007)

Entrevista en tres partes con el director teatral, teórico y fundador del reconocido colectivo Teatro la Candelaria, Santiago García, llevada a cabo por la académica de teatro chicana Alma Martínez. En esta extensa entrevista, García discute temas claves relacionados a su trabajo artístico, narrando sus primeras experiencias en el teatro, su trayectoria artística con La Candelaria (fundado en el 1996, y todavía uno de los más importantes grupos de teatro de Latinoamérica), y su visión personal sobre el teatro popular, la creación colectiva, la influencia de las teorías brechtianas en su trabajo artístico, el rol como director se un colectivo de colaboración artística, y el estado del teatro colombiano en el contexto de la actual crisis política y económica del país. Santiago también comenta sobre las influencias y puntos de contacto entre el teatro latino en los Estados Unidos y el teatro Latinoamericano, basándose en experiencias personales de viaje y trabajo con diferentes grupos de teatro, incluyendo el colectivo chicano Teatro Campesino. Bajo la categoría de lo "popular", García analiza las afinidades artísticas y las elecciones ideológicas que se presentan en la creación colectiva a través de las Américas. Finalmente, el artista comparte su sentir sobre la versión de "El Quijote" que desarrolla La Candelaria, basada en una adaptación personal que hace García del texto. Esta obra, una mezcla carnavalesca de culturas y tradiciones, recalca los rasgos compartidos entre la novela española y la cultura colombiana, mientras propone un comentario acerca de la ilusión, la fantasía y la utopía; elementos que el autor considera ausentes en la Colombia contemporánea.

Entrevista a Santiago García (1999)

Entrevista a Santiago García, llevada a cabo por Mila Aponte-González, durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Santiago García habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa la performance del Teatro de la Candelaria “A título personal”, la cual fue presentada durante este evento de diez días que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

Biografía

Santiago García es un reconocido actor colombiano, dramaturgo, director de teatro y educador nacido en el 1928. Ha sido el director del Teatro La Candelaria desde 1966 cuando fue fundado por un grupo de artistas e intelectuales independientes. Dedicado a una exploración en curso del folclore, de los eventos y de los personajes nacionales, gran parte de su repertorio fue creado utilizando el método de “creación colectiva”. La Candelaria también fomentó la creación de la Corporación Colombiana de Teatro y ha desarrollado varios trabajos teóricos que son reflexiones de la creación dramática, de sus métodos y de sus idiomas.

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Entrevista a Santiago García (2009)

Entrevista a Sayuri Guzmán, llevada a cabo por Maja Horn durante el 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas en las Américas: Formaciones de raza, clase y género”.

 Biografía

Sayuri Guzmán es artista, crítica de arte y maestra en la República Dominicana. Estudió Diseño de Modas en la Universidad Autónoma de Santo Domingo (ASD) y tiene una licenciatura en Historia y Crítica del Arte. Actualmente, guzmán organiza el Encuentro Internacional de Performance y Arte Acción “perforMar: espacio de convergencia” en la República Dominicana.

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Entrevista a Sayuri Guzmán (2007)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Sheila Tousey, realizada por Sheila Tousey como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Sheila Tousey (Menominee y Stockbridge-Munsee) ha sido actriz en numerosas producciones en la Ciudad de Nueva York y en distintos teatros regionales en los EEUU. Entre los directores con quienes ha trabajado se encuentran Joann Akalaitis, Joe Chaiken, Linda Chapman, Kennetch Charlette, Liviu Ciulei, David Esbjornson, Hanay Geiogamah (del American Indian Dance Theater), Muriel Miguel, Lisa Peterson, Betsy Richards, Sam Shepard, Tony Taccone, Paul Walker y Robert Woodruff.  Junto a Maria Vail y en colaboración con Sam Shepard, Sheila adaptó recientemente Bottlehouse (Casa de botella), una pieza basada en los cuentos y la poesía de Sam Shepard.  Tiene una maestría del programa graduado de actuación de New York University.

Diane Glancy (Cherokee) es profesora de Macalester College en St. Paul, Minnesota, donde enseña literatura indígena americana y escritura creativa. Obtuvo su maestría en escritura creativa en Iowa University. Glancy ha publicado dos libros de obras teatrales, American Gypsy (Gitana estadounidense, publicada por University of Oklahoma Press, 2002), and War Cries (Gritos de guerra, Holy Cow!, 1998). En el sitio web www.alexanderstreet.com se pueden encontrar una selección de sus obras más cortas, The Sum of Winter (El invierno en suma), y una introducción al teatro faccional. Su última obra, Stone Heart: Everybody Loves a Journey West (Corazón de piedra: A todos les gusta un viaje al oeste) representa la historia de Sacajawea mientras acomnpaña la expedición de Lewis y Clark del 1804 al 1806. Ésta fue producida en el 2006 en el Autry National Center en Los Ángeles y fue escenificada en el Museo Smithsonian Indígena Americano en la Ciudad de Nueva York y el Museo Nacional de los Indígenas Americanos en el Mall en Washington D.C. Glancy también ha publicado novelas, cuentos, ensayos y poesía.

Entrevista a Sheila Tousey (2007)

Entrevista con Soledad Falabella, Conducida por Diana Taylor,  directora fundadora del Hemispheric Institute of Performance and Politics.

Entrevista a Soledad Falabella: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

En esta entrevista, Soni Moreno (Maya/ Apache/ Yaqui) reflexiona sobre sus primeros años como artista en la Ciudad de Nueva York, y su relación con el American Indian Community House (AICH). Durante este tiempo, Moreno conoció a su compañera de canto, Pura Fe (Tuscarora), y comenzó el grupo Ulali (www.ulali.com). Ella recuerda los primeros espectáculos que presenció en el AICH, y en los que participó junto con prestigiosos músicos del jazz, como Jim Pepper (Kaw) y del rock, como Robbie Robbertson (Mohawk). Moreno nos habla sobre la gama de proyectos que ha desarrollado en el AICH, incluyendo espectáculos de comedia, drama y danza. Soni ha colaborado en varios proyectos a través de los años, entre ellos recuerda su colaboración en los Vagina Monologues (Monólogos de la Vagina) y en la banda sonora de la serie L Word junto con Matou, el grupo nativo americano Moari con el cual actualmente trabaja.

Entrevista a Soni Moreno (2006)

Entrevista con Stella Giaquinto y Nora Mouriño, (Grupo de Teatro Catalinas Sur) llevada a cabo por Julieta Infantino como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política celebrado en Junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina, bajo el título "Corpolíticas en las Américas: Formaciones de Raza, Clase y Género". El Grupo de Teatro Catalinas Sur es un grupo de teatro popular (cien actores-una orquesta-grandes marionetas) del barrio La Boca, Buenos Aires, Argentina.

Entrevista a Stella Giaquinto & Nora Mouriño (2007)

Steve Elm (Oneida) estudio en el Rose Bruford College de Londres. Ha trabajado como actor en el cine, la televisión y el teatro. Ha trabajado como dramaturgo y director del London's Common Body Theatre de la Universidad de Manchster (Inglaterra) y con el proyecto de teatro joven del American Indian Community House (AICH). Es miembro fundador del Chika Lokoli Native Theatre Ensemble en la Ciudad de Nueva York. En adición, ha trabajado como actor con el Only Make Relieve Company de Nueva York y como actor/profesor con el CUNY's Creative Arts Team. En esta entrevista, llevada a cabo por la curadora del Instituto Hemisférico Raquel Chapa, Elm se enfoca en su trabajo pasado y en su lucha en contra del estereotipo del nativo americano en el teatro. Esta entrevista complementa la Colección del AICH de la Biblioteca de Video Digital del Instituto Hemisférico. Está disponible también en línea en la página web del Instituto a través del web cuaderno titulado Native Performance in New York City at the American Indian Community House.

Entrevista a Steve Elm (2005)

Entrevista con Sue-Ellen Case, dirigida por Diana Taylor, directora fundadora del Hemispheric Institute of Performance and Politics.

Entrevista a Sue-Ellen Case: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2002)

Entrevista a Suely Rolnik, llevada a cabo por Pablo Costa durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Suely Rolnik habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa su conferencia magistral “Furor de arquivo”, la cual fue presentada durante este evento de diez días que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

Suely Rolnik tiene grados en Sociología y Filosofía de Université Paris VIII y un grado en Psicología de Université Paris VII. Enseña en Pontifícia Universidade Católica de São Paulo y es profesora visitante en el Programa de Estudios Independientes de Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MacBa) y en el Máster Oficial en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual de la Universidad Autónoma de Madrid y del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (MNCARS). Su trabajo se centra en el terreno transversalizado por la filosofía, la práctica clínica, la política y la estética y toma la forma de investigación, escritura, enseñanza, tratamiento y práctica clínica strictu senso. Es autora de varios libros como “Micropolítica: Cartografías del deseo” (en colaboración con Félix Guattari) y es investigadora en la red Conceptualismos del Sur.

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Entrevista a Suely Rolnik (2009)

Entrevista con Susana Cook, llevada a cabo por Mila Aponte-González como parte del como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en Junio del 2007, en Buenos Aires, Argentina, bajo el título "Corpolíticas en las Américas: Formación de Raza, Clase y Género". Susana Cook (www.susanacook.com) es una artista de teatro político argentina que reside en la ciudad de Nueva York desde 1991, donde ha presentado más de 16 obras originales. En la década de 1980 presentaba sus piezas teatrales en el Centro Parakultural de Buenos Aires.

Entrevista a Susana Cook (2007)

Entrevista a Tania Bruguera, llevada a cabo por José Muñoz durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Tania Bruguera habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa su performance “Sin título (Bogotá, 2009)”, la cual fue presentada durante este evento de diez días que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

Tania Bruguera es artista política que trabaja principalmente con el arte de conducta. Su trabajo explora el rol del público en performances y la relación entre la ética y el deseo. Bruguera está interesada en crear situaciones políticas a través de su trabajo. Ha tenido exhibiciones y performances en Documenta, Vienna Biennalis y en museos tales como el Tate Modern. En el 2008 recibió el Prince Claus Award (Holanda). Su trabajo ha sido comentado en “Artforum”, “The New York Times”, “Performance Research” y “Performance: Live Art Since 1960”, entre otros. En el 2002 creó la Cátedra Arte de Conducta, el primer centro en la Habana dedicado al estudio de arte político.

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Entrevista a Tania Bruguera (2009)

Entrevista a Tavia Nyong’o, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Tavia Nyong’o: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Entrevista a Teddy Cruz, llevada a cabo por Diana Taylor durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. En esta entrevista, Teddy Cruz habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública. Esta entrevista complementa su participación en la mesa redonda “Arquitectura, geografía y visualidad”, la cual se llevó a cabo durante este evento de diez días que combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

 Biografía

Teddy Cruz es profesor asociado en Cultura Pública y Urbanismo en el Departamento de Artes Visuales en University of California. Ha sido reconocido por su trabajo de investigación urbana de la frontera Tijuana-San Diego y por su trabajo sobre la vivienda y su relación con una política urbana más inclusiva de programas sociales y culturales para la ciudad.

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Entrevista a Teddy Cruz (2009)

Teresa Hernández es una artista del escenario puertorriqueña. Desde 1987 ha escrito, dirigido y actuado piezas de teatro y danza, en ambas las escenas puertorriqueñas de arte comercial y arte experimental. Junto con la coreógrafa Viveca Vázquez, dirige y administra el Taller de Otra Cosa, Inc., organización sin fines de lucro comprometida con el desarrollo y la producción de danza experimental y proyectos de performance en Puerto Rico. Como artista independiente, ha producido su trabajo desde 1991 a través de su organización "Producciones Teresa, no Inc." Además, ofrece talleres, charlas y demostraciones de performance para estudiantes de escuela superior y de nivel universitario. Los proyectos creativos de Teresa se caracterizan por su consistente renuncia a las categorías artísticas tradicionales. El teatro, la danza, el performance, el texto dramático, el movimiento, los disfraces, el video y los objetos cotidianos se yuxtaponen y se confrontan, en un espacio liminal donde las nociones de la precariedad son exploradas y celebradas. Los personajes de Teresa exploran y exponen las ansiedades del Puerto Rico cotidiano, investigando transversalmente temáticas de género, clase y raza. En esta entrevista, la artista habla sobre su acuñado término "artista del escenario" (vis-à-vis "performera", "actriz" o "bailarina") en relación con su multifacético entrenamiento y su trayectoria artística. La artista habla sobre la aproximación, la apropiación, y la precariedad como coordenadas de organización en su trabajo. Hernández también nos habla sobre la creación y transformación de sus personajes, el uso de disfraces y objetos cotidianos como estímulos de creación, las problemáticas a las que se enfrenta al ser una artista experimental en Puerto Rico, y sobre su nuevo proyecto -al momento de la entrevista- "Nada que ver (Composiciones Escénicas Sobre el Yo)".

Entrevista a Teresa Hernández (2006)

Entrevista con Teresa Ralli, miembro fundador del Grupo Cultural Yuyachkani, conducida por Diana Taylor en el contexto del Primer Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, llevado a cabo en Rio de Janeiro, Brasil en el 2000. Ralli discute el rol de la mujer en Yuyachkani en el contexto de las problemáticas políticas y de género en Perú. Los temas que se cubren son: el rol de la mujer en la sociedad, la dificultad de vivir como mujeres practicantes profesionales del teatro, y cómo el trabajo de mujeres artistas con Yuyachkani sirve como un espacio de auto-reflexión sobre estos roles y el espacio para jugar con ellos y cuestionarlos. Para la artista, el teatro ha sido un espacio de crecimiento personal, de exploración estética y de intervención social. Teresa habla sobre la negociación entre los talleres de Yuyachkani con mujeres Peruanas (que trabajan con temáticas de sensibilidad, conciencia corporal y memoria), sus performances teatrales, y su activismo político en el Perú, ambos en el contexto del trabajo interno de Yuyachkani y en su relación con el público. Ella comenta sobre el Encuentro Nacional de Actrices (un evento/conferencia que unió a varias actrices/performeras del Perú), la celebración del Primer Festival de Teatro Mujer (el primer gran festival de teatr llevado a cabo por mujeres en el Perú), el ambiente creativo y político que rodeó la creación de la primera pieza de mujeres de Yuyachkani, La primera cena (dirigida por Ralli), y el rol que las mujeres Peruanas juegan en la creación y en la ejecución de su unipersonal Antígona.

Entrevista a Teresa Ralli (2000)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a Terry Gomez, realizada por Edward Wemytewa como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

Terry Gomez pertenece a la Nación Comanche de Oklahoma. Es una dramaturga publicada y producida, escritora publicada, directora de teatro, actriz y pintora. En el Public Theater de la Ciudad de Nueva York se produjo una lectura dramatizada de su obra Inter-tribal, que fue publicada en la antología Plays by Women of Color (Piezas por mujeres de color). Otras de sus obras que han sido escenificadas en distintos espacios en Nuevo México incluyen Inter-tribal, Reunion (Reunión), The Antigone (La Antígona), A Day at the Night Hawk (Un día en el Night Hawk), Carbon Black (Negro carbón), Rain Dance (La danza de la lluvia), Melanin (Melanina) y The Woman with a Mustache (La mujer con bigote). Terry ha sido profesora auxiliar de artes dramáticas en el Institute of American Indian Arts en Santa Fe, New Mexico y instructora para el programa de verano de la I.A.I.A./ABC/Disney. Ha dirigido siete obras originales, dos exhibiciones para el I.A.I.A. y Ghost Dance (Baile fantasma), de Annette Arkeketa. También ha enseñado talleres para la escuela comunitaria de Santa Clara Pueblo, el programa de idioma de Tesuque Pueblo, la escuela comunitaria de Crown Point y para el Festival Internacional de Talleres en Londres, Inglaterra. Obtuvo una beca American Indian College Fund/Andrew W. Mellon del 2007-2008. Sus trabajos recientes como actriz incluyen una gira de un mes de duración por Nuevo México con la compañía teatral Wise Fool en la obra Baggage (Equipaje). Tiene dos hijos y vive actualmente en Santa Fe.

Edward Wemytewa fue concejal tribal zuni y se conecta con su herencia cultural zuni a través del arte y el lenguaje. Es el director fundador de la compañía de  teatro narrativo Idiwanan An Chawe. Edward es dramaturgo, performer y artista visual, y sus pinturas y esculturas premiadas han sido exhibidas en museos de Arizona y Nuevo México.

Entrevista a Terry Gomez (2007)

Entrevista a Tomás Ybarra-Frausto, llevada a cabo por Sean Cook para el Instituto Hemisférico de Performance y Política. Tomás Ybarra-Frausto fue el Director de Creatividad y Cultura del Rockefeller Foundation. Su trabajo con esta división incluyó la creación del Humanities Residency Fellowship Program, el Museum Program, el U.S.-Mexico Fund for Culture y la Red Latinoamericana de Productores Culturales. Anterior a su trabajo en la Rockefeller Foundation, Tomás fue profesor en el Departamento de Español y Portugués de Stanford University. Como destacado historiador y teórico en el campo de Estudios Chicanos, ha escrito extensamente sobre el tema y ha sido instrumental en la definición de los cánones del arte chicano. Tomás presidió la junta del Mexican Museum en San Francisco y la junta del Smithsonian Council. En el 1999, se le fue otorgado el Henry Medal del Smithsonian Institution. Obtuvo su doctorado en Español en el 1979 y su maestría en Literatura Latinoamericana en el 1973, ambos de la University of Washington en Seattle. Obtuvo su licenciatura en Español de University of Texas en Austin en el 1960.

Entrevista a Tomás Ybarra-Frausto (2002)

Entrevista a Tracy Davis, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Tracy Davis: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Entrevista con la actriz colombiana Vicky Hernández, llevada a cabo por la académica de teatro chicana Alma Martínez. En esta entrevista, Hernández narra su experiencia como actriz de teatro con reconocidos colectivos de teatro tales como La Candelaria, Teatro Experimental de Cali (TEC), Teatro Popular de Bogotá (TPB) y el Teatro Nacional, así como su trayectoria como actriz de televisión y cine. A la luz del clima político y la crisis económica de la Colombia de fines del siglo XX, la artista propone un comentario acerca de cómo las políticas culturales son llevadas a cabo en el teatro colombiano, en la televisión y en la industria del cine. Comparando y contrastando los diferentes aspectos y técnicas de estos campos de trabajo, Vicky discute la importancia del entrenamiento y la educación del actor, enfatizando la urgencia de mejorar estos aspectos en la comunidad artística de su país.

Entrevista a Vicky Hernández (1999)

Entrevista con Vicky Holt Takamine y Jamaica Osorio, llevada a cabo por Diana Taylor, durante el séptimo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en agosto de 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales.” En esta entrevista, Vicky Holt Takamine y Jamaica Osorio hablan sobre su visión de cómo su particular trabajo sobre el performance logra hacer una intervención política en la esfera pública. Parte de la entrevista incorpora un momento improvisado de palabra hablada (spoken word) por Osorio. Esta entrevista complementa la actuación de Hula como resistencia, presentado durante este evento que dura diez días y combina el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía.

Vicky Holt Takamine es la fundadora y kumu hula (maestra de maestras) de Pua Ali'i ' Ilima, una escuela de danza hawaiana tradicional. Además es profesora de hula en UH Manoa y Leeward Community College. Holt Takamine se graduó a través de los rituales ‘uniki de hula de Maiki Aiu Lake. Vicky recibió su licenciatura y maestría en Etnología de la Danza de la Hawaii University. Desde 1997, ha coordinado manifestaciones, mítines y marchas que piden justicia social, económica y ambiental para los hawaianos nativos.

Jamaica Osorio es una graduanda reciente de Kamehameha Schools Kapalama y reside en Honolulu, Hawaii cuando no está asistiendo a la Universidad de Stanford. En 2008, Jamaica fue parte del equipo de cinco personas que ganó la competencia internacional de poesía juvenil Brave New Voices en Washington DC y que aparece en el documental de HBO " Brave New Voices." En 2009, fue nombrada Youth Speaks Hawaii Grand Slam Champion.

Entrevista con Vicky Holt Takamine y Jamaica Osorio (2009)

There is no translation available.

In this interview, conducted at the Hemispheric Institute's 5th Encuentrom Belo Horizonte, Brazil, 2005, Takamine talks about how hula dance has served as a tool for transmission of native Hawaiian traditions, as a mode of resistance against colonialism, and as a site for the discussion of issues of intangible cultural heritage.

Interview with Vicky Takamine (2005)

En noviembre del 2008, el Public Theater de la Ciudad de Nueva York se enorgulleció en organizar un extraordinario festival de teatro con la participación de artistas indígenas americanos actuales.  En lo que fue su segundo año, el festival presentó tres dramatizaciones gratuitas de obras nuevas de los dramaturgos indígenas Victoria Nalani Kneubuhl, Laura Shamas y Eric Gansworth, seguidas de conversatorios abiertos al público; un diálogo abierto al público sobre política y performance con el director artístico Oskar Eustis y un panel de artistas indígenas; una serie de siete mesas de discusión dedicada al campo del teatro organizada con el fin de congregar a artistas y crear un foro abierto para abordar y discutir los problemas que enfrenta el teatro indígena hoy en día; y un concierto de la cantante indígena y afro-estadounidense Martha Redbone en Joe’s Pub. Este video, Entrevista a Victoria Kneubuhl, complementa el archivo del festival del 2008 y forma parte de una serie de entrevistas realizadas por Tom Pearson.

Victoria Nakani Kneubuhl (indígena hawaiiana y samoana) es una dramaturga y escritora de Honolulu. Sus numerosas obras han sido escenificadas en Hawai'i y los EEUU continentales y han estado en giras por Gran Bretaña, Asia y el Pacífico.   Una antología de su trabajo, Hawai'i Nei: Island Plays (Hawai'i Nei: piezas isleñas) ha sido publicada por University of Hawai'i Press, que también publicó recientmente su primera novela de misterio, Murder Casts a Shadow (La sombra del asesinato). Es actualmente guionista y coproductora para la serie televisiva   Biography Hawaii (Una biografía de Hawaii). En 1994, obtuvo el prestigioso Premio Literario de Hawai'i y en el 2006 el Premio Literario Eliot Cades.

Tom Pearson (Cherokee de la Nación Creek y de la Banda de la Costa del Este) es un escritor y artista que trabaja con diferentes medios, incluyendo la danza contemporánea, la performance site-specific (localizada), el cine, las artes visuales e instalaciones a gran escala.  Pearson obtuvo una maestría en estudios de performance en la Escuela de Artes Tisch de New York University y actualmente es el co-director artístico del colectivo de artistas Third Rail Projects, con sede en la Ciudad de Nueva York. Recibió el Premio Bessie de Danza y Performance de Nueva York del 2008 por coreografía y el Premio Kingsbury por escritura creativa.  Pearson ha publicado artículos sobre danza y performance indígena en Time Out New York Kids, Dance Magazine, Dance Spirit, y varias publicaciones online.  Además de su trabajo en el campo del arte contemporáneo, Tom también participa como bailarín y cantante en eventos indígenas tradicionales.

Entrevista a Victoria Kneubuhl (2008)

Entrevista a Viveca Vázquez, llevada a cabo por Beliza Torres como parte del 6to Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política, celebrado en junio del 2007 en Buenos Aires, Argentina bajo el título “Corpolíticas: Formaciones de raza, clase y género”.

Entrevista a Viveca Vázquez (2007)

Entrevista a Vivian Martínez Tabares, llevada a cabo por Mila Aponte-González durante el 7mo Encuentro del Instituto Hemisférico de Performance y Política en agosto del 2009 en Bogotá, Colombia bajo el título “Ciudadanías en escena: entradas y salidas de los derechos culturales”. Este evento de diez días combinó el activismo, la academia y el arte para abordar los temas de los legados, las memorias, las luchas y las fronteras de la ciudadanía. En esta entrevista, Vivian Martínez Tabares habla de cómo su trabajo relacionado a performance, en particular, logra hacer una intervención política en la esfera pública.

 Biografía

Vivian Martínez Tabares es crítica, investigadora teatral, editora y profesora. Sus trabajos figuran en antologías críticas y ha colaborado con publicaciones especializadas en las Américas y Europa. Dirige la revista de teatro latinoamericano “Conjunto” y recientemente publicó una recopilación de sus críticas en “Pensar el teatro en voz alta”. Actualmente es Agregada Cultural de Cuba en México.

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Entrevista a Vivian Martínez Tabares (2009)

Entrevista a W.B. Worthen, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a W.B. Worthen: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2007)

Como parte del Festival Indígena que realiza el Public Theater, en diciembre del 2007 se invitaron profesionales de teatro indígenas de EEUU y Canadá para participar en una serie de coloquios y dramatizaciones efectuadas en la Ciudad de Nueva York.  El festival, de cinco días de duración, incluyó dramatizaciones de obras de teatro, conversatorios después de las obras, conciertos, mesas redondas y la performance de Darrell Dennis, Historias de un indígena urbano (Tales of an Urban Indian). Este video documenta una Entrevista a William S. Yellow Robe, Jr, realizada por Hanay Geiogamah como parte de una serie de entrevistas que complementa el archivo del Festival de Teatro Indígena.

William S. Yellow Robe, Jr. ha estado escribiendo obras de teatro por más de treinta años. Pertenece a las tribus Assiniboine/Sioux de la reserva indígena de Fort Peck Indian, en el noreste de Montana. Es el primer dramaturgo assiniboine en obtener el Premio First Book de Drama, una beca de teatro Princess Grace Fe, una beca Jerome y el Premio por Excelencia de la New England Theater Conference. Su obra Grandchildren of Buffalo Soldiers (Nietos de los soldados buffalo) concluyó recientemente una gira nacional bajo la producción de la Penumbra Theater Company y la Trinity Repertory Company. Yellow Robe es un dramaturgo, poeta y cuentista publicado y es autor y director. Es miembro de las compañías de teatro Ensemble Studio Theater y Penumbra Theater Company, y de la Junta de Directores de la compañía Red Eagle Soaring Theater y el colectivo  Missoula Writer's Collaborative.

Hanay Geiogamah pertenece a las tribus Kiowa-Delaware de Oklahoma y es profesora de teatro en el Departamento de Teatro, Cine y Televisión en la University of California at Los Angeles (UCLA). El Sr. Geiogamah también ha sido director del Centro de Estudios Indígenas Americanos de UCLA y en los pasados diez años ha sido el investigador principal del Proyecto HOOP, un programa nacional dedicado a promover el desarrollo del teatro y las artes dramáticas indígenas americanas.  El profesor Geiogamah ha tenido una extensa carrera en el teatro como director, dramaturgo y director y ha participado activamente en el campo y la investigación indígena americana y es el director artístico fundador de la internacionalmente reconocida American Indian Dance Theater. El Sr. Geiogamah ha escrito y editado numerosos libros y artículos sobr el teatro y las artes dramáticas indígenas americanas y es actualmente el editor de la Serie de Teatro Indígena Americano de la American Indian Studies Center Press de UCLA. Su primera colección de obras teatrales, New Native American Drama (El nuevo drama indígena americano), fue publicado por la University of Oklahoma Press y lleva 27 años en circulación.

Entrevista a William S. Yellow Robe Jr. (2007)

Entrevista con Ana Correa y Teresa Ralli, miembros del conjunto teatral peruano Grupo Cultural Yuyachkani, llevada a cabo por el sociólogo y decano de la Escuela de Comunicación, Artes y Ciencias de la Universidad Católica del Perú, Luis Peirano, para el programa del Canal 7 (Perú) "Memoria del Teatro". En esta entrevista, presentada en el contexto de la celebración del Día Internacional de la Mujer, Peirano, Correa y Ralli discuten el rol de la mujer en el teatro peruano. Los temas que se cubren incluyen: el rol de la mujer en la sociedad, el reto de vivir del teatro como mujeres teatreras, y la aportación de las mujeres al trabajo de Yuyachkani; aportación que les provee un espacio de reflexión sobre estos roles, una esfera creativa en la cual se puede jugar y retar los mismos. Para Ralli y Correa, el teatro se ha transformado en un espacio de crecimiento personal, de exploración estética y de intervención social. Las artistas discuten la relación interactiva que existe entre sus talleres con mujeres peruanas (los cuales lidian con la sensibilidad, la conciencia corporal y la memoria), sus performances teatrales, y su activismo político en el Perú. Este programa incluye escenas de La Primera Cena (una de las obras de Yuyachkani) y del Encuentro Nacional de Actrices (un evento/conferencia que juntó a varias mujeres teatreras del Perú). Teresa Ralli también discute su rol en la obra Músicos Ambulantes, y el rol que jugaron las mujeres artistas en la creación del espectáculo de Antígona.

Memoria del Teatro: Mujeres de Yuyachkani (2001)

Yvette Nolan (Algonquina del territorio Kitiganzibi) es dramaturga, consultora teatral y directora. Entre sus obras se destacan Annie Mae's Movement (El movimiento de Annie Mae), BLADE (NAVAJA), Job's Wife (La esposa de Job), Video, el libreto Hilda Blake y la obra para radio Owen. Como dramaturga ha trabajado en varios espacios en Canadá, más recientemente como la dramaturga oficial del Saskatchewan Playwrights Centre Spring Festival. Fue la presidenta del Sindicato de Dramaturgos de Canadá del 1998 al 2001 y de la Playwrights Canada Press del 2003 al 2005. Actualmente es la directora artística de Native Earth Performing Arts en Toronto.

Randy Reinholz, an enrolled member of the Choctaw Nation of Oklahoma, is co-creator and artistic director of Native Voices. He has directed close to fifty plays across the US and Canada including The Rez Sisters, The Waiting Room, Proof, How I Learned to Drive, Hedda Gabler, Speed the Plow, The Cherry Orchard, The Glass Menagerie and numerous productions of Shakespeare's plays. Reinholz was the director and executive producer of Urban Tattoo. Beyond directing and producing he has co-sponsored showcases and Native American diversity workshops for ABC and NBC and is an annual guest artist for the FOX American Indian Summer Institute. He received his MFA from Cornell University and is a tenured professor of Theatre, Television, and Film at San Diego State University in addition to being on faculty in the Program of American Indian Studies.

Randy Reinholz, que pertenece a la Nación Choctaw de Oklahoma, es cocreador  y y director artístico de la compañía teatral Native Voices. Ha dirigido cerca de 50 obras en EEUU y Canadá, incluyendo The Rez Sisters (Las hermanas Rez), The Waiting Room (El salón de espera), Proof (Prueba), How I Learned to Drive (Cómo aprendí a conducir), Hedda Gabler, Speed the Plow (Acelera el arado), The Cherry Orchard (El jardín de los cerezos) y The Glass Menagerie (El zoo de cristal) y numerosas producciones de las obras de Shakespeare. Fue el director y productor ejecutivo de Urban Tattoo. Además de dirigir y producir, ha copatrocinado exhibiciones y talleres sobre la diversidad indígena americana para ABC y NBC y es anualmente un artista invitado en el Instituto de Verano Indígena Americano de Fox. Obtuvo su maestría de Cornell University y es profesor con permanencia en el Departamento de Teatro, Televisión y Cine de San Diego State University, donde también es profesor en el Programa de Estudios Indígenas Americanos.

Entrevista a Yvette Nolan (2007)

Entrevista a Zeca Ligiéro, llevada a cabo por Diana Taylor, directora y fundadora del Instituto Hemisférico de Performance y Política. Esta entrevista forma parte de una serie curada por el Instituto Hemisférico articulada en torno a la pregunta “¿Qué son los Estudios de Performance?”.

Entrevista a Zeca Ligiéro: ¿Qué son los Estudios de Performance? (2011)